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Mission Kathmandu: The Adventures of Nelly & Simon

Climbing the Mountain

By Myriam Kessiby / June 07, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

It takes a lot of effort, energy, tenacity and audacity to reach the peaks of the Himalayas. This is a journey similar to that of Nancy Florence Savard and her team, as they embarked on the production of the 3D animated film Mission Kathmandu: The Adventures of Nelly & Simon. Like the characters in the movie, the producer encountered several challenges along the way, without ever losing sight of her goal. Here is the story behind Mission Kathmandu.


In postproduction - Photo: 10th Ave Productions


A Long Climb

This friendly feature film, set in Quebec in the 1950s, tells the story of Simon, a young anthropology researcher, and Nelly, an audacious detective, who join forces to climb the Himalayas in order to prove the existence of the Yeti. This film was very special to 10th Ave Productions since it was the third animated feature film produced by Nancy Florence Savard’s team. This pioneer also initiated the production of the first two 3D animated feature films made entirely in Canada; The Legend of Sarila and The Rooster of St-Victor. Their most recent film could have been easy to produce for most American animation studios, endowed with great resources for this type of project. However, producing this kind of movie north of the border, requires resourcefulness and patience, as the president of 10th Ave explains: “Obviously we cannot make a first feature film overnight. It took us 12 years to make The Legend of Sarila. We had to be a little crazy. It was difficult, because there was nothing to compare it to. Our budget was ten times lower than the Americans’, therefore our financial partners and our funders were skeptical to the idea that we could do the same thing with so little. At the same time, our budget was twice as high as a traditional film budget in the province of Quebec. People had to trust and agree to go blindly ahead.” 

Indeed, producing an animated film can be much more expensive than shooting a feature film, as the producer-director points out: “When you shoot a film in Quebec, with a good budget, it means that the team has about 35 days of filming. To do the same in animation, we need 350 days of work. You need to have the budget to make people work a lot longer. It was necessary to convince everyone. It took a lot of time.” The 10th Ave team has therefore started to prove itself by making holiday specials; a collection of tales about Christmas traditions before embarking on feature films: “We slowly climbed the stairs, one step at a time. The Legend of Sarila, the first 100% Canadian 3D animated feature film, was a natural step in the development of talent and skill. Then, we decided to make the first film completely in French and made entirely in the Quebec City area, with The Rooster of Saint-Victor. People were telling us that nobody was going to buy that, that it did not make sense. We still took the risk.” The risk paid off as the film was very successful and even distributed outside the country. Above all, this success opened the door to the next project; a film about the Yeti.


The Himalayan backdrop - Photo: 10th Ave Productions


The Quest for the Himalayas

Mission Kathmandu: The Adventures of Nelly & Simon first sprouted in writer-director Pierre Greco’s mind, as he wanted to create an adventure comedy about the Yeti. Pierre's idea is inspired by Mount Everest climbers George Mallory and Andrew Irvine in 1924. For the sake of accuracy, the team made sure to do a thorough research: “In 2015, we went to Nepal on the same journey as the explorers in our film. It took us about eight years to produce, research, develop and validate all the artistic research. That’s because at the beginning, we used books, references and what we could find on the Internet, but we really wanted confirmation. The scenes in the city of Quebec were very precise with the image choices we made. We wanted to be just as respectful of what was shown in Nepal. Artistic director Philippe Arseneau Bussières came with us. It allowed him to immerse himself in the colour scheme of Nepal; the sky, the houses, the materials. Our music director, Olivier Auriol, also made the trip with us so that, in sound and the music, we could add some instruments of the region and the wild sampling of the voices and the sounds of the village. We also met the Nepalese community established in Quebec City to confirm our choices.” An authenticity that is felt beyond the humorous tone of the film.


The main characters Nelly, Simon and Jasmin - Photo: 10th Ave Productions


Reaching the Heights

Mission Kathmandu: The Adventures of Nelly & Simon, released in 2018, was a great success. The climb continues, as Nancy Florence Savard mentions: “Currently, the film has been selected more than twenty times in festivals. The rights were sold in 75 countries. We’re still on the list of the 10 most-watched Quebec films when we’re on the big screens. We won the prize for Best Animated Film in Iran. Universal took the rights for the United States. A release is also planned in France next the fall. I am particularly proud of this release because our film will not be dubbed. They will keep our French accent from Quebec, with our own actors’ voices.”  The company, which celebrates its 20th anniversary, also won the award for Producer of the Year of the Quebec Media Producers’ Association. 

These successes bring the president to compare the creators of 10th Ave with a sports team: “We had a mandate to start with games that could be won at the local level. We wanted our team to improve gradually so that we could go to provincial, then national and international competitions. We are succeeding. It’s extraordinary for a city like Saint-Augustin-de-Desmaures, in the Quebec City area, to be able to offer its team the opportunity to work on a project for a long time.”


Nancy Florence Savard, CEO, producer and director - Photo: Caroline Grégoire

Despite her trajectory as a pioneer, Nancy Florence Savard’s primary goal was not to produce the first 3D animated feature film in Canada or Quebec: “It was only to give our kids and our families local movies while making them the right way. I started my business at the same time as my family of three children and I wondered why there were no Quebec animation projects for our youth. It was really a mother’s reflection, and it was my first motivation. I wanted my children to see our stories. See the culture, traditions, fauna, flora and architecture from here, at home. Create stories that take place locally, while providing foreigners with a touch of exoticism. I wanted the stories, the concepts and our local talent to shine globally to make everybody aware of our skills. This is something we are proud of.”

The director-producer presents 10th Ave as a pioneer company which aims to remain so. “The word comfort is not part of our values,” she says, confidently. Indeed, she believes that we must stay open to changes and innovations as we adapt to the constant transformations of the industry. To be bold, just like when you go looking for the Yeti…

The film MISSION KATHMANDU: THE ADVENTURES OF NELLY & SIMON is available for streaming on iTunes and Google Play and is also available on DVD at Archambault and Renaud-Bray.

Nelly et Simon : Mission Yéti - Gravir la montagne - par Myriam Kessiby | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Nelly et Simon : Mission Yéti

Gravir la montagne

By Myriam Kessiby / June 07, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

Pour atteindre les sommets de l’Himalaya, il faut déployer beaucoup d’efforts et d’énergie ; et faire preuve de ténacité et de témérité. C’est de tout cela qu’est composé le parcours de Nancy Florence Savard et son équipe, vers la production du film d’animation 3D Nelly et Simon: Mission Yéti. Comme les personnages du film, la productrice a rencontré plusieurs embuches sur sa route, sans jamais perdre de vue son objectif. Voici l’histoire derrière Mission Yéti.


En postproduction - Photo : 10e Ave Productions


Une longue ascension

Ce sympathique long métrage, campé dans le Québec des années 50, raconte l’histoire de Simon, un jeune chercheur en anthropologie, et de Nelly, une détective téméraire, qui unissent leurs forces pour aller gravir l’Himalaya dans le but de prouver l’existence du yéti. Ce film était bien spécial pour l’équipe des Productions 10e Ave puisque c’était le troisième long métrage d’animation que l’équipe de Nancy Florence Savard produisait. Soulignons que cette pionnière a été l’instigatrice de la production des deux premiers longs métrages d’animation 3D 100% canadiens : La légende de Sarila et Le Coq de St-Victor. Leur plus récent film aurait été presque banal à concrétiser pour les studios d’animation américains, dotés de grands moyens ce type de projets. Mais pour produire ce genre de film au nord de la frontière, il faut faire preuve de beaucoup de débrouillardise et de patience, comme l’explique la présidente de 10e Ave : « Évidemment on ne peut pas faire un premier long-métrage du jour au lendemain. Pour La légende de Sarila, ça nous a pris 12 ans. Il fallait être un peu fou. C’était difficile, parce qu’il n’y avait pas de comparable. Nous avions un budget qui était dix fois moins élevé que ce qui se fait chez les Américains, donc nos partenaires financiers et nos bailleurs de fonds étaient inquiets à l’idée qu’on puisse faire la même chose avec si peu. En même temps, notre budget était deux fois plus élevé qu’un budget de film québécois habituel. Il fallait donc que les gens aient confiance et acceptent de se lancer à l’aveugle. » En effet, produire un film d’animation peut coûter beaucoup plus cher que de tourner un long métrage en prises de vues réelles, comme le souligne la productrice-réalisatrice : « Quand on fait le tournage d’un film au Québec, avec un bon budget, ça veut dire que l’équipe dispose d’environ 35 jours de tournage. Nous, pour la même étape en animation, c’est 350 jours de travail. Il faut donc avoir le budget pour faire travailler les gens beaucoup plus longtemps. Il fallait réussir à convaincre tout le monde. Ç’a donc pris beaucoup de temps. » L’équipe de 10e Ave a donc fait ses preuves en commençant par faire des spéciaux du temps des fêtes ; une collection de contes sur les traditions de Noël avant de se lancer dans les longs métrages : « On a monté l’escalier une marche à la fois, tranquillement. La légende de Sarila, premier long métrage d’animation 3D 100 % canadien, était comme une démarche normale de développement de talent et de savoir-faire. Après, nous avons décidé de faire le premier film complètement en français et réalisé entièrement dans la région de Québec, avec Le coq de Saint-Victor. Les gens nous disaient que personne n’allait acheter ça, que ça n’avait pas de sens. Nous avons quand même pris le risque. » Le risque a été payant puisque le film a connu beaucoup de succès et a même été distribué à l’extérieur du pays. Surtout, cette réussite ouvrait la porte au prochain projet ; un film sur le yéti.


Les décors de l'Himalaya - Photo : 10e Ave Productions


La quête de l’Himalaya

Nelly et Simon : Mission Yéti a d’abord germé dans la tête du scénariste réalisateur Pierre Greco, qui souhaitait faire une comédie d’aventure sur le yéti. L'idée de Pierre est inspirée de l’ascension de l’Everest par les alpinistes George Mallory et Andrew Irvine, en 1924. Mais par souci de justesse, l’équipe s’est assurée de faire une recherche bien documentée : « En 2015, nous sommes allés au Népal pour faire le trajet des explorateurs de notre film. Ça nous a pris environ huit ans à faire la production, la recherche, le développement et aller valider toute la recherche artistique. Parce qu’au départ, on avait utilisé des livres, des références, ce qu’on pouvait trouver sur Internet, mais on voulait vraiment confirmer. Les scènes de la ville de Québec étaient très précises dans le choix des images qu’on faisait. On voulait donc être tout aussi respectueux pour ce qu’on montrait du Népal. Le directeur artistique Philippe Arseneau Bussières est venu avec nous là-bas. Ça lui a permis de s’imprégner de la palette de couleurs du Népal ; le ciel, les maisons, les matériaux. Notre directeur musical, Olivier Auriol, a aussi fait le voyage avec nous pour que, dans la sonorité et la musique, on puisse avoir certains instruments de la région et de l’échantillonnage sauvage au niveau des voix et des sons du village. On a aussi rencontré la communauté népalaise établie dans la ville de Québec pour confirmer nos choix. » Une authenticité qui se ressent au-delà du ton humoristique du film.


Les personnages Nelly, Simon et Jasmin - Photo : 10e Ave Productions


Atteindre les sommets

Nelly et Simon : Mission Yéti, sorti en 2018, a connu un grand succès. L’ascension se poursuit, comme le mentionne Nancy Florence Savard : « Actuellement, le film a été sélectionné plus d’une vingtaine de fois en festivals. Les droits ont été vendus dans 75 pays. On est toujours dans le palmarès des 10 films québécois les plus vus lorsque nous sommes présentés au cinéma. On a remporté un prix du meilleur film d’animation en Iran. Universal a pris les droits pour les États-Unis. Il y a aussi une sortie prévue en France à l’automne. Je suis particulièrement fière de cette sortie parce qu’ils ne doubleront pas notre film. Ils vont garder notre français, avec les voix de nos acteurs d’ici. » L’entreprise, qui célèbre son 20e anniversaire, a aussi remporté le prix de producteur de l’année de l’Association québécoise de la production médiatique. 

Tous ces succès amènent la présidente à comparer les créateurs de 10e Ave à une équipe sportive : « On s’était donné comme mandat de commencer par des parties qu’on pouvait gagner à l’échelle locale. On voulait que notre équipe se perfectionne graduellement pour qu’on puisse se rendre à des compétitions provinciales, puis nationales et internationales. On y parvient. Et pour une ville comme Saint-Augustin-de-Desmaures, dans la région de Québec, de pouvoir offrir à son équipe la possibilité de travailler longtemps un projet, c’est extraordinaire. » 


La présidente, productrice et réalisatrice Nancy Florence Savard - Photo : Caroline Grégoire

Malgré sa trajectoire de défricheur, l’objectif premier de Nancy Florence Savard n’était pas de produire le premier long métrage d’animation 3D au Canada ou au Québec : « C’était juste d’offrir à nos enfants, à nos familles, des films d’ici en le faisant correctement. J’ai fondé mon entreprise en même temps que ma famille de trois enfants et je me demandais pourquoi il n’y avait pas de projets en animation québécoise pour nos jeunes. C’était vraiment une réflexion de mère et c’était ma première motivation. Je voulais que mes enfants puissent voir des histoires de chez nous. Voir la culture, les traditions, la faune, la flore et l’architecture d’ici. Créer des histoires qui se déroulent chez nous et qui, pour l’international, auraient un certain exotisme. Je voulais faire rayonner les histoires, les concepts et le talent de chez nous à l’international pour que tout le monde prenne connaissance de notre savoir-faire. C’est quelque chose dont nous sommes fiers. »

La productrice-réalisatrice présente 10e Ave comme une société pionnière qui vise à le rester. « Le mot confort ne fait pas partie de nos valeurs » lance-t-elle avec aplomb. En effet, elle estime qu’il faut rester à l’affût des changements et des nouveautés pour s’adapter aux transformations constantes de l’industrie. Faire preuve d’audace, un peu comme lorsqu’on part à la recherche du yéti…

Le film Nelly et Simon : Mission Yéti est diffusé sur iTunes et Google Play et offert en format DVD chez Archambault et Renaud-Bray.

BIBA - Viens jouer dehors, version 2.0 - Par Myriam Kessiby | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Biba

Viens jouer dehors, version 2.0

By Myriam Kessiby / May 09, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

À notre époque, où les tablettes et les téléphones intelligents sont omniprésents, il peut être difficile d’intéresser les enfants au jeu traditionnel, à l’extérieur, pour les pousser à bouger. Alors, lorsque le soleil du printemps revient, ça devrait être l'occasion idéale de les éloigner des écrans et les inciter à aller s’amuser au parc, non? Que se passerait-il si un écran était justement le meilleur outil pour amener les enfants à s’en éloigner ? C’est l’idée derrière la série de jeux pour téléphones intelligents créée par Biba Ventures. Du studio de production à Vancouver, le PDG Matt Toner nous raconte l’histoire derrière le plaisir. 


Des terrains de jeux pour la prochaine génération

Selon Matt Toner, les terrains de jeux traditionnels n’ont pas évolué depuis des décennies : « Les terrains de jeux sont une sorte d’anomalie. Ils ont presque résisté à toute forme de transformation numérique. Si je vous présentais une photo d’un terrain de jeux il y a 100 ans, et ensuite, une autre photo d’un terrain de jeux actuel, vous ne verriez pas tant de différences entre les deux. Par contre, si je vous montrais un téléphone portable d’il y a 20 ans, comparé à un téléphone portable aujourd’hui, vous verriez des différences gigantesques ! Alors, même si ces espaces n’ont pas changé, les enfants et les jeunes familles, elles, ont certainement beaucoup changé. »

Par conséquent, comment utiliser les avancées technologiques pour rendre les aires de jeu dans les parcs plus amusantes et plus attrayantes pour toute la famille ? C’est de cette question que Biba est née.


Le système de terrain de jeu interactif de Biba est présentement disponible dans 4500 parcs à travers le monde. - Photo : Biba


De projet étudiant à jeune entreprise

Matt Toner était chargé de cours au Centre des médias numériques à Vancouver. Alors qu’il enseignait le jeu et la théorie du jeu, son équipe a engagé un stagiaire, Ryan Nadel, pour travailler dans son entreprise précédente, Zeros 2 Heroes : « Nous étions très occupés, et nous avions ce stagiaire qui travaillait avec nous sur un grand nombre de projets. Chaque vendredi, les gens parlaient de leurs plans pour la fin de semaine. Et Ryan disait toujours qu’il allait travailler sur son projet de terrain de jeu, mais il n’expliquait jamais ce que c’était. » 

Ce que Ryan ignorait, c’est que Matt pouvait lui venir en aide. « À Zeros 2 Heroes, nous étions une sorte d’incubateur à idées quant aux approches techniques. À un certain point, en 2014, j’ai demandé à Ryan de me parler de son projet. Il m’a dit : “C’est quelque chose que nous faisions dans le cadre d’un cours, et on pensait pouvoir faire fonctionner les téléphones intelligents sur les terrains de jeux. Mais je crois que ça n’ira nulle part ; nous n’avons plus de temps ni d’argent.” Il m’a expliqué les bases de son idée et je lui ai dit : “Tu viens de passer de stagiaire à cofondateur au cours de cette conversation !” En effet, le stagiaire avait une excellente idée, et nous avions les moyens de la concrétiser. »

L’équipe de Matt Toner a conclu l’entente, a amassé les fonds, a établi un partenariat avec le plus grand manufacturier de terrains de jeux au monde et a commencé à travailler sur le concept. Biba a été lancé en 2016 et l’offre continue de croitre.  


Matt Toner, PDG de Biba Ventures - Photo : Vancouver Sun


Comment jouer

Lorsqu’on pense aux applications visant à encourager les jeunes à être plus actifs, on pense souvent aux jeux où ils jouent avec un cellulaire en mains, se promenant en fixant l’écran. Mais ce n’est pas la façon dont Biba fonctionne. Les jeux offerts via l’application Biba invitent les enfants à compléter des épreuves en utilisant l’équipement présent dans leur terrain de jeux local, que ce soit des balançoires, des glissoires, des barres pour grimper. Ce faisant, les enfants courent, sautent, jouent et échangent avec d’autres enfants. Le téléphone reste toujours dans les mains du parent, qui suit le jeu et qui guide son enfant pendant ses « missions ». De cette façon, le parent interagit davantage avec ses enfants, au lieu d’attendre qu’ils finissent de jouer. Comme Matt le souligne : « Bien honnêtement, si vous allez dans un parc, la moitié des parents qui y sont sortent leur cellulaire. Ils sont sur Instagram ou Facebook et ils ne portent pas vraiment attention, ou du moins, pas autant d’attention à leurs enfants qu’ils l’auraient fait il y a 10 ans. Nous essayons d’exploiter cette tendance pour le bien des enfants. » De plus, l’application peut être utilisée dans n’importe quel terrain de jeux puisque l’usager peut sélectionner les défis à compléter en fonction de l’équipement présent dans leur parc. Par contre, les terrains de jeux qui sont munis des marqueurs de Biba offrent plus de possibilités de jeux. Le parent peut ainsi scanner les codes QR fixés aux différents équipements pour déclencher une animation et un nouveau jeu. 

« Chaque jeu a une fonction permettant de suivre l’activité, afin de savoir si votre enfant a bougé suffisamment ce jour-là. Nous utilisons la méthodologie de l’Organisation mondiale de la Santé  qui suggère que chaque enfant ait 60 minutes d’activité physique par jour. Nous mesurons le tout sur une base de jeu léger, modéré ou vigoureux. Tous les jeux sont programmés en tenant compte de ces modèles. Au départ, nous nous percevions comme une application d’entrainement physique pour enfants, » explique le PDG. Même si c’était déjà très bien, l’équipe s’est rapidement rendu compte que Biba avait beaucoup plus à offrir.


Dans le jeu Dino Dig, les enfants deviennent des archéologues qui partent en expédition de fouille des dinosaures. - Photo : Biba


Des données pour tous

Mesurer l’activité des enfants est excellent pour les parents, mais aussi pour les communautés, comme le mentionne Matt Toner : « Ce qui a fait avancer notre entreprise était non seulement l’angle de l’entrainement physique, mais celui des voisinages en santé, donc l’accès aux données est très attirant pour les gestionnaires. Ils peuvent accéder à de l’information sur l’utilisation de leurs installations et de l’équipement dans les parcs, afin de prendre des décisions informées pour leurs projets d’aménagement. » Plus intéressant encore, les installations ne nécessitent pas de grands investissements en technologie de la part des villes : « La plus belle chose avec Biba est que ça ne requiert pas de connexion Wi-Fi ni même d’électricité pour être installé dans un parc. Il n’y a rien à briser, donc ça maintient les coûts d’entretien très bas. Ça fonctionne grâce à une technologie déjà présente dans les poches du parent! »


Un jeu d’enfant

Avec plusieurs prix déjà remportés et la reconnaissance de Fast Company à titre d’une des entreprises les plus innovantes de 2019, la petite équipe de 25 créateurs chez Biba a de quoi être fière. Mais même avec toutes les félicitations de l’industrie, la grande question est : Est-ce que les enfants aiment Biba ? À cela, Matt Toner invite les familles à expérimenter le concept par eux-mêmes : « Que ce soit avec leurs propres enfants, leurs petits-enfants, leurs nièces ou leurs neveux, les gens devraient l’essayer, car ils pourraient être surpris de la réaction positive des enfants. Nos jeux sont gratuits, alors téléchargez-en quelques-uns et voyez si ça transforme votre expérience au parc. Nous avons passé beaucoup de temps pour faire la phase de recherche et développement correctement. Nous avons aussi fait des études qui démontrent que les enfants jouent plus intensément, plus longtemps et plus souvent avec Biba. La semaine dernière, un de nos designers nous a montré le suivi d’activité de la veille pour son enfant; un petit garçon de 7 ans. Il a dit que son fils ne voulait pas arrêter de jouer à un de nos jeux, Treasure Hunter. Sur ses 60 minutes d’activité, il avait passé 55 minutes à jouer à ce jeu! Nous savons que ça fonctionne. »

Pour tenter d’agrandir leur attrait et avoir l’attrait de grandes marques, Biba a aussi conclu des partenariats avec de plus grandes entreprises de divertissement à la recherche d’options santé : « Nous avons nos propres personnages, mais nous avons aussi créé des jeux avec d’autres marques comme les Télétubbies et Hotel Transylvania. Ça aide à se faire découvrir parmi toutes les applications et ça nous amène plus de gens. »


Un terrain de jeu où les installations de Biba sont en place. - Photo : PlayPowerCanada


Le succès… pour la postérité

L’équipe à Biba Ventures a certainement eu la bonne idée, avec la bonne équipe, au bon moment. Mais quel est le secret de leur succès ? Matt semble très humble à ce propos : « Il y a ce mythe derrière les entreprises de technologie en démarrage que vous aurez un succès fulgurant du jour au lendemain, ou que vous allez mourir instantanément. Parfois, ça prend de la ténacité. Parfois, ça peut prendre cinq ans avant d’avoir l’impression que les choses avancent rapidement. Dans notre cas, ç’a pris du temps. Nous avons fait quelques erreurs. Nous avons travaillé. Nous avons eu beaucoup de chance d’avoir eu de bons investisseurs aussi. »

Ils ont survécu et maintenant prospèrent, ce qui est une bonne chose pour les générations futures : « Nous avons une sorte de devoir karmique de défaire une partie du dommage que nous avons aidé à créer en faisant des jeux vidéo si captivants que les enfants ne quittent jamais le sofa. Biba contribue à cette mission. Nous allons aider à changer cela. C’est important. Nous ne nous découragerons pas. » Il semble que, exactement comme les terrains de jeux, Biba est là pour longtemps.

Les jeux de Biba sont offerts sur l’App Store et sur Google Play. Pour faire installer un terrain de jeux Biba dans votre voisinage, contactez Biba Ventures ou leur partenaire manufacturier d’aires de jeux PlayPower.

BIBA - Come out and play, version 2.0 - by Myriam Kessiby | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Biba

Come out and play, version 2.0

By Myriam Kessiby / May 09, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

In our current era where tablets and smartphones are ubiquitous, it can be hard to engage children in traditional outside play to get them to move. So, when the warmth of spring comes back, it’s time for kids to get away from their screens and go outside to hit the playground. Or is it? What if a screen could actually be the best tool to get children to spend more time away from it? That’s the idea behind a suite of mobile games created by Biba Ventures. From the company’s production studio in Vancouver, the CEO Matt Toner tells us the story behind the fun.


Playgrounds for the next generation

According to Matt Toner, physical playgrounds have not evolved in decades: “Playgrounds are kind of an anomaly. They have almost resisted all digital transformation. If I showed you a photograph of a playground from a hundred years ago, and then I showed you a photograph of a playground today, you wouldn’t see a lot of difference between the two. Now, if I showed you a mobile phone from twenty years ago and compared it to your smart phone today, you’d see gigantic differences! So, even though these spaces haven’t changed, certainly kids and young families have changed a lot.”

So, how can we use digital enhancements to make play areas in parks more fun and more attractive for the whole family? It is from this question that Biba came about.


Biba's smart playground system is currently available at 4,500 sites around the world - Photo by Biba


From school project to startup

Matt Toner used to lecture at the Centre for Digital Media in Vancouver. In the course of teaching game and game theory, his team hired an intern, Ryan Nadel, to work at his previous company, Zeros 2 Heroes: “We were very busy, and we had this intern working with us on a number of different projects. Every Friday, people were discussing their plans for the weekend. And Ryan would always say that he was going to work on his playground set, but he never would explain what it was.” 

What Ryan did not expect was that Matt could help. “At Zeros 2 Heroes, we were sort of an idea incubator when it came to technical approaches. At one point, in 2014, I asked Ryan about his project. He said: “It’s something we were doing in class and we thought we could make smart phones work on playgrounds. But I don’t think it’s going to go any place; we are out of time and money.” He pitched me the basic kernel of the idea and I said: “You went from being an intern to a cofounder in the course of this conversation!” Indeed, the intern had a great idea and we had a way to bring it to life.”

Sure enough, Matt’s team did the deal, raised the money, found a partnership with the world’s largest playground manufacturer and began working on the concept. Biba games was launch in 2016 and the offer is still growing.


CEO Matt Toner - Photo by Vancouver Sun


How to play

When we think about apps that will bring children to be more active, we often think about games where they play with a smartphone in their hands, walking around while staring at the screen. But this is not what Biba is about. Games offered with the app get kids to complete challenges using the equipment in their local playground — may it be swings, slides or monkey bars. Doing so, children run, jump and meet other kids. The phone always stays in the parent’s hands, who follows the game and guides their kids while they complete their “missions.” In this way, the parent also gets to interact more with their children, instead of waiting for them to be done. As Matt reminds us: “Quite honestly, if you go to a playground, half the parents there whip out the smartphone. And they are on Instagram or Facebook and they are not really playing or paying as much attention to the kids as they might have been ten years ago. We are trying to harness that tendency for good.” Moreover, the app can be used in any play area since the user can choose what challenges to complete according to the equipment available where they are. However, the playgrounds equipped with Biba markers offer more options. The parent can scan QR codes linked to the various pieces of equipment to launch an animation and a new game.

“Every game has a little play tracker feature, and you can actually track your kid’s activity that day. We use a World Health Organization methodology; they suggest that every child should have 60 minutes of physical play every day and we measure it on the basis of low, moderate and vigorous play. All the games are coded to capture those fitness patterns. We originally thought of ourselves as a fitness app for children,” explains the CEO. Even though it was already excellent, the team quickly realized that Biba had much more to offer.


In the game Dino-Dig, kids become archeologists on a dinosaur dig expedition - Photo by Biba


Data for all

Measuring kids’ activity is great for parents, but also for communities, as Matt Toner states: “What made our company move along was, not just the fitness angle, but the healthy neighborhoods. Access to data is very appealing for decision makers. Being able to give them real information about how play is evolving in their towns is what our customers have really responded to. It helps them make informed decisions and know how the investment they made in playground equipment is actually being used, how much and how often.” Moreover, it does not require cities to invest into expensive technology: “The beautiful thing about Biba is it doesn’t require a Wi-Fi connection or any kind of electricity to be brought to the playground itself. There is nothing to break, so it keeps maintenance costs low. It uses technology available inside every parent’s pocket.”


Child’s play

With several awards won and recognition from Fast Company as one of the Most Innovative Companies of 2019, the small team of 25 creators at Biba have something to be proud of. But even with remarkable acknowledgment from the industry, the big question is: do the kids like it? To this, Matt Toner invites families to experiment the game for themselves: “Whether it’s with their own kids or grandkids or nieces and nephews, people should try it, because they might be surprised at how much their kids enjoy them. Our games are free, so download a couple and see if it transforms your experience going to the playground. We really spent some time trying to get the research and development right. We’ve also done studies that show that the kids play longer, they play harder, they play more often. One of our designers came in last week and showed us the fitness track for his child, a seven-year-old boy, from the day before. He said that his kid would not stop playing one of our games, Treasure Hunter. Sure enough, he had 55 minutes out of 60 played out of just one game on the playground. We know that it works.” 

To try to broaden their appeal and get the lift of some of the bigger brands, Biba also began partnering with larger entertainment companies that are looking for a healthy second stream alternative: “We have our own characters, but we also have done a game with brands such as the Teletubbies and Hotel Transylvania. It cuts through the clutter of discoverability among all the apps and it brings people to us.” 


Biba playgrounds - Photo by PlayPowerCanada


Success… for posterity

The Biba Ventures team certainly had the right idea, with the right people, at the right time. But what is the secret behind their success? Matt seems very humble about it: “There is this myth, when you have a technical startup, that you are going to be an overnight success. Or you’re going to blow up instantly. Sometimes, it takes tenacity. Sometimes, it takes five years to appear like things are moving fast. In our case, it took time. We got a few things wrong. We worked. We were lucky we had some very good investors too.” 

They stayed alive and now thrive, which is a great thing for future generations: “We have a bit of a karmic duty to undo some of the damage we helped create by making video games that are so exciting that kids never leave the couch. Biba helps with that mission. We are going to help figure this out. This is important. We are not going to get discouraged.” It seems that, just like playgrounds, Biba is here to stay.

The Biba app is available in the App Store and Google Play. To get a Biba playground in your neighborhood, contact Biba Ventures or their playground manufacturing partner PlayPower.

Workin' Moms - Parfaitement imparfaite - Par Myriam Kessiby | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Workin’ Moms

Parfaitement imparfaite

By Myriam Kessiby / April 03, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

 Malgré toute la béatitude rose bonbon qu’on associe souvent à la maternité, la réalité est que devenir mère est très exigeant, à tous les niveaux. Entre les pleurs incontrôlables du postpartum (autant du côté de maman que de bébé), la fatigue extrême (non, bébé ne fait pas encore ses nuits), et un sentiment d’impuissance permanent (bébé a terminé les coliques, mais maintenant, il fait ses dents), bien de jeunes mamans se sentent dépassées par leur nouveau rôle. Difficile de ne pas craquer, surtout lorsqu’on tente de jongler vie professionnelle et amoureuse par-dessus tout cela. Mais au lieu de sombrer dans le doute et la culpabilité, peut-on rire des aléas de la maternité ? C’est le pari qu’ont relevé avec brio Catherine Reitman et Philip Sternberg avec la comédie de situation Workin’ Moms.


Distribution de Workin’ Moms - Photo : CBC


Pleurer, puis rire

En plus d'être mère de deux jeunes garçons, Catherine Reitman est aussi la créatrice de la série Workin’ Moms, la scénariste, l’actrice principale, la productrice et réalisatrice. Son mari, Philip Sternberg, est aussi acteur, producteur et réalisateur sur la série.

L’idée derrière Workin’ Moms est née à la fin d’un jour d’angoisse pour Catherine. La jeune mère et comédienne travaillait sur un tournage loin de chez elle alors que son premier fils n’avait que six semaines. La fête des Mères approchait et ses collègues avaient décidé de la taquiner, comme le raconte Philip : « Ils lui disaient qu’elle était une mère terrible. Ils allaient envoyer une carte de la fête des Mères pour notre fils de sa part. Elle a fini par aller pleurer de manière incontrôlable dans sa chambre d’hôtel. Elle m’a appelé en disant qu’elle se sentait coupable, indigne et humiliée. » Au lieu de laisser son épouse s’apitoyer sur son sort, Philip a rapidement trouvé moyen de faire contre mauvaise fortune bon cœur : « En rétrospective, quand on y pense, c’est assez drôle. Alors je lui ai dit : ‘Comment se fait-il que les parents ne parlent pas de ces choses-là? Pourquoi n’écrirais-tu pas là-dessus ?’ Alors elle l’a fait. » Catherine Reitman a donc rédigé la ligne directrice de l’histoire, quelques scènes, puis un épisode pilote. Lorsque le projet a été accepté par la CBC, le travail ne faisait que commencer.


L'auteure-productrice et comédienne Catherine Reitman - Photo : CBC


La réalité de la fiction

Le sitcom Workin’ Moms débute avec le retour au travail de Kate (interprétée par Catherine Reitman) après son congé de maternité. Elle tente du mieux qu’elle peut d’être une mère présente pour son enfant, tout en restant disponible au travail afin d’atteindre ses objectifs professionnels. Impossible de ne pas voir le parallèle avec ce que l’auteure-productrice vivait au même moment : « C’était un grand défi pour moi. Ç’a été une leçon d’humilité incroyable et c’est énormément de travail. Les jours de tournage sont très longs et j’avais un petit bébé de trois mois que j’allaitais lors de notre premier jour de production. J’avais aussi mon autre fils de quatre ans qui entrait à la maternelle en même temps. Il y avait manifestement un conflit entre mon désir d’avoir une carrière et celui d’être avec mes enfants. » Malgré ce tiraillement intérieur, il fallait aller de l’avant. Catherine Reitman avait d’ailleurs l’impression que sa série aurait le potentiel de toucher beaucoup de gens : « Workin’ Moms est une série sur les préoccupations que vivent les parents alors qu’ils doivent soudainement être des adultes. L’émission se concentre sur les mères qui retournent au travail, essayant d’être ce qu’elles étaient auparavant, avec cette pression incroyable d’exceller dans tout. Nous remettons donc en question les attentes qui pèsent sur les femmes. Ce qui nous a le plus surpris, Philip et moi, c’est le nombre de personnes qui n’ont pas d’enfants, qui ne sont pas mariés ou qui ne sont même pas des femmes et qui aiment l’émission. La crise identitaire que les personnages vivent semble rejoindre le public, et la réponse a donc été vraiment merveilleuse. » Et maintenant que la série en est à sa troisième saison, la réponse du public continue d’être toujours aussi positive.


Les producteurs et acteurs Catherine Reitman et Philip Sternberg, avec la responsable de la continuité Kat Reid, conçoivent une scène d’accouchement intense.


Trouver l’humour dans le drame

Une des forces de la série Workin’ Moms est de toucher à des thématiques sensibles, parfois très dures, et d’en faire ressortir les éléments comiques pour faire rire et réfléchir. Bien que les deux producteurs considèrent que la thématique des mères au travail est universelle, ils sont conscients que ce type d’émission ne sera peut-être pas reçu de la même façon en dehors du Canada, comme le souligne le producteur exécutif : « Catherine aborde des sujets très difficiles comme la stigmatisation autour de la maternité, la dépression postpartum ou l’avortement, et notre auditoire comprend. Il y a un formidable mode de vie, ici au Canada, où les gens sont très ouverts et tolérants. C’est quand même incroyable de pouvoir faire une émission sur des situations familiales complexes comme celles-là ! C’est un privilège. »

Ainsi, Workin’ Moms nous rappelle que la réalité d’une mère est souvent loin d’être parfaite... mais c’est parfait ainsi. Après tout, chacun tente de faire de son mieux devant les bouleversements de la vie. Catherine Reitman est arrivée à rire d’elle-même en racontant les travers de la maternité dans une série inspirée de sa propre histoire. Une histoire qui est peut-être, au fond, celle de toutes les mères.

La saison 3 de la série Workin’ Moms est diffusée les jeudis à 21 h (21 h 30 dans les maritimes) sur CBC et CBC Gem. Les saisons précédentes sont offertes sur CBC Gem et sur iTunes.

Workin' Moms - A Behind The Scenes Look | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Workin’ Moms

Perfectly Imperfect

By Myriam Kessiby / April 03, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

Despite all the cotton-candy bliss that is often associated with motherhood, the reality is that becoming a mother is very demanding at every level. Between the uncontrollable sobs of postpartum (both by mom and baby), the extreme tiredness (no, baby does not sleep through the night yet), and a permanent feeling of powerlessness (baby no longer has colics, but now, he’s teething), many young moms feel overwhelmed by their new role. It’s difficult not to break down, especially when trying to juggle a professional and love life. But instead of sinking into doubt and guilt, can we laugh at the difficulties of motherhood? Catherine Reitman and Philip Sternberg brilliantly rose to the challenge with their sitcom; Workin’ Moms.


Workin’ Moms cast


Crying and Laughing

As a mother of two young boys, Catherine Reitman is also the creator of the TV show Workin’ Moms, as well as the scriptwriter, the main actress, the producer, and the director (talk about a juggling act!). Her husband, Philip Sternberg, is also an actor, executive producer and director on the show. The idea behind Workin’ Moms was born at the end of a stressful day for Catherine. The young mom and actress was working on a movie set, far from home, while her first son was only six weeks old. Mother’s Day was around the corner and her colleagues decided to tease her, as Philip remembers: “They told her that she was a terrible mother. They were going to send a Mother’s Day card to our son on her behalf. She ended up crying uncontrollably in her hotel room. She called me saying that she felt guilty, shameful and humiliated.” Instead of letting his wife feel sorry for herself, Philip quickly found a way to make the best of this bad situation: “In retrospect, when you think about it, it’s pretty funny. So, I asked her: How come parents don’t talk about these things? Why don’t you write about it? So, she did.” Catherine Reitman wrote the storyline, some scenes, then a pilot script. When the project got the greenlight from the CBC, the work was just beginning.


Showrunner and actress Catherine Reitman


The Reality of Fiction

Workin’ Moms begins with Kate (played by Reitman) returning to work after her maternity leave. She tries her best to be there for her child, while trying to remain available at work to achieve her professional goals. It’s impossible not to see the parallel with what the showrunner was going through at the same time: “It was very challenging for me. It’s been an incredibly humbling experience and it’s a lot of work. The shooting days are very long, and I had a tiny three-month-old baby that I breastfed on our first day of production. I also had a four-year old who was entering kindergarten at the same time. There was obviously a conflict between my desire to have a career and to be with my children.” Despite this inner tension, it was necessary to move forward. Catherine Reitman had the feeling that her series would have the potential to reach many people: “Workin’ Moms is a show about the concerns parents have when they suddenly have to be adults. The show focuses on mothers returning to work, trying to be what they were before, with this incredible pressure to excel at everything. So, we question the expectations that weigh on women. What surprised Philip and I the most is the number of people who don’t have children, who are not married or who are not even women and who like the show. The identity crisis that the characters live seems to reach the audience, and the answer has been truly wonderful.” And now that the show is in its third season, the audience’s response continues to be as positive as ever.


Producers and actors Catherine Reitman and Philip Sternberg, with Kat Reid (Continuity), are crafting an intense delivery scene.


Finding Humour in Drama

One of the strengths of Workin’ Moms is to present sensitive and sometimes very difficult topics and bring out the comic elements to make people laugh and think. While the duo of producers know that the stories of working mothers are universal, they’re aware that a few of the story lines will play differently in countries outside of Canada, as the executive producer points out: “Catherine tackles very difficult subjects such as the overbearing stigma around motherhood, postpartum depression or abortion; and the audience understands. There is a great way of life, here in Canada, where people are very open and accepting. It’s kind of an amazing thing that we are able to do a show about complex family situations such as this one! It’s a privilege.”

Thus, Workin’ Moms reminds us that a mother’s reality is often far from perfect, but it’s perfect that way. After all, everyone tries to do their best when facing life’s upheavals. Catherine Reitman has come to laugh at herself by telling the failings of motherhood in a show inspired by her own story. A story that may, in fact, be the one of all working mothers.

Season 3 of the show Workin’ Moms airs Thursdays at 9:00 pm (9:30 pm in the Maritimes) on CBC and CBC Gem. Previous seasons are available on CBC Gem and on iTunes.

Fracter - Retrouver les fragments perdus - par Myriam Kessiby - Vue sur le Canada - FMC | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Fracter

Retrouver les fragments perdus

By Myriam Kessiby / March 06, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

Dans la panoplie de jeux vidéo offerts sur le marché, bien souvent, les thématiques et les concepts proposés se ressemblent : des jeux de sports, de combat ou de guerre. Souhaitant sortir du lot, une équipe de créateurs s’est réunie pour raconter une histoire à la fois unique et universelle ; une quête où on tente de se retrouver soi-même. Un personnage égaré dans un labyrinthe obscur, qui entreprend un parcours pour retrouver ses propres fragments lumineux, tout en évitant ses parties sombres. Un jeu d’ombres, de lumières et d’introspection — confectionné comme on écrit un poème. Bienvenue dans l’univers de FRACTER.


Dans le jeu


Toutes les pièces du puzzle

L’équipe derrière FRACTER est manifestement très enthousiaste face à sa création. Comme les entités à rassembler dans le jeu, chacun a apporté sa touche de lumière au projet. D’ailleurs, le producteur Martin Sal, le superviseur technique Andrew Milner, le directeur du marketing Daniel Rattner, le directeur créatif Sanatan Suryavanshi ainsi que le président et producteur exécutif Frank Falcone avaient tous quelque chose à dire sur cette production.

Quelque part entre un voyage spirituel, un casse-tête et une aventure dont vous êtes le héros, FRACTER est le tout premier projet de 4L Games, un groupe issu de l’entreprise de divertissement Guru Studio. Guru étant surtout reconnu pour ses séries d’animations 2D-3D pour enfants, il fallait fonder une nouvelle entité axée davantage sur les jeux vidéo, comme l’explique Sanatan Suryavanshi : « L’intention était d’explorer un nouveau médium en utilisant le talent incroyable que nous avons chez Guru pour raconter une histoire différente, sur une plate-forme différente. Nous avons donc créé 4L Games, une étiquette distincte qui explorera ce type de jeux interactifs à l’avenir. Nous voulions créer un premier jeu qui serait intéressant, intelligent, réfléchi. Dès le début, nous voulions créer quelque chose d’unique. »


Dans la conception de l'univers Fracter


Une idée lumineuse

Bien que le mandat de 4L Games soit différent de celui de Guru Studio, Frank Falcone rappelle que les bases des deux entreprises sont les mêmes : « Les valeurs fondamentales du studio 4L Games découlent des mêmes valeurs que celles de Guru Studio. Selon une théorie étymologique, le mot sanscrit guru provient des syllabes gu et ru, qui signifient ténèbres et lumière qui les dissipe. Un jour, au travail, j’ai donc proposé à l’équipe de jeux un concept basé sur cette idée : celui de trouver son chemin dans l’obscurité, un peu comme on le fait tous lorsqu’on se rend dans un sous-sol sombre pour chercher quelque chose. »

C’est de là que l’équipe créative a développé le récit d’un héros à la recherche de sa lumière intérieure perdue. Les designs en noir et blanc ont aussi été minutieusement conçus pour soutenir cette trame narrative. Le visuel du jeu a quelque chose de très doux, de naïf et d’attendrissant. En même temps, les tons sombres et le design sonore poignant nous plongent dans une ambiance angoissante, claustrophobe et troublante. Les choix artistiques viennent donc appuyer le message, comme le souligne le directeur créatif : « Ça nous rappelle qu’il y a deux côtés à tout, y compris à nous-mêmes. Nous adorons l’idée d’explorer ce monde où tout ce que vous combattez et tout ce vers quoi vous vous dirigez est en vous. C’est vous-même que vous observez. » Le président va dans le même sens : « Ce jeu comporte un aspect fortement méditatif et vous met au défi de faire face aux peurs imaginaires qui se cachent dans les côtés sombres de votre esprit. »


On teste le jeu


Se lancer dans le noir

Créer ce type de divertissement alors qu’il existe peu de jeux similaires avec lesquels se comparer peut représenter un grand risque, surtout lorsqu’il s’agit d’un premier projet, précise Martin Sal : « C’est notre premier jeu en tant qu’équipe, mais aussi, pour certains d’entre nous, c’est notre premier jeu, tout court. Lorsque des personnes sont trop spécifiques à un média, ça peut parfois être limitant. Ça nous a permis de voir les choses sous un angle nouveau concernant les éléments nécessaires pour créer un bon jeu. Nous n’avions pas de livre de règles. Notre vision provenait des différentes expériences personnelles de chacun. » Andrew Milner se souvient du défi que ça a représenté : « Au départ, nous avions tant d’idées ; certaines bonnes, certaines moins bonnes. Nous avons eu à plonger pour déterminer quels seraient les éléments indispensables à l’histoire, à nous concentrer sur ces éléments en les peaufinant et en écartant essentiellement tout ce qui pouvait donner l’impression de ressasser d’autres choses. Tout ça, pour réaliser la vision du monde que nous avions. Nous avons travaillé dans le but de créer un projet différent de la plupart des jeux disponibles sur le marché. »


L'équipe Fracter


Faire son chemin

Réussir à produire une œuvre correspondant à sa vision est déjà une réussite en soi, mais il restait à savoir si le public adhère à cet univers. Daniel Rattner semble en être convaincu : « Le jeu a été lancé en juillet 2018, il y a à peine quelques mois. Nous avons tous été émus par la façon dont le jeu a été reçu depuis le lancement. Nous avons eu une excellente couverture, des critiques formidables et un très bon positionnement dans le Google Play Store et l’App Store. Surtout, plusieurs admirateurs nous ont contactés directement pour nous dire non seulement qu’ils aimaient FRACTER, mais aussi pour nous parler de leur propre vision du récit, puisque le jeu est ouvert à l’interprétation. C’est un avantage émotionnel difficilement quantifiable, mais c’est très touchant à entendre de la part des joueurs. » Le directeur créatif ajoute : « En effet, pendant la phase de test, nous avons été ravis de voir que certains joueurs ont interprété les parties perdues du personnage comme représentant les morceaux d’un cœur brisé, alors que d’autres les ont perçues comme illustrant une perte d’innocence. Nous souhaitions offrir assez d’espace pour permettre aux joueurs de se faire leur propre interprétation de ce qui a été perdu et de ce qui doit être retrouvé, et il semble que ça ait fait écho auprès de notre auditoire. »

Lorsqu’on demande au président Frank Falcone ce qu’il souhaite transmettre à travers FRACTER, sa réponse, à l’image du jeu, laisse songeur : « À une époque où le monde semble sombrer dans l’obscurité, il est important de continuer d’espérer que nous pourrons ramener la lumière dans nos ténèbres, en défiant ces démons qui utilisent des peurs vides pour nous empêcher d’avancer... »

Le jeu FRACTER est disponible pour iOS et Android. Vous pouvez aussi suivre l’équipe sur Twitter et Facebook.

Fracter - Finding Lost Fragments - by Myriam Kessiby - Eye on Canada - CMF | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Fracter

Finding Lost Fragments

By Myriam Kessiby / March 06, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

In the plethora of video games on the market, often the themes and concepts proposed are similar: sports, combat or war games. Aiming to stand out, a team of creators came together to tell a story that is both unique and universal; a quest to try to find oneself. A character lost in a dark labyrinth, who undertakes a journey to find her own fragments of light, while avoiding her dark parts. A game of light, shadows and introspection – crafted the way ones writes a poem. Welcome to the world of FRACTER.


Inside the game


All the Pieces of the Puzzle

The team behind FRACTER is obviously very enthusiastic about its creation. Like the entities we have to gather in the game, everyone brought their own touch of light to the project. Besides, Producer Martin Sal, Technical Supervisor Andrew Milner, Marketing Director Daniel Rattner, Creative Director Sanatan Suryavanshi, and President and Executive Producer Frank Falcone all had something to say about this production.

Somewhere between a spiritual journey, a puzzle and an interactive adventure game, FRACTER is 4L Games’s first project. 4L Games is a group derived from the entertainment company Guru Studio. Guru is best known for its 2D and 3D children's animated series, so it was necessary to create a new organization focused more on video games, as Sanatan Suryanvashi explains: "The intention was to explore a new medium using the incredible talent we have at Guru to tell a different story, on a different platform. So, we created 4L Games, a separate label that will explore this type of interactive games in the future. We wanted to create a first game that would be interesting, smart and thoughtful. From the beginning, we wanted to create something unique."


Creating the Fracter universe


A Luminous Idea

Although 4L Games' mandate is different from that of Guru, the essence of both companies is the same, as Guru Studio President and Executive Producer of FRACTER reminds us: "The core values of the 4L Games studio derive from the same values as those of Guru Studio. According to an etymological theory, the Sanskrit word guru comes from the syllables gu and ru, which mean darkness and light that dispels it. One day, at work, I suggested a concept to the game team based on this idea: that of finding your way in the dark, a bit like we all do when we go into a dark basement to look for something."

It is from there that the creative team developed the story of a hero in search of her lost inner light. The black and white artwork has also been carefully designed to support this narrative. The visual of the game is quite soft, naive and touching. At the same time, the dark tones and the beautiful sound design plunge us into a frightening, claustrophobic and disturbing atmosphere. The artistic choices thus support the message, as the creative director points out: "It reminds us that there are two sides to everything, including ourselves. We love the idea of exploring this world where everything you fight and everything you go to is within you. You are watching yourself." The president agrees: "This game has a strong meditative look and challenges you to face the imaginary fears that hide in the dark sides of your mind."


Testing the game


Venturing into the Dark

Creating this kind of entertainment when there are few similar games to compare it with can be a big risk, especially when it’s a first project, says 4L Games Producer Martin Sal: "This is our first game as a team, but for some of us it’s our first game, period. When people are too specific to a medium, it can sometimes be limiting. It allowed us to see things in a new light about the elements needed to create a good game. We did not have a rule book. Our vision came from our different personal experiences. Andrew Milner, Technical Director, remembers the challenge it represented: "Initially, we had so many ideas; some good, some not so good. We had to dive to determine what would be the essential elements of the story, to focus on these elements by refining and essentially eliminating anything that could give the impression to dwell on other things. All that to achieve the vision of the world that we had. We worked to create a different project than most games available on the market."


The Fracter team


Making Their Way

To achieve the production of a work corresponding to one’s vision is already a success, but whether the audience adheres to this universe remained to be seen. Daniel Rattner seems to be convinced: "The game was launched in July 2018, just a few months ago. We were all moved by the way the game has been received since the launch. We had good coverage, excellent reviews and great positioning in the Google Play Store and the App Store. Above all, many fans contacted us directly to tell us not only that they liked FRACTER, but also to tell us about their own vision of the story, since the game is open to interpretation. It’s an emotional advantage that is difficult to quantify, but it’s very touching to hear from the players." The creative director adds: "Indeed, during play testing, we were pleased to see some players interpret the character’s lost parts representing pieces of a broken heart, while others interpreted it as the loss of innocence. We had wanted enough breathing room for players to be able to make their own interpretations of what they had lost or been trying to find, and that seemed to resonate with the audience."

When asked what legacy he wants to share through FRACTER, Frank Falcone’s response, like the game, leaves us pensive: "At a time when the world seems to be falling into darkness, it is important to continue to hope that we can bring light back into our darkness, defying those demons who use empty fears to prevent us from moving forward..."

The game FRACTER is available for iOS and Android. You can also follow the team on Twitter and Facebook.

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The Messenger

Retour vers le futur

By Myriam Kessiby / January 24, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

Nous sommes au début des années 1990. Le petit Thierry, 8 ans, passe des heures devant sa console à explorer l’univers de Ninja Gaiden. Marqué par ce jeu vidéo, le jeune garçon se met à rêver à sa propre histoire de ninja… Avance rapide 25 ans plus tard. Thierry Boulanger, devenu programmeur, croise la route de Martin Brouard, producteur exécutif. Les deux passionnés de jeux vidéo, alors collègues chez Frima Studio à Québec, étaient loin de se douter que leur rencontre allait mener à la création d’un des plus grands succès de l’année 2018 dans leur industrie : The Messenger.


Martin Brouard et Thierry Boulanger (Photo par Stéphane Bourgeois)


Savoir où on s’en va

Thierry Boulanger avait appris la programmation dans l’espoir de créer un jour ses propres productions. Il souhaitait concrétiser sa vision depuis longtemps : lancer un jeu vidéo en hommage aux jeux de son enfance où personnage principal, un jeune ninja, doit parcourir un monde envahi par les démons afin de livrer un important message.

Thierry et Martin, qui s’étaient côtoyés alors qu’ils étaient employés Frima, n’avaient jamais travaillé ensemble en tant que tel. Malgré tout, les deux collègues se connaissaient suffisamment pour développer un grand respect pour leurs compétences respectives. Martin Brouard raconte : « Thierry m’a présenté son prototype de jeu pour avoir mon avis. Il devait le sortir de son système ! L’idée m’a beaucoup plu et j’avais confiance en son talent. Je n’ai donc pas hésité : je lui ai répondu que j’étais prêt à quitter mon emploi pour démarrer une entreprise avec lui pour réaliser ce projet. On s’est lancé. J’y croyais vraiment. »


The Messenger - image de Sabotage

C’est donc sur la foi d’une idée qu’a été fondé, en avril 2016, le studio de jeux indépendant Sabotage. Mais ce qui semble avoir été lancé sur un coup de tête était, en réalité, un plan précis, bien présenté et bien exécuté comme le souligne le cofondateur : « Il a fallu convaincre les gens puisque plusieurs nous disaient que ça ne marcherait jamais. Mais on connaît bien notre créneau puisque nous sommes nous-mêmes des passionnés de jeux rétro. Nous avons aussi pu compter sur la confiance que nous avons bâtie envers les gens de l’industrie au fil des années, avant de fonder Sabotage. »

Les deux cofondateurs ont d’ailleurs réussi à réunir une dizaine de personnes de qualité pour réaliser le projet, comme l’explique Martin Brouard : « On a monté un groupe d’anciens collègues vraiment expérimentés, des vétérans de leur domaine d’expertise, tous très talentueux et très compétents. Une véritable équipe de rêve ! » L’expérience de chacun était reconnue à un tel point qu’elle a permis à Sabotage d’acquérir une certaine crédibilité dès les débuts, comme le mentionne Martin Brouard : « Deux semaines après avoir fondé l’entreprise, nous avons remporté un prix Numix du studio de jeux vidéo le plus prometteur. » Devant un tel engouement, il fallait livrer la marchandise.


The Messenger sur Nintendo switch - image de Sabotage


De vrais ninjas

Et ç’a été fait. Le 30 août 2018, à peine deux ans après la fondation de Sabotage Studio, le jeu The Messenger a été lancé avec une réception phénoménale, plusieurs prix remportés, des adeptes partout dans le monde et d’excellentes critiques. Comment une si petite équipe a-t-elle réussi à produire un jeu d’aussi grande qualité en si peu de temps ? Le producteur exécutif est convaincu que la qualité des membres de son équipe y est pour beaucoup, en commençant par son cofondateur : « Thierry est un directeur créatif avec une vision très claire, capable de la communiquer, ce qui fait qu’on perd beaucoup moins de temps. Aussi, comme la structure est petite, on a beaucoup moins d’intervenants qui viennent mettre leur grain de sel, donc on avance beaucoup plus rapidement. Thierry reste quand même très ouvert aux suggestions de chacun. C’est pourquoi les membres de l’équipe se sentent très investis dans le projet. C’est leur bébé à eux aussi, même si c’est la vision de Thierry. » Cette ambiance de proximité de l’équipe face au récit et aux éléments du jeu est très différente de ce qu’on voit souvent dans les multinationales de l’industrie. Un principe très cher à Martin Brouard : « On adhère à la philosophie punk, avec une structure horizontale et non hiérarchique. Le respect, la passion et l’art passent avant tout. On voulait faire ce projet d’abord pour l’amour des jeux vidéo et non pour l’argent. »


Chez Sabotage studio (Photo par Stéphane Bourgeois)


Le rétro de l’avenir

Les créateurs voulaient que The Messenger soit plus qu’un hommage aux jeux rétro, comme le précise le producteur exécutif : « C’est une lettre d’amour aux jeux du début des années 90. L’aspect nostalgique est l’accroche ; beaucoup de gens sont attirés par le rétro. En surface, c’est ça, mais on joue avec les attentes en offrant beaucoup plus. Il y a un récit, des surprises, de l’humour, du fantastique, un côté historique des jeux, des revirements de situation. Le jeu passe de l’époque de la NES (Nintendo Entertainment System) à la Super NES au niveau graphique, au niveau musical et au niveau des genres. » Ainsi, The Messenger vise à combiner le meilleur d’hier et d’aujourd’hui, en mariant diverses formes de technologie. « Au bout du compte, on veut créer de la valeur. On souhaite que les gens en aient pour leur argent. Chez Sabotage, notre vision est d’avoir une esthétique rétro, mais avec du design et de la technologie modernes. »

Cette façon de faire et de voir les jeux aura été gagnante, permettant à Sabotage de développer une grande notoriété un peu partout dans le monde, comme le rappelle Martin Brouard : « The Messenger est très populaire à l’international et s’exporte bien. On a une belle visibilité dans la plupart des pays d’Europe. Nos ventes se font beaucoup aux États-Unis et en Chine. On a aussi une belle reconnaissance au Japon alors que les Japonais sont habituellement très exigeants envers les jeux qui ne sont pas conçus chez eux. » Pour couronner le tout, alors que The Messenger était inspiré de Ninja Gaiden, l’équipe de Sabotage a, à son tour, reçu un hommage de la part de ceux à qui ils avaient rendu un hommage : « Les créateurs de Ninja Gaiden ont joué à The Messenger, et ils ont adoré ! Le compositeur de la musique originale a même composé deux pièces musicales inspirées de The Messenger ! »


Graphisme du jeu - image by Sabotage

L’équipe de Sabotage a de quoi être fière : le rêve de Thierry est réalisé et le résultat est fidèle à sa vision. Le jeu se retrouve sur plusieurs listes du meilleur jeu de l’année 2018, à la fois pour le design et l’écriture. « Nous avons réussi à créer un jeu de grande qualité avec toute la passion et la rigueur qu’on veut associer à Sabotage. À ce jour, plus de 150  000 personnes jouent à The Messenger. »

Gageons que ça ne fait que commencer.

 

Le jeu The Messenger est offert sur PC et sur Nintendo Switch. D’autres plateformes sont à venir.

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The Messenger

Back to the Future

By Myriam Kessiby / January 24, 2019 / Posted in: Canadian Success Stories

We are in the early 1990s. Little 8 year-old Thierry spends hours in front of his console exploring the world of Ninja Gaiden. Amazed by this video game, the boy begins to dream about his own ninja story... Fast forward 25 years. Thierry Boulanger, now a programmer, meets Martin Brouard, an executive producer. The two video game enthusiasts, then colleagues at Frima Studio in Québec city, were far from suspecting that their meeting would lead to the creation of one of the greatest successes of the year 2018 in their industry: The Messenger.


Martin Brouard and Thierry Boulanger (Photo by Stéphane Bourgeois)


Knowing Where We Are Going

Thierry Boulanger had learned programming hoping to create his own productions one day. He had wanted to materialize his vision for a long time: to launch a video game in tribute to the games of his childhood where the main character, a young ninja, must travel a world invaded by demons to deliver an important message.

Thierry and Martin, who had rubbed shoulders while employees at Frima, had never worked together as such. Nevertheless, the two colleagues knew each other well enough to develop great respect for their respective skills. Martin Brouard remembers: “Thierry introduced me to his prototype game to get my opinion. He had to take it out of his system! I liked the idea and I trusted his talent. So I didn’t hesitate: I told him that I was ready to leave my job to start a business with him to do this project. We got to work. I really believed in it.”


The Messenger - image by Sabotage

And so, based on one idea, the independent game studio named Sabotage was founded in April 2016. But what seems to have been launched on a whim was, in fact, a precise plan, well presented and well executed as the co-founder points out: “We had to convince people because many told us that it would never work. But we know our niche well since we are passionate about retro games ourselves. We’ve also been able to count on the trust we’ve built in the industry over the years, before founding Sabotage.”

The two co-founders managed to bring together about ten quality people to complete the project, as Martin Brouard explains: “We put together a group of really experienced former colleagues, seniors in their field of expertise, all very talented and very knowledgeable. A true dream team!” Everyone's experience was recognized to such an extent that it allowed Sabotage to gain some credibility from the beginning, as Martin Brouard says: “Two weeks after starting the business, we won a Numix award for the most promising video game studio.” With such a craze, it was necessary to deliver the goods.


The Messenger on Nintendo switch - image by Sabotage


True Ninjas

And it was done. On August 30, 2018, just two years after the foundation of Sabotage Studio, the game The Messenger was launched with a phenomenal reception, several awards, fans all over the world and excellent reviews. How did such a small team manage to produce such a high-quality game in such a short time? The executive producer is convinced that the quality of the members of his team plays a major role, starting with his co-founder: “Thierry is a creative director with a very clear vision, able to communicate it, which means that we don’t waste a lot of time. Also, since the structure is small, we don’t need to deal with the input of several stakeholders, so we move much faster. Thierry is still very open to everyone's suggestions. Therefore, the team members feel very invested in the project. It's their baby too, even if it's Thierry's vision.” This atmosphere of team proximity to the story and to elements of the game is very different from what is often seen in the major corporations in the industry. A principle very dear to Martin Brouard: “We adhere to the punk philosophy, with an horizontal, non-hierarchical structure. Respect, passion and art come first. We wanted to do this project for the sake of video games first and not necessarily for the money.”


At the Sabotage studio (Photo by Stéphane Bourgeois)


The Future’s Retro

The creators wanted The Messenger to be more than a tribute to retro games, as stated by the executive producer: “It's a love letter to the games of the early 90s. The nostalgic aspect is the catch; many people are attracted to retro. On the surface, that's it, but we play with expectations by offering a lot more. There’s a story, surprises, humour, fantasy, a historical side of games, turnarounds. The game moves from the NES (Nintendo Entertainment System) era to the Super NES at the graphic, musical and genre level.” Thus, The Messenger aims to combine the best of yesterday and today, combining various forms of technology. “At the end of the day, we want to create value so people get their money’s worth. At Sabotage, our vision is to have a retro aesthetic, but with modern design and technology.”

This way of doing and seeing the games was a winning strategy, allowing Sabotage to develop a great reputation worldwide, as Martin Brouard tells us: “The Messenger is very popular internationally and exports well. We have great visibility in most European countries. Our sales are mostly done in the United States and China. We also have a great recognition in Japan while the Japanese are usually very demanding of games that are not designed at home.” To top it off, while The Messenger was inspired by Ninja Gaiden, the Sabotage team, in turn, received a tribute from those to whom they had paid tribute: “The creators of Ninja Gaiden played The Messenger and they loved it! The composer of the original music even composed two musical pieces inspired by The Messenger!”


Game interface - image by Sabotage

The Sabotage team has something to be proud of: Thierry's dream came true and the result is faithful to his vision. The game is on several lists of the best game of the year 2018, both for design and writing. “We managed to create a high-quality game with all the passion and rigour that we want to associate with Sabotage. To date, more than 150,000 people play The Messenger.” Let's bet that it's only the beginning.

The Messenger game is available on PC and Nintendo Switch. Other platforms are coming soon.

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L’Échappée

Vérités et conséquences

By Myriam Kessiby / December 13, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

Un petit village de région où tout le monde pense se connaître. Un centre jeunesse où se prennent des décisions difficiles. Les paysages magnifiques du Bas-Saint-Laurent. Et le retour au bercail de Brigitte dans un enchainement d’événements qui laisseront des séquelles. Voilà comment débute la série dramatique L’Échappée produite par Amalga. Alors que les personnages de l’auteure Michelle Allen tentent d’échapper à leur propre vérité, son récit cherche à être le plus vrai possible afin de révéler l’univers des centres jeunesse au public.


Avec l'équipe de tournage (Photo par Éric Myre)


À la rencontre de l’inconnu

L’auteure Michelle Allen se décrit comme étant très curieuse. Et c’est tant mieux, puisque cette curiosité aura servi de bougie d’allumage pour la création de L’Échappée, comme elle l’explique : « Il y a une dizaine d’années, je travaillais sur la série documentaire Un tueur si proche qui présente des cas d’homicides. Il y avait eu des histoires de meurtres qui se déroulaient à l’intérieur de centres jeunesse. Ça m’a touché. Je me suis rendu compte que c’était un monde dont je ne connaissais rien. J’ai voulu en savoir plus sur ces centres et sur les jeunes qui les fréquentent. » Ainsi, considérant que la thématique des centres jeunesse est trop rarement abordée à la télévision, la scénariste a voulu l’intégrer à son concept de série dramatique. Mais ce n’était pas le seul élément qu’elle souhaitait explorer : « Il y avait aussi l’idée de la région. J’habite à Montréal et bien souvent, quand on habite dans une grande ville, on connaît peu les régions éloignées. On a des préjugés et je voulais en sortir. Et comme j’aime aussi beaucoup les histoires policières, j’ai pensé commencer par un drame que vit une éducatrice. J’avais envie de mettre tout ça en scène… C’est de tout ça que l’idée de L’Échappée est née. »


Les paysages magnifiques de la série (Photo par Éric Myre)


La réalité et la fiction

Celle qui n’en est pas à sa première série télé — on la connaît pour d’autres grands succès comme Destinées, Fugueuse et Pour Sarah— a étudié la thématique des centres jeunesse à fond : « Évidemment, on doit toujours prendre des libertés dramatiques puisque c’est de la fiction, mais on fait une énorme recherche de tout ce qu’on met en scène pour être le plus juste possible. Dans ces centres, il y a beaucoup de règles, il y a une justice parallèle et ce n’est pas simple. C’est pourquoi on travaille avec des consultants formidables ; avocats, policiers, personnel des centres jeunesse et médecins, pour nous aiguiller. »

Malgré tout ce travail en amont afin d’être conforme à la réalité des centres jeunesse, Michelle Allen est consciente que la vérité peut parfois être difficile à concevoir : « Il y a beaucoup de cas incroyables de jeunes trahis, blessés, agressés. Je les ai lus ; ça existe. Il y a plein de choses dont on ne soupçonne pas la réalité et qu’on voit dans L’Échappée. Mais dans la sphère publique, on en parle peu et on ne donne pas la parole aux éducateurs. Une travailleuse sociale m’a déjà expliqué que si un jeune fait une fugue sous ses yeux, elle ne peut pas lui prendre le bras pour le retenir. Ils ont des règles et des limites à respecter. Alors présenter ça dans une série, montrer le dilemme et le drame, faire des personnages humains à travers tout ça, et en même temps de raconter l’histoire d’une façon intéressante et non bureaucratique, c’est très complexe. Heureusement, dans un cadre de fiction, j’ai de l’espace pour raconter des choses comme celles-là. »


Sur le plateau (Photo par Éric Myre)


Avoir un impact

Derrière les intrigues policières de sa série, l’auteure espère que ses textes puissent avoir une certaine portée sur la perception du public : « Peut-être que si on voyait à quoi servent les centres jeunesse, peut-être qu’on serait plus sensible à ces jeunes qui ont besoin d’aide. Peut-être qu’on serait aussi plus sensible aux gens qui travaillent auprès de ces jeunes, qui en font une mission, qui manquent de ressources, et qui sont épuisés... C’est fou comme on oublie souvent ces lieux et ces gens qui sont pourtant vitaux à l’avenir de notre société. On ne peut pas jouer à l’autruche en faisant comme si ça n’existait pas. C’est ma préoccupation derrière L’Échappée. C’est un peu une forme de sensibilisation. » On comprend ainsi qu’au-delà du divertissement, la scénariste souhaite faire réfléchir : « J’ai toujours un souci d’essayer de faire voir des parties du monde que les gens voient moins, de parler de choses qui sont peu sur la place publique et d’en parler de l’intérieur. »

Les téléspectateurs semblent prendre plaisir à découvrir cet univers. En effet, la série est suivie par plus de 1,3 million de téléspectateurs en moyenne chaque semaine depuis l’automne 2016. Michelle Allen est heureuse de pouvoir toucher tant de gens en racontant ses histoires et en passant son message : « Tous les auteurs vous le diront : on fait de la télévision pour parler aux gens. Même si on est conscient qu’on fait du divertissement et qu’il faut savoir intéresser et captiver le public, si on écrit, c’est d’abord parce qu’on a quelque chose à dire. » Et ce que Michelle Allen a à dire ne laisse personne indifférent. Ultimement, alors que le drame policier L’Échappée se déroule en région éloignée, il nous ramène à des valeurs universelles qui sont tout près de nous : l’humanité, l’empathie, la solidarité, et le courage.


L'auteure de L'Échappée Michelle Allen (Photo par Julie Perreault)

La troisième saison de L’Échappée sera de retour dès le lundi 7 janvier, 20 h, à TVA. La saison 1 et la saison 2 sont aussi présentées sur Club Illico. Vous pouvez suivre la série sur Facebook et sur le site officiel.

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L’Échappée

Truths and outcomes

By Myriam Kessiby / December 13, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

A small village in the countryside where everyone thinks they know each other. A youth centre where difficult decisions are made. The magnificent landscapes of the Bas-Saint-Laurent. And Brigitte’s homecoming in a chain of events which will have consequences. This is how the dramatic series L’Échappée produced by Amalga begins. While author Michelle Allen's characters try to escape their own truth, her story seeks to be as real as possible in order to reveal the world of youth centres to the audience.


With the film crew (Photo by Eric Myre)


Meet the Unknown

Author Michelle Allen describes herself as being very curious. And that's good, since this curiosity was the starting point for the creation of L'Échappée, as she explains: "About ten years ago, I was working on the documentary series Un tueur si proche, which presents cases of homicides. There were stories of murders happening inside youth centres. It moved me. I realized that this was a world I did not know anything about. I wanted to know more about these centres and the young people who visit them.” Considering that these centres are too rarely discussed on television, the scriptwriter wanted to integrate them into her drama series concept. But that was not the only thing she wanted to explore: “There was also the idea of the countryside. I live in Montreal and very often, when you live in a big city, you do not know much about remote areas. We have prejudices and I wanted to step out of them. And since I also love investigation stories, I thought of starting with an educator experiencing tragedy. I wanted to bring it all to the screen... This is where the idea of L'Échappée comes from.”


The magnificent landscapes of the series (Photo by Eric Myre)


Reality and Fiction

This is not Michelle’s first TV series. She is known for other great hits like Destinées, Fugueuse and Pour Sarah. Still, she studied the theme of youth centres in depth: “Obviously, we must always take dramatic liberties because it is fiction, but we do a lot of research about everything that is staged to make it seem as real as possible. In these centres, there are many rules, there is a parallel justice and it is not simple. That's why we work with great consultants; lawyers, police officers, youth centre staff and doctors, to guide us.”

Despite all this upstream work to be consistent with the reality of youth centres, Michelle Allen is aware that the truth can sometimes be difficult to conceive: “There are many incredible cases of youths being betrayed, injured, assaulted. I read about them; they exist. There are plenty of things that we don’t think are true but that we see in L'Échappée. But in the public realm, we don’t talk much about them and we don’t give the floor to the educators. A social worker has explained to me once that if a youngster runs away in front of her, she cannot grab his arm to hold him back. They have rules to follow and boundaries to respect. So, to present that in a series, to show the dilemma and the drama, to make human characters through it all, and at the same time tell the story in an interesting and non-bureaucratic way, is very complex. Fortunately, in a fictional setting, I have space to tell things like that.”


In studio (Photo by Eric Myre)


To Have an Impact

Behind the police intrigues of her series, the author hopes that her texts may have a certain bearing on the audience’s perception: “If we could see what the youth centres are doing, maybe we would be more sensitive to these young people who need help. Maybe we would also be more sensitive to the people who work with these kids, who make it their mission, who are under-resourced and exhausted... It's crazy how we often forget those places and people who are vital to the future of our society. We cannot bury our heads in the sand and pretend that it doesn’t exist. This is my concern behind L’Échappée. It's a bit of a form of awareness. We understand that beyond the entertainment, the scriptwriter wants to bring people to think about those issues: “I always want to try to show parts of the world that people see less, to talk about things that the public isn’t really aware of and to talk about them from the inside.”  

Viewers seem to enjoy discovering this universe. Indeed, the series has been watched by more than 1.3 million viewers on average each week since fall 2016. Michelle Allen is happy to be able to reach so many people by telling her stories and passing on her message: “All screenwriters will tell you the same thing: we make television to talk to people. Even if we know we’re in the entertainment business and that we must know how to interest and captivate the audience, when we write, it’s mainly because we have something to say.” And what Michelle Allen has to say leaves no one indifferent. Ultimately, while the crime drama L'Échappée takes place in a remote area, it brings us back to universal values that are very close to us: humanity, empathy, solidarity, and courage.


The screenwriter of L'Échappée Michelle Allen (Photo by Julie Perreault)

The third season of L’Échappée will be back on Monday, January 7 at 8 pm, on TVA. Season 1 and season 2 are also available on Club Illico. You can follow the series on Facebook and on the official website.

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L’Heure bleue

Changer d’air

By Myriam Kessiby / October 04, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

Quitter sa propre existence. Tout abandonner pour changer de vie. Pour plusieurs, c’est une fantaisie qui ne se concrétisera jamais. Mais lorsque cette fuite devient le moyen de laisser un drame derrière soi, l’exil n’est plus un divertissement, mais un mode de survie. C’est ce que les auteurs et producteurs Anne Boyer et Michel d’Astous ont fait vivre à leur personnage Anne-Sophie Moran (Céline Bonnier), dans la série L’Heure bleue. Un succès télévisuel grandissant depuis déjà 3 saisons.


Anne Boyer et Michel d’Astous (Photo par Marili Levac)


2 auteurs, 3 thèmes

« Comment ce serait de changer radicalement de vie ? » se sont questionné les deux scénaristes, alors qu’ils étaient en séance de remue-méninges pour créer une nouvelle série télévisée annuelle. Ils ont imaginé le personnage d’Anne-Sophie, une professionnelle de 50 ans qui coupe les ponts avec ses proches et repart à zéro. « Mais une personne qui part sur un coup de tête, ce n’est pas très sympathique quand elle a des enfants et une famille » raconte Michel d’Astous. « On s’est alors demandé quelles seraient ses motivations, pour que l’on comprenne son désarroi. Je me suis souvenu d’un fait divers que j’avais lu : un père de famille avait quitté le foyer en voiture pour aller travailler et avait frappé son enfant qui faisait du vélo. Je me demandais comment tu peux survivre à la mort d’un enfant dont tu es responsable. On a donc changé les circonstances pour raconter L’Heure bleue. » Les deux auteurs ont aussi voulu parler des enfants différents, et ont choisi de mettre l’accent sur l’hyperactivité du personnage de Guillaume, le fils d’Anne-Sophie. « On a voulu ajouter cet aspect au récit. Il y a plusieurs niveaux à l’hyperactivité et au déficit d’attention. Les parents doivent s’en occuper davantage, et les autres enfants restent un peu sur la touche. On s’est dit que ça pouvait parfois être exigeant pour les familles. C’est tout un défi au quotidien » explique Michel d’Astous. C’est ainsi que trois grands thèmes sont venus façonner la prémisse de L’Heure bleue : le changement de vie, le deuil d’un enfant et les différences causées par un trouble de type TDAH.


L'auteure-productrice Anne Boyer et le réalisateur Stéphan Beaudoin (Photo par Eric Myre)


Se réinventer

Avec L’Heure bleue, Anne Boyer et Michel d’Astous n’en étaient pas à leur premier récit. Ceux qui écrivent ensemble pour la télévision depuis plus de 30 ans agissent aussi à titre de producteurs via Duo Productions depuis près de 15 ans. Cependant, cette nouvelle série avait une approche différente comparativement à ce qu’ils avaient écrit auparavant : « Une série comme Yamaska, par exemple, c’était un téléroman classique. On passait d’une histoire à l’autre dans les familles sans qu’il y ait vraiment de lien commun, sauf leur amitié. Avec L’Heure bleue, il y a quelque chose de plus cinématographique parce qu’on suit l’histoire déconstruite d’un personnage dans sa décision de quitter » relate Michel. Pour L’Heure bleue, les deux auteurs auraient pu s’en tenir à la formule de Yamaska qui a remporté plusieurs prix Gémeaux incluant celui de meilleur téléroman. Comme leur personnage, ils ont plutôt choisi le changement en proposant une approche différente, comme le mentionne Michel : « On tente de ne pas écrire les mêmes choses, dans la même structure, sur le même ton d’une série à l’autre. On a écrit la série policière Le gentleman, on a fait la saga historique Nos étés. On essaie de se mettre un peu en danger comme auteurs, et de raconter une histoire différente chaque fois. »


En plein tournage (Photo par Eric Myre)


Succès renouvelé

Ce changement dans le contenu et dans le style de téléroman semble plaire au public. En effet, depuis ses débuts, la série a obtenu une cote d’écoute surpassant les 1,1 million et trône dans le palmarès des 10 émissions les plus regardées au Québec. Sans compter les prix Gémeaux et la reconnaissance à l’international. Michel d’Astous s'estime privilégié : « On est très content! C’est d’autant plus un succès auprès de l’auditoire, car on fait 24 épisodes par année et le public demeure fidèle. Les habitudes d’écoute des gens changent, et ils regardent L’Heure bleue sur d’autres plateformes, sur le web ou en différé, mais l’appétit pour les récits qui nous touchent reste là. Les gens semblent avoir adopté l’histoire et accepté ce rendez-vous hebdomadaire. On peut penser que notre série rejoint le public visé, et ça, c’est une très grande chance. »


Michel d'Astous et l'équipe de tournage (Photo par Eric Myre)


Le récit qui transforme

Michel d’Astous résume bien en quoi consiste leur travail d’auteurs et producteurs : « Ce qu’on écrit, Anne et moi, c’est un appel à l’ouverture, à la différence. On partage des réflexions et des questions, plutôt que des réponses. Au-delà des choses de production, l’essentiel de notre métier est de toucher les gens, de leur faire vivre une expérience et peut-être de changer leur façon de voir les choses. » Mission accomplie.

Dans L’Heure bleue, le téléspectateur est invité dans une quête émotive où s’entremêlent le choc, le deuil, l’espoir et la métamorphose. L’histoire racontée par Anne Boyer et Michel d’Astous nous rappelle qu’il ne suffit pas de quitter physiquement un lieu pour se transformer. En fait, changer de vie n’est peut-être qu’une façon de devenir soi-même.


Sur le plateau (Photo par Eric Myre)


La saison 3 de L’Heure bleue est diffusée le mardi à 21h à TVA depuis le 11 septembre. Elle est aussi accessible sur TVA.ca. La première saison est offerte sur DVD et les saisons 1 et 2 sont aussi présentées sur Club Illico. Vous pouvez suivre la série sur Facebook et sur le site officiel.

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L’Heure Bleue

Change of Scenery

By Myriam Kessiby / October 04, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

To leave one's own existence. Give up everything to change your life. For many, it's a fantasy that will never materialize. But when this escape becomes the means of leaving a tragedy behind, exile is not pleasurable, but a means to survive. This is what authors and producers Anne Boyer and Michel d’Astous made their character Anne-Sophie Moran (Céline Bonnier) go through, in the L’Heure Bleue series. A growing television success for three seasons already.


Anne Boyer and Michel d’Astous (Photo by Marili Levac)


Two Authors, Three Themes

“How would it be to radically change your life?” Was the question both writers asked themselves as they brainstormed to create a new television series. They imagined the character of Anne-Sophie, a 50-year-old professional who cuts ties with her family and starts from scratch. “But a person who picks up and leaves on a whim is not very nice, especially when she has children and a family,” says Michel d'Astous. “We then wondered what her motives would be, so that we understood her dismay. I remembered a news item I had read: a father had left home in his car to go to work and hit his child who was riding a bicycle. I wondered how you can survive the death of a child you are responsible for. So, we changed the circumstances to tell L’Heure Bleue.” The two authors also wanted to talk about children who are different and chose to focus on the hyperactivity of Guillaume’s character, Anne-Sophie’ son. “We wanted to add this aspect to the story. There are several levels of hyperactivity and attention deficit. Parents need to pay closer attention to children with this condition and the other kids stay on the sidelines a little. This can be demanding for families. It's quite a daily challenge,” explains Michel d'Astous. And so, three major themes have shaped the premise of L’Heure Bleue: changing one’s life, the mourning of a child and the issues caused by an ADHD-like disorder.


Writer and Producer Anne Boyer and Director Stéphan Beaudoin (Photo by Eric Myre)


To Reinvent Oneself

L’Heure Bleue was not Anne Boyer and Michel d'Astous’s first story. They have been writing together for television for more than 30 years and have also been producing through Duo Productions for almost 15 years. However, this new series had a different approach compared to what they had written before: “A series like Yamaska, for example, was a classic soap opera. We passed from one story to another in the families without any common connection really, except for their friendship. With L’Heure Bleue, there is something more cinematic because we follow the deconstructed story of a character in her decision to leave,” says Michel. For L’Heure Bleue, the two authors could have kept to the same formula as Yamaska, which won several Gémeaux awards including that of best drama. However, like their character, they chose to change by proposing a different approach, as Michel says: “We try not to write the same things, in the same structure, with the same tone from one series to another. We wrote the detective series Le gentleman, we made the historical saga Nos étés. We try to put ourselves in danger as authors, and to tell a different story each time.”


During principal photography (Photo by Eric Myre)


Renewed Success

This change in the content and the style of the show seems to please the public. Indeed, since its inception, the series has had a ratings of over 1.1 million and ranks in the top 10 most watched shows in Québec. Not to mention the Gémeaux Awards  and international recognition. Michel d'Astous considers himself privileged: “We are very happy! This is even more of a success with the audience, because we make 24 episodes a year and the public remains faithful. People's consumption habits are changing, and they are watching L’Heure Bleue on other platforms, on the web or on replay, but the craze for stories that touch us is still there. People seem to have adopted the story and accepted this weekly meeting. We can think that our series reaches the target audience, and that is fortunate.”


Michel d'Astous and the team (Photo by Eric Myre)


The Story that Transforms

Michel d'Astous sums up well what their work as authors and producers is: “What we write, Anne and I, is a call to openness, to difference. We share reflections and questions, rather than answers. Beyond the production aspect, the essence of our job is to touch people, to give them an experience and perhaps to change their way of seeing things.” Mission accomplished.

In L'Heure Bleue, the viewer is invited into an emotional quest where shock, mourning, hope and metamorphosis intermingle. The story told by Anne Boyer and Michel d'Astous reminds us that it is not enough to physically leave a place to transform oneself. In fact, changing one's life is perhaps only a way of becoming oneself.


In studio (Photo by Eric Myre)


Season 3 of L’Heure Bleue airs on Tuesdays, 9PM, since September 11 on TVA. It is also available on TVA.ca. The first season is available on DVD and the seasons 1 and 2 are presented on Club Illico. You can follow the series on Facebook and on the official website.

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We Happy Few

Jouer gros

By Myriam Kessiby / July 26, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

Une petite équipe de passionnés crée un jeu vidéo d’envergure, rivalisant avec ceux des plus grandes multinationales de l’industrie. Comment est-ce possible? Rencontré dans les studios de Compulsion Games à Montréal, le directeur de création Guillaume Provost raconte la genèse de leur toute dernière création : We Happy Few.


Design de personnages (Image de Compulsion Games)


Cauchemar envoûtant

De 1984 de George Orwell jusqu’à Hunger Games de Suzanne Collins, les univers dystopiques et angoissants ont toujours fasciné le public. Depuis presque 5 ans, l’équipe de Compulsion Games travaille très fort à développer leur propre version d’un monde parallèle à la fois terrifiant et captivant. Ce récit sera bientôt offert pour les fans du genre, non pas sous forme de roman, de film ou de série télévisuelle, mais plutôt sous forme de jeu vidéo : We Happy Few


Réunion de création (Photo par Clara Pougeard)

Le jeu se déroule dans une Angleterre alternative des années 60, où la population est maintenue dans un état de bonheur artificiel par une drogue appelée Joy. Un peu comme dans les romans dystopiques Nous autres d’Ievgueni Zamiatine et Le Meilleur des mondes d’Aldous Huxley, la dictature en place contrôle le peuple en supprimant leurs libertés individuelles et en leur donnant une illusion de joie perpétuelle. Guillaume Provost explique : « C’est un jeu d’action et d’aventure où il y a des éléments de survie. Le personnage principal démarre le jeu en faisant partie du système en place, mais il décroche rapidement de la drogue, comprend ce qui se passe et veut fuir. À mesure que le joueur passe à travers les histoires de ce premier personnage, il découvre les différents groupes de la population, les éléments qui constituent son environnement, l’historique du monde dans lequel il est, et pourquoi l’Angleterre est différente. On voit rapidement comment la Joy fait oublier la violence, la faim et la dureté de la réalité. »


L'équipe de Compulsion Games (Photo par Clara Pougeard)

Le concept à lui seul a de quoi susciter l’intérêt. En effet, bien que sa sortie officielle en Xbox One, Playstation 4 et PC soit prévue pour le 10 août prochain, le jeu connaît déjà un succès marqué parmi la communauté de joueurs qui l’attendent avec impatience. Mais comment Guillaume Provost et son équipe sont-ils parvenus à créer un tel engouement autour d’une idée avant même qu’elle se concrétise?


Addiction croissante 

Après avoir lancé Contrast, leur premier projet inspiré des films noirs américains, la petite équipe de Compulsion Games s’est réunie pour créer un nouveau jeu. Guillaume Provost ainsi que la directrice artistique Whitney Clayton et le directeur narratif Alex Epstein ont donc pris quelques mois pour façonner un monde dystopique et réfléchir à la technologie nécessaire pour le créer. Rapidement, le projet a décollé, comme l’explique Guillaume : « On est allé présenter le concept à l’exposition PAX dédiée aux jeux vidéo et le public a aussitôt été accroché. Les gens aimaient l’univers qu’on avait créé. Ils voulaient le découvrir et en savoir plus sur l’histoire et les personnages. »  Un beau problème pour l’équipe puisque l’engouement était manifestement présent, mais développer une trame narrative élaborée pour un jeu nécessite beaucoup de ressources : « Le public était excité par l’histoire de notre jeu, mais on n’avait ni le budget ni l’équipe pour la développer. » 


Un programmeur au travail (Photo par Clara Pougeard)

Pour tester l’idée et l’améliorer, le jeu donc a été offert en accès anticipé très tôt dans le processus de développement. Cette façon de procéder a permis aux joueurs intéressés de donner leur avis et ainsi contribuer à façonner l’expérience de jeu, comme le rappelle le directeur de création : « On a travaillé avec une communauté de plus de 200 000 joueurs, qui se sont procuré une version du jeu en early access et avec lesquels on a travaillé pendant un an et demi. Ça nous a fourni des outils d’étude à grande échelle auxquels une petite entreprise comme la nôtre n’a habituellement pas accès ». Ces commentaires des testeurs, combinés à une campagne de financement participatif réussie, ont permis de faire grandement évoluer le projet : « Le public s’est impliqué et a démontré qu’il était intéressé. Outre le côté créatif, il a fallu reconnaître que le jeu avait un réel potentiel de succès et préparer toute la machine derrière pour soutenir son lancement. À la sortie de We Happy Few, cet été, notre budget sera presque dix fois plus élevé qu’au moment où on a démarré. Quand on a commencé, on était six. Aujourd’hui, on est une quarantaine. » 


Une artiste dans l'action (Photo par Clara Pougeard)


Sortir le grand jeu

L’emballement ne s’est pas arrêté là. Au beau milieu de la campagne de financement participatif, Microsoft a démontré un intérêt en offrant son soutien pour la sortie du jeu sur la console XBox. À ce moment, en 2016, l’équipe de Compulsion Games prévoit retourner au salon PAX à Boston pour en mettre plein la vue. « On n’avait pas beaucoup d’argent pour faire du marketing, mais on a décidé de s’offrir un grand kiosque bien décoré pour présenter notre jeu et son histoire. Notre kiosque était 6 fois plus grand que les kiosques standards. » Parallèlement, l’équipe de Microsoft propose à Compulsion Games de leur offrir de la visibilité à l’E3, l’Electronic Entertainment Expo : « Chaque année, une des plus grosses conférences au monde dans le domaine est celle de Microsoft à l’E3. Des millions de personnes suivent l’événement. Microsoft nous a offert cinq minutes sur scène pour présenter We Happy Few. Cette année-là, on était le seul studio indépendant à avoir une présentation sur scène. Et à partir de ce moment, tout a changé. » En effet, la popularité du jeu a continué de croitre en même temps que l’équipe de Guillaume. Et en juin 2018, Compulsion Games a officiellement joint les rangs de Microsoft Studios, ce qui leur permettra de produire des jeux encore plus élaborés à l’avenir. 


Guillaume Provost, PDG et Directeur de Création (Photo par Matthew Cope)

Ainsi, grâce à la vision, l’ambition et travail d’une équipe passionnée, ce qui devait être un petit jeu au départ est devenu un projet majeur de son industrie au Canada et à l’étranger. Guillaume Provost et son équipe peuvent continuer de célébrer leur succès. Après tout, contrairement aux personnages de leur jeu, leur joie est bien réelle. 

La sortie officielle du jeu vidéo We Happy Few est prévue pour le 10 août 2018 sur PS4, Xbox One et PC. Vous pouvez aussi suivre Compulsion Games sur Twitter et Facebook.

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We Happy Few

Play Big

By Myriam Kessiby / July 26, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

A small team of enthusiasts creates a major video game, rivalling those of the biggest international studios in the industry. How did they do it? We met the Creative Director Guillaume Provost of Compulsion Games studios in Montreal, to talk about the genesis of their latest creation: We Happy Few.


Character design (Photo by Compulsion Games)


Enthralling Nightmare

From George Orwell’s 1984, to Suzanne Collins’ The Hunger Games, dystopian and agonizing universes have always fascinated the public. For almost five years, the Compulsion Games team has been working very hard to develop its own version of a parallel world that is both terrifying and captivating. This story will soon be available to fans of the genre, not in the form of a novel, movie or television series but rather in the form of a video game: We Happy Few.


Creative Meeting (Photo by Clara Pougeard)

The game takes place in an dystopian England in the 1960s, where the population is kept in a state of artificial happiness by a drug called Joy. Similar to the universe created in other dystopian novels such as We by Yevgueni Zamiatine and Brave New World by Aldous Huxley, the dictatorship in place controls the people by suppressing their individual freedom and giving them an illusion of perpetual happiness. As Guillaume Provost explains: "It's an action and an adventure game with elements of survival. The main character starts the game by being part of the system in place, but he quickly picks up on drugs, understands what is happening and wants to flee. As the player goes through the first character’s stories, he discovers the different groups of the population, the elements that make up his environment, the history of the world in which he is and why England is different. We quickly see how Joy makes them forget the violence, the hunger and the harshness of reality.”


The Compulsion Games team (Photo by Clara Pougeard)

The concept alone is enough to generate interest. Indeed, We Happy Few is already successful among the community of gamers who are impatiently waiting its official release date on Xbox One, Playstation 4 and PC, scheduled for August 10th. But how did Guillaume Provost and his team manage to create such a craze around an idea before it even materialized?


Increasing Addiction 

After launching Contrast, their first project inspired by American film noirs, the small team at Compulsion Games came together to create a new game. Guillaume Provost, along with Artistic Director Whitney Clayton and Narrative Director Alex Epstein, took a few months to shape their dystopian world and to think about the technology needed to create it. The project quickly took off, as Guillaume explains: “We presented the concept at the PAX Exhibition dedicated to video games and the public was immediately hooked. People loved the universe we had created. They wanted to explore it and find out more about the story and the characters.” A pleasant problem for the team, since the craze was obviously present; however, developing a narrative framework for a game requires a lot of resources. "The audience was excited about our game’s story, but we neither had the budget or the team to develop it.”


A programmer at work (Photo by Clara Pougeard)

To test the idea and improve it, an early access to the game was available at the beginning of the development process. This way of going about the work allowed the interested players to give their opinion and thus contribute to shaping the gaming experience. The Creative Director explains: "We worked with a community of more than 200,000 gamers, who got a version of the game in early access and with whom we worked for a year and a half. It provided us with large-scale study tools which a small business like ours does not usually have access to." The testers’ comments, along with a successful crowdfunding campaign, allowed the project to evolve significantly. "People got involved and showed that they were interested. In addition to the creative side, we had to recognize that the game had a real potential for success and to prepare everything to support its launch. This summer, when We Happy Few launches, our budget will be almost ten times higher than when we started. At the beginning, we were six. Today, we are forty.”  


An artist in action (Photo by Clara Pougeard)


Stepping the Game Up

The excitement did not stop there. During the crowdfunding campaign, Microsoft showed interest in offering support for the game’s release on the XBox console. By then, in 2016, the Compulsion Games team intended to return to the PAX show in Boston and blow everyone's mind. "We did not have a lot of money for marketing, but we decided to get ourselves a huge, well-decorated booth to present our game and its story. Our booth was six times larger than the standard ones.” At the same time, the Microsoft team offered outstanding visibility to Compulsion Games at E3, the Electronic Entertainment Expo. "Each year, one of the biggest conferences in the world in the field is Microsoft’s at E3. Millions of people follow the event. Microsoft gave us five minutes on stage to present We Happy Few. That year, we were the only independent studio to have a stage presentation. And from that moment on, everything changed.” Indeed, the popularity of the game continued to grow along with Guillaume's team. And in June 2018, Compulsion Games officially joined the ranks of Microsoft Studios, which will enable them to produce even more elaborate games in the future. 


Guillaume Provost, CEO and Creative Director (Photo by Matthew Cope)

Thanks to the vision, ambition and work of a passionate team, what was originally a small game idea became a major project in the Canadian and global gaming industry. Guillaume Provost and his team can continue to celebrate their success. After all, unlike the characters in their game, their joy is real. 

The official release of the We Happy Few video game is scheduled for August 10, 2018, on PS4, Xbox One and PC. You can also follow Compulsion Games on Twitter and Facebook.

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Le Chalet

La force du groupe

By Myriam Kessiby / April 19, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

Une histoire de « gang ». Six jeunes captivants qui passent l’hiver au chalet, près de la montagne. Mais ils ne sont pas seuls. Derrière les planches à neige et les bottes de ski, il y a toute une équipe qui travaille fort pour amener cette série à l’écran. Vicky Bounadère, productrice chez Productions Passez Go, dévoile ce qui a mené Le Chalet vers les sommets.


L'équipe de la série


En piste!

L’équipe de Productions Passez Go souhaitait lancer le premier téléroman jeunesse pour la chaine Vrak, comme l’explique la productrice : « On avait constaté que Vrak avait fait l’acquisition de séries télévisées américaines comme Les frères Scott et Gilmore Girls, alors nous avons pensé en créer une à notre image, qui se passe ici, en hiver. La formule du drama à l’américaine fonctionne, mais on voulait vraiment l’adapter à notre réalité, pour que ça nous ressemble. » C’est avec l’auteure Kadidja Haïdara que Vicky Bounadère et son équipe ont développé l’histoire de ce groupe d’amis, six adolescents qui enseignent le ski et la planche à neige, dans une série où l’amitié est à la base de tout. Loin des personnages caricaturaux souvent présentés dans les sitcoms, la productrice rappelle que Le Chalet se voulait un récit authentique : « On avait envie de raconter une histoire avec des personnages très réalistes, auxquels le public pourrait s’identifier, mais dont le quotidien était embelli, puisqu’ils passent l’hiver à la montagne. On voulait aussi présenter des valeurs qui sont proches des jeunes, et projeter une image positive de ce qu’est l’amitié à cet âge-là. » 

Outre Kadidja Haïdara, qui a développé la bible de l’émission et a écrit les textes de la première saison, plusieurs auteurs sont venus contribuer au récit au fil des saisons : « Chaque personne qui participe démontre la volonté de raconter une bonne histoire, qui se tient et qui est intéressante. Chacun met son cœur dans le projet » souligne Vicky Bounadère.


En tournage à la montagne


Un sport extrême

Avant d’en arriver à développer une série comme Le Chalet, les trois associés de l’entreprise, Vicky Bounadère, Marie-Claude Blouin et Félix Tétreault, ont dû faire preuve de persuasion. Le Chalet était la première série télévisuelle que Passez Go produisait de façon complètement autonome : « Il fallait donc arriver à convaincre le diffuseur que Passez Go avait la capacité de produire cette fiction-là sans l’aide d’un autre producteur. Ç’a été un défi assez majeur, mais on y tenait. On savait qu’on avait une production distinctive, très spéciale, entre les mains » raconte la productrice. En effet, en production télévisuelle, il n’est pas rare de voir les diffuseurs demander aux jeunes producteurs de s’associer à des maisons de productions plus expérimentées afin de s’assurer que le projet sera mené à terme. Par contre, ce type d’association peut venir influencer le résultat final, comme l’exprime Vicky Bounadère : « On est extrêmement impliqué sur nos projets. On en fait très peu, mais on se dévoue complètement. Alors si on avait travaillé avec un autre producteur, il y aurait nécessairement eu une autre vision qui aurait été ajoutée au projet, mais on avait vraiment envie de faire la série avec notre couleur et nos valeurs. »


La productrice Vicky Bounadere

Même une fois le diffuseur convaincu et le projet lancé, l’équipe de Passez Go a rencontré d’autres défis sur son parcours. Le tournage d’une série d’hiver, qui nécessite de la neige, implique en effet que les tournages subissent grandement l’influence de la météo. L’équipe doit donc s’adapter, d’autant plus que Le Chalet est habituellement filmé en automne, entre octobre et décembre : « Au tournage de la saison 2, on avait zéro neige! Donc parfois, il fallait utiliser de la neige fabriquée et changer les angles de caméra. Ça ne fonctionnait pas au début, mais on a réussi à faire en sorte que ça fonctionne! C’est ça la force d’une équipe. Même lorsqu’on a eu une grosse panne d’électricité et qu’on s’est retrouvé à travailler complètement dans le noir, tous les membres de l’équipe se sont retroussé les manches. C’est cette volonté de chacun de se dépasser qui fait en sorte que cette émission se démarque et continue de plaire. » 


Silence, on tourne!


Faire boule de neige

Le Chalet, qui en est à sa quatrième saison en 2018, est un véritable phénomène. L’émission a pris de l’ampleur au fil des années, bien au-delà des prix remportés. Comme les personnages de la série qui se réunissent entre les descentes, les familles se rassemblent pour suivre la série : « Les jeunes, autant que leurs parents, ont un réel plaisir à écouter Le Chalet ensemble. Les témoignages nous montrent que le public porte beaucoup d’amour pour cette série-là » explique la productrice avec fierté. D’ailleurs, même si le mandat de l’émission Le Chalet en est un de divertissement, les thèmes abordés peuvent venir alimenter les réflexions du jeune public, et avoir un impact positif. « Il n’y a pas de tabous. On aborde des thèmes humains, auxquels on doit tous faire face au cours de sa vie, comme l’amitié, l’amour, le deuil, la trahison, la séparation, l’échec, la maladie, l’anxiété... tout ça avec la neige et la montagne comme toile de fond! Et beaucoup de jeunes nous écrivent pour nous dire qu’ils ont été touchés par ce que nos personnages vivent, ou que ça leur a donné le courage d’agir dans leur propre vie. C’est très gratifiant » s’émeut Vicky Bounadère.

Dans toutes les facettes de ce projet, que ce soit devant, derrière ou à l’écran, un élément revient donc continuellement : l’importance du groupe. Autant les personnages de la série qui sont loyaux les uns envers les autres, que les membres de l’équipe de production qui travaillent dans un esprit de fraternité, que le public qui se retrouve en famille et entre amis pour suivre cette histoire; Le Chalet semble faire ressortir un climat de camaraderie chez tous ceux qui s’y attachent. Vicky Bounadère le résume parfaitement : « C’est tout simplement une belle expérience humaine. »

La série Le Chalet est diffusée sur les ondes de Vrak. Pour en savoir plus, vous pouvez suivre la série sur leur page Facebook.


On étudie les textes

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Le Chalet

The Strength of a Team

By Myriam Kessiby / April 19, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

A story about a clique. Six thrilling teenagers spend the winter in a cabin, near the mountain. But they are not alone. Behind the snowboards and ski boots stands a team who works hard to bring this series to the screen. Vicky Bounadère, producer at Productions Passez Go, unveils what brought Le Chalet to its peak.


The strength of a team


Hitting the slopes

The Productions Passez Go team wished to launch the first teen television drama for the Vrak channel, as explained by the producer: “We noticed that Vrak had acquired American television series such as One Tree Hill and Gilmore Girls, so we thought about creating one which represents us, that takes place here, in the winter. The concept of the American drama works, however we really wanted to adapt it to our reality, to make it look like us.” With the help of script-writer Kadidja HaïdaraVicky Bounadère and her team developed the story about a group of friends, six teenagers, all skiing and snowboarding instructors, in a series where friendship is the foundation of everything. Far from the inflated characters often seen in sitcoms, the producer says that Le Chalet was about an authentic story: “We wanted to tell a story with realistic characters, to whom the public could relate, but with an embellished everyday life, since they spend the winter on a mountain. We also wanted to present values close to teenagers and offer a positive image of what friendship is about at that age.”

In addition to Kadidja Haïdara, who developed the show’s bible and wrote the script for the first season, many script-writers contributed to the story throughout the seasons: “Each person who participates wants to tell a good story, which is believable and interesting. Everyone’s heart is set on the project,” says Vicky Bounadère.


Filming Le Chalet


An Extreme Sport

Before even starting to develop a series like Le Chalet, Vicky Bounadère, Marie-Claude Blouin and Félix Tétreault, the company’s three associates, had to be persuasive. Le Chalet was the first television series Passez Go produced entirely on its own: “We had to convince the broadcaster that Passez Go was capable of producing this fiction without another producer’s help. It was a major challenge, but we insisted. We knew that we held a distinct and very special production,” says the producer. Indeed, in television production, it’s common for broadcasters to ask new producers to work with more experienced production firms to ensure that the project will be completed. However, this type of association can influence the final result, as expressed by Vicky Bounadère: “We are very involved in our projects. We don’t do many, but we are completely devoted to them. If we had worked with another producer, there would have necessarily been another vision added to the project, but we really wanted to do the series with our own style and values.”


Producer Vicky Bounadere

Even when the broadcaster was convinced, and the project was launched, the Passez Go team faced other challenges along the way. Shooting a series during the winter, with snow, means that filming is greatly influenced by the weather. The team must adapt, since shooting for Le Chalet is usually done in the fall, between October and December: “While shooting season 2, there was no snow at all! We sometimes had to use fake snow and change the camera angles. It didn’t work at first, but we managed to make it work! Such is the strength of a team. Even when there was a blackout and we had to work completely in the dark, every team member rolled up their sleeves. It’s this will to surpass oneself that makes this show unique and appealing.”


Reviewing footage


Snowballing

Le Chalet, which is in its fourth season in 2018, is a real phenomenon that became greater throughout the years, way beyond the awards it won. Like the series’ characters who get together between downhill runs, families get together to watch the series: “Teenagers, like their parents, really enjoy watching Le Chalet together. The testimonies show that the public loves this series,” explains the proud producer. Moreover, even if Le Chalet’s purpose is to entertain, the issues addressed can make the young public think and have a positive impact on them. “There are no taboos. We address human issues, which we must all face in our lives, such as friendship, love, grief, betrayal, separation, failure, sickness, anxiety… All that with snowy mountain in the background! Many teens write to tell us that they were touched by what our characters go through, or that it gave them the courage to act in their own life. It’s very rewarding,” says a visibly-moved Vicky Bounadère.

In every aspect of this project, both in front and behind the screen, one element remains present: the importance of the group. Whether it’s the loyalty between the characters in the series, or the members of the production team who work in a brotherly spirit, or the public that gathers with family and friends to follow this story, Le Chalet seems to bring a sense of companionship to everyone tied to it. Vicky Bounadère sums it up perfectly: “It simply is a beautiful human experience.”

Le Chalet airs on the Vrak channel. To find out more, you can follow the series on its Facebook page.


Reviewing the screenplay

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T’es où Youssef?

Une quête impossible

By Myriam Kessiby / January 26, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

Lorsqu’on entend parler d’extrémisme ou de radicalisation, notre réaction instinctive est souvent de s’en distancer le plus possible en faisant une distinction claire entre « eux » et « nous ». Détourner le regard ou lancer des blâmes peut devenir très réconfortant lorsqu’on ne connaît pas les personnes impliquées. Mais comment réagir lorsque la personne qui se radicalise est un proche? Comment une personne aimante et empathique peut-elle être attirée dans une organisation radicale violente? Entretien avec un duo qui n’a pas eu peur d’aller à la rencontre de l’autre : Mathieu Paiement, producteur délégué (Blimp TV) et Gabriel Allard, réalisateur de T’es où Youssef?

Tout a commencé en 2014, lorsque le journaliste Raed Hammoud a le choc d’apprendre qu’un de ses amis, Youssef, a quitté le Québec pour aller faire le Djihad. Pourquoi et comment un garçon gentil et attentionné comme Youssef a-t-il tout laissé derrière lui pour aller risquer sa vie en Syrie? Au départ, Raed souhaitait parler à des spécialistes de la radicalisation pour mieux comprendre le phénomène. Mais Sophie Bélanger, une collègue de Raed, le met rapidement en contact avec Mathieu Paiement et Gabriel Allard. Mathieu se rappelle des premiers échanges avec l’initiateur du projet : « Raed ne voulait pas nécessairement se mettre de l’avant dans le récit, mais nous voulions le présenter comme celui qui cherche Youssef; celui qui fait enquête. Il a embarqué dans notre vision quand on lui a promis de faire le meilleur film possible avec son histoire ». 


Mathieu Paiement, producteur délégué


Perdus dans le désert

Retrouver quelqu’un sur un autre continent n’est évidemment pas une tâche simple, mais l’équipe était loin de se douter de l’ampleur du défi qui l’attendait. Gabriel Allard le confirme : « On ne savait pas dans quoi on s’embarquait au début, à tous les niveaux. Les journaux et la police parlaient d’une disparition avec un enrôlement possible dans l’État islamique, mais rien n’était certain. Comme il était parti sans informer qui que ce soit, on n’avait aucune piste. On ne savait même pas s’il était en vie. » 

Par où commencer une telle recherche? Sans doute par les proches de Youssef, susceptibles d’offrir des pistes d’informations. Mais Mathieu Paiement explique que ce n’est pas si simple : «  Ç’a été un défi jusqu’à la toute fin puisque les proches étaient hésitants à participer. On se mettait à leur place : la disparition de Youssef est un traumatisme en soi. Quand on ajoute la police, les journalistes, et nous, qui arrivions en dernier pour déterrer cette histoire douloureuse… Ça devient difficile pour eux. » Gabriel Allard est d’accord : « On oublie trop souvent que ces gens-là se font appeler tous les mois par la GRC aussitôt qu’il y a une nouvelle sur le terrorisme. Ils subissent une pression constante et on le comprend. Humainement, ces gens deviennent nos amis. Mais nous avons quand même un travail à faire et le sujet est passionnant. Alors on pouvait parler jusqu’aux petites heures du matin avec eux dans l’espoir de gagner leur confiance et d’avoir une conversation constructive sur notre sujet, mais ils se cambraient dès qu’on posait des questions sur Youssef. On ne pouvait rien forcer. Prendre le temps pour avoir des réponses, ç’aura été l’enjeu principal, même si, avec le recul, je suis content qu’on l’ait fait. Sur neuf mois de production, on a été en recherche pendant huit mois. »

Ainsi, il fallait faire preuve de beaucoup de patience, de persévérance et de délicatesse pour arriver à des réponses. Par exemple, certains intervenants craignaient que de révéler des informations pour le film risquait briser le lien de confiance avec Youssef s’il venait à l’apprendre, ce qui aurait pu faire perdre tout espoir qu’il revienne un jour. Paradoxalement, alors que Youssef était peut-être quelque part dans le désert de Syrie, l’équipe de Blimp était confrontée à son propre désert de questions sans réponses.


Raed Hammoud, porteur de la quête


Exposer sa vérité

L’équipe tentait par tous les moyens d’obtenir des entrevues, mais elle continuait d’essuyer des refus. Mais afin d’arriver à présenter la vérité des autres, le meilleur moyen reste parfois d’exposer la sienne, comme l’a compris Gabriel : « Tous ceux qu’on a réussi à convaincre de participer au film, c’est en leur faisant comprendre nos motivations profondes. Nous voulions faire ce film pour éviter qu’il y ait d’autres jeunes qui tombent dans les griffes d’organisations terroristes et pour faire comprendre la dynamique au public. Au départ, on a tenté de masquer nos objectifs pour obtenir des entrevues, mais si  la fin justifie les moyens, ça ne veut pas dire être malhonnête et prendre des détours. Il faut être transparent. Quand les sœurs de Youssef ont compris le type de travail qu’on voulait faire, c’est ça qui a fait la différence. » 


En Turquie


La tempête intérieure

Les enjeux et les difficultés ne venaient pas que de l’extérieur, comme le précise le producteur délégué : « À l’interne, c’était un grand défi d’avancer tous ensemble et de se faire confiance jusqu’à la fin. Leila, la sœur de Youssef, voulait approuver le film et s’assurer que la réputation de son frère ne serait pas salie. Raed, qui était visage de toute l’opération, accordait une grande importance au traitement médiatique. Tout le monde avait ses propres hésitations et ça créait des tensions. » Quoi faire si les protagonistes du film ont peur que le film soit mal reçu et mal compris? Mathieu Paiement, dans un moment d’impatience, a fini par lancer à Raed Hammoud : « Tu vas changer d’avis quand on va gagner un Gémeaux! » Cette phrase, lancée en désespoir de cause, est pratiquement devenue une prophétie, puisque T’es où Youssef? a dominé les 32es prix Gémeaux en remportant quatre trophées, incluant un prix pour la meilleure émission documentaire (société); ainsi que des prix pour meilleure réalisation et meilleure recherche dans leur catégorie. 

Avec le recul, on peut donc voir que les questionnements de tous auront eu du bon : « Leila et Raed ont amené une autre perspective pour s’assurer qu’on reste loin du sensationnalisme que les médias font parfois autour de ces sujets-là. C’était essentiel de rester connectés avec nos intentions » explique Gabriel. « C’était important de trouver le bon équilibre; il ne fallait pas faire un portrait trop rose des groupes terroristes, ni tomber dans les clichés. Il fallait rester neutre et objectif » ajoute Mathieu. 


Raed Hammoud, le porteur de la quête, et Gabriel Allard, le réalisateur


Après le film

Après avoir passé des mois à travailler sur ce projet sensible et complexe à réaliser, l’équipe de production a enfin obtenu du répit, comme le souligne le réalisateur : « La fin du film a été un soulagement! On était vidés! Mais dès que la réception du film par le public a été positive, la pression est tombée d’un coup. On ne savait tellement pas comment ça allait être reçu! Déjà que personne ne soit fâché contre nous après le film, c’était une victoire. Tous les bons commentaires, c’était un plus! »  

Au-delà des bonnes critiques et des récompenses, ce dont Mathieu et Gabriel sont le plus fiers, c’est sans doute du message transmis par le documentaire. « Ce que j’aime du film, c’est qu’on parle simplement d’un jeune qui a voulu du changement », rappelle Gabriel Allard. « Youssef avait un grand désir de paix et de justice sociale. Il aurait pu se tourner vers n’importe quel groupe, mais tristement, c’est une organisation terroriste qui a été accessible à lui au moment où il était le plus vulnérable. Ce n’est pas une religion, c’est un groupe qui recrute des gens en exploitant le côté rêveur, idéaliste et utopiste des jeunes. Tous les révolutionnaires commencent comme ça, et ça tourne d’un côté ou l’autre à un moment donné, mais on l’explique rarement. Je suis heureux qu’on ait pu aider à apporter une nuance. » Mathieu Paiement est du même avis : « L’histoire de Youssef nous rappelle que ce ne sont pas tous des êtres violents et assoiffés de sang qui glissent vers le terrorisme. Plutôt que de juger ceux qui sont allés dans cette voie, peut-être qu’on pourrait se demander qu’est-ce qui les a menés à ça, pour aider à le prévenir. »

Le documentaire T’es où Youssef? est disponible sur le site de Télé-Québec. Pour en savoir, vous pouvez suivre le Journal du film disponible en baladodiffusion sur iTunes.

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T’es où Youssef?

An impossible quest

By Myriam Kessiby / January 26, 2018 / Posted in: Canadian Success Stories

When hearing about extremism or radicalisation, our first reaction is often to distance ourselves as much as possible by making a clear distinction between “them” and “us”. To look away or to blame others can become quite comforting when we know nothing about the people involved. But how must we react when the radicalised person is a loved one? How can a loving and empathetic individual be attracted to a violent, radical organization? Our conversation with a duo, unafraid to reach out to meet others: Mathieu Paiement, Executive Producer (Blimp TV) and Gabriel Allard, Director of T’es où Youssef?

It all started in 2014, when journalist Raed Hammoud was shocked to find out that one of his friends, Youssef, had left Quebec to join the Jihad. Why and how did a sweet and caring boy like Youssef leave everything behind to go risk his life in Syria? At first, Raed wanted to speak with radicalisation specialists to better understand the phenomenon. But Sophie Bélanger, one of Raed’s colleagues, got him in touch with Mathieu Paiement and Gabriel Allard. Mathieu remembers his first conversations with the project’s instigator: “Raed did not necessarily want the story to be about him, but we wanted to present him as the one searching for Youssef; the investigator. He was on board with our vision when we promised him to make the best possible movie out of his story”. 


Mathieu Paiement, executive producer


Lost in the desert

To find someone on another continent is not an easy task, but the team could not imagine how great the challenge awaiting them would be. Gabriel Allard confirms it: “We had no idea what we were getting ourselves into at first, on every level. Newspapers and the police talked about a disappearance with a possible enrolment in the Islamic State, but nothing was certain. Since he left without telling anyone, we had no clue. We did not even know if he was alive.”

Where to start such a search? Probably with Youssef’s loved ones, who could maybe share some information. However, Mathieu Paiement explains that it was not that easy: “It was a challenge until the very end because the loved ones were hesitant to take part in the project. We put ourselves in their shoes: Youssef’s disappearance was a traumatic event in itself. Add the police, the journalists and us, the filmmakers, who come after them to dig up this painful story… It becomes difficult for the family members.” Gabriel Allard agrees: “We often forget that these people get calls from the RCMP every month as soon as there were news about terrorism. They were under constant and we understand it. On a human level, these people became our friends. However, we still had a job to do and the topic is fascinating. We could then talk with them all night long in the hopes of gaining their trust and having a constructive conversation about our subject, but they shied away as soon as we asked questions about Youssef. We could not force anything. To take the time to get answers was the main challenge, even though, looking back, I am happy we did it. Out of nine months of production, we searched for eight months.”

The team had to show a lot of patience, perseverance and tact to get answers. For example, some participants were afraid that revealing information for the movie would break Youssef’s trust in them if he ever found out and then, all hope of him returning home someday would have be lost. Ironically, as Youssef was probably somewhere in the desert of Syria, the team at Blimp was confronted with its own desert of unanswered questions.


Raed Hammoud on the quest


Exposing one’s truth

The team tried by any means possible to get interviews, but they got rejected over and over again. However, in order to get to others’ truth, sometimes the best way is to expose your own, as Gabriel understood it: “Those we managed to convince to take part in the movie did so because we made them understand our deep motivation and good intentions. We wanted to make this movie so that other young people would stay out of the clutches of terrorist organizations and to make the public aware of the dynamics at play. At first, we tried to hide our goals to get interviews, but if the end justifies the means, it does not mean to be dishonest and beating around the bush. We have to be transparent. When Youssef’s sisters understood the type of work we wanted to do, it made all the difference.” 


In Turkey


The inner storm

The issues and the challenges did not only come from the outside, as explained by the executive producer: “On the inside, it was a great challenge to move forward all together and to trust each other until the end. Leila, Youssef’s sister, wanted to approve the movie to make sure that her brother’s reputation would remain unsullied. Raed, who was the face of the operation, gave much importance to the media treatment. Everybody had their own hesitations and it created tensions.” What to do if the movie’s protagonists are afraid that it will be misunderstood? Mathieu Paiement, in a moment of impatience, said to Raed Hammoud: “You will change your mind once we win a Gémeaux Award!” This sentence, said in desperation, practically became a prophecy since T’es où Youssef? dominated the 32nd Gémeaux Awards night by winning four awards, including one for best documentary program (society); as well awards for best director and best research. 

Looking back, we can see that everyone’s questions were beneficial: “Leila and Raed brought another perspective to ensure that we stayed away for the sensationalism often made by the media regarding these topics. It was essential to remain connected with our intentions “explains Gabriel. “It was important to find good balance; we could not depict the terrorist groups by using clichés or by being cheesy. We had to remain neutral and objective,” adds Mathieu. 


Raed Hammourd and Gabriel Allard, Director


After the film

After spending months working on this sensitive and complex project, the production team finally had a break, as said by the director: “The end of the movie was a relief! We were spent! As soon as the movie was well received by the public, the pressure fell off. We had no idea how it would be received! The fact that nobody was angry with us after the film was already a victory. Every positive comment was a bonus!”  

Aside from the good reviews and awards, what Mathieu and Gabriel are the proudest of is the message shared by the documentary. “What I like about the movie is that we simply talk about a young man who wanted a change”, says Gabriel Allard. “Youssef had this great desire for peace and social justice. He could have turned to any group, but sadly, a terrorist organization is what was accessible to him while he was most vulnerable. It is not a religion, but a group that recruits people by exploiting the dreamer, idealist and utopist side of young people. Every revolutionary starts that way and events take a turn at some point or another, but we rarely explain this. I’m happy we could help shed light on the nuances of the story.” Mathieu Paiement agrees: “Youssef’s story reminds us that they are not all violent bloodthirsty people who slide into terrorism. Instead of judging those who took this path, maybe we could ask ourselves what brought them to make that choice, to help prevent it.”

T’es où Youssef?, the documentary, is available on the Télé-Québec website. To learn more, follow the Journal du film available as a podcast iTunes.

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Schitt’s Creek

By Lindsey Vodarek / August 25, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Living in Toronto for much of the past 40 years, comedy legend Eugene Levy never fully left his Canadian roots. In fact, he proudly wears his Order of Canada pin on a regular basis. Originally hitting it big as part of the comedy dynasty that was SCTV, Levy is still generating an exceptional career both north and south of the border.  

When he and his son, Daniel, formulated the original idea for Schitt’s Creek, they knew the best place to shoot would be their northern home base. The Levys sold the concept to CBC, formed Not A Real Company Productions with Producer Andrew Barnsley, and hit the ground running. Prolific Producer Colin Brunton then joined the production team.

For Colin, it’s “the dream gig. A thrill working with the cast” - comedy legends and upcoming talent, now stars in their own right. The family sitcom with its hilarious plot and a hint of social commentary has become a fast success, already on to shooting its fourth season.  

The show began with Eugene, Daniel, Catherine O’Hara and Chris Elliott signed on. They then found their additional leading ladies, Annie Murphy and Emily Hampshire. Eugene and Catherine go back as far as their SCTV days. With daughter Sarah Levy joining the cast, it’s truly a family affair.

The show airs on CBC, on Pop TV in the US and is distributed worldwide. Now airing on Netflix as well, the show has gained fans in Britain, Australia and New Zealand. Its success lies somewhere in between providing “viewers with a break from reality, while still exploring the relatable issue of what it means to be a family,” explains Andrew. 

As head showrunner, Daniel is proving that his comedic inheritance and a lot of hard work pays off. He’s found his footing behind the camera and delivers a hilarious performance in front. “OMG, how we love this character! Just a facial expression, a quizzical look, a double-take nod of the head sends us into laughing fits!” exclaims a fan on CBC’s website. What’s more, he’s created a world for his characters that is ultimately accepting and non-judgmental of these fish out of water, including their sexualities. As Daniel told Variety, “the best thing we can do right now is show a world where sexuality is not part of the conversation - it’s just who people are.”

With other shows in development, the team has a specific window for production. First drafts are written ahead of prep. In spring, they shoot all of the in-studio scenes, followed by a two-week break. Then they hit the road for a month, getting exteriors and other locations around Ontario. For Colin, the quality of the show is confirmed by the ratings and the engagement of fans on social media. The show and its cast members have a strong presence on Twitter, Facebook, and Instagram. Some of their more famous fans include Elton John, Michael Bublé and their compatriots from Modern Family.

Schitt’s Creek has won 16 awards and been nominated for an additional 14. In 2016, they swept 9 out of 10 of their categories at the Canadian Screen Awards including Best Comedy Series. Again in 2017, Catherine and Emily took home the awards for their Leading and Supporting Actress roles. Colin is proud of what the team has accomplished, with 200 people working on the show and 99% of them returning year after year. For Andrew, he’s honoured and gratified that “it resonates around the world – this doesn’t happen every day. We’re taking nothing for granted.”

And that includes the set. Shooting on location in a community not too far outside Toronto has provided the small-town charm and family feel they needed. Andrew remembers before the first season, how it was quite funny to talk to local business owners and suppliers in the area. Who would of thought that a TV show would come to their small town? But it wasn’t long before everyone got in the spirit. The local Lions Club became the Schitt’s Creek Lions Club and the motel that is central to the show has become something of a landmark. And don’t get Eugene started on the amazing local butter tarts! 

For more laughter and behind the scenes stories on this crazy town, check out the show’s webseries and blog, re-watch Seasons 1-3 online and look forward to more Schitt’s in 2018 on CBC.

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Le Vote Latino

50 nuances de votes

By Myriam Kessiby / July 27, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Printemps 2016. À la surprise de plusieurs experts, Donald Trump franchit le cap de délégués requis pour remporter l’investiture du parti républicain lors des primaires américaines. Avec ses déclarations anti-immigration et ses positions populistes, Donald Trump ne laisse personne indifférent. Dans ce contexte politique survolté, chacun y va de ses hypothèses et de ses prédictions. C’est alors que l’équipe d’ICI Radio-Canada contacte le réalisateur et producteur Orlando Arriagada, qui leur avait présenté, près de deux ans auparavant, un projet de documentaire sur les allégeances politiques des Latino-Américains. L’attente en aura valu la peine; le moment était idéal pour aborder ce sujet chaud.


Orlando Arriagada rencontre de jeunes militants anti-Trump (Crédit photo : François Léger-Savard)


Attendre le bon moment

Retour en arrière, en novembre 2012. Barack Obama est réélu pour un deuxième mandat de quatre ans. À ce moment, Orlando Arriagada est en vacances en Floride avec sa famille. Il écoute avec intérêt les analyses politiques de la victoire d’Obama à la télévision. Selon ce qui était diffusé sur les grands réseaux, le vote latino serait le principal élément qui aurait fait pencher la balance en faveur d’Obama dans plusieurs États américains. Mais le réalisateur-producteur ne croit pas que l’explication soit aussi simple. Lui-même Québécois d’origine chilienne, il souhaite aller voir à la source, en rencontrant des Latino-Américains pour en savoir plus. Il veut aussi tenter de savoir ce qu’il adviendra des élections suivantes, en 2016. Avec son équipe, il fait donc des recherches et suit le phénomène de près. Il présente donc un projet de documentaire à ICI Radio-Canada, par l’entremise de sa boite de production; Pimiento. Mais le diffuseur hésite : « Nous avons présenté notre concept avant même l’annonce de la candidature de Trump. Au départ, le projet est resté sur la glace pendant presque deux ans, mais on a continué la recherche de notre côté parce qu’on était convaincus que Radio-Canada montrerait de l’intérêt un jour ou l’autre. Quand ils sont revenus vers nous pour aller en développement, le projet avait évolué. Ç’a avait pris une autre couleur à cause des déclarations de Trump, devenu candidat officiel. Le projet était pertinent; plus collé que jamais à l’actualité. C’était un bon timing. »


Affiche officielle


Des défis et des succès

C’est donc au beau milieu de la campagne électorale américaine qu’Orlando Arriagada et son équipe ont entrepris un voyage de plus de 8000 km à travers différentes communautés d’Amérique latine aux États-Unis.

Une telle aventure comporte de nombreux défis. La difficulté majeure, dans ce cas-ci, a été la fluctuation du dollar canadien. « Lorsqu’on a commencé à tourner, la valeur du dollar canadien avait chuté par rapport au budget initial que nous avions présenté. Tout coûtait maintenant plus cher, et c’est quelque chose que nous ne pouvions pas contrôler. Ma mission restait de raconter l’histoire en bonne et due forme et de montrer à l’écran ce qu’on avait promis au départ. Je ne voulais pas diminuer le contenu ou la qualité » souligne le réalisateur. Heureusement, ses origines lui ont permis de ne pas perdre de temps pour obtenir les accès nécessaires aux tournages : « Parce que je parle l’espagnol, un lien de confiance s’est établi immédiatement avec les intervenants du film et on a obtenu des accréditations plus rapidement. Ils voyaient que j’étais un latino, comme eux, alors les portes s’ouvraient plus facilement, autant du côté républicain que démocrate. Il faut dire que je ne parle pas très bien l’anglais! Par chance, je n’ai jamais besoin de parler anglais quand je vais aux États-Unis, puisque l’espagnol est la deuxième langue là-bas, en grande partie. Tout le film a été tourné en espagnol. »


Orlando Arriagada devant l'hôtel Trump Las Vegas (Crédit photo : François Léger-Savard)


Un accent, mille couleurs

En effet, la population latino-américaine est élevée dans plusieurs États américains. C’est précisément là qu’Orlando Arriagada s’est arrêté pour réaliser ses entrevues : « Pour faire le film, nous voulions faire un portrait le plus large possible de la société latino-américaine aux États-Unis. Nous sommes donc allés dans plusieurs grandes villes où les latinos sont présents, comme Miami, Washington, Los Angeles et San Antonio. Même si les gens rencontrés étaient tous latinos, à chaque endroit, les enjeux étaient très différents. »

D’ailleurs, ce que l’équipe a pu découvrir, au fil des rencontres, est que les opinions des latinos sont beaucoup plus variées et nuancées qu’on pourrait le croire : « Des deux côtés, républicains et démocrates, il y a des différences de point de vue. Beaucoup de gens pensent que les latinos sont tous démocrates. Dans un état comme la Californie, oui, mais ça n’est pas le cas partout. Dans les chambres de commerce latino-américaines à travers le pays, par exemple, ce sont en grande partie des républicains. » Aussi, les expériences de chacun influencent grandement leur façon de voter : « Dans certaines familles, la troisième génération est légale, mais la première ne l’est pas encore. Les enfants craignent donc de voir leurs parents ou leurs grands-parents déportés à tout moment, ce qui serait injuste pour eux. D’un autre côté, ceux qui ont complété tout le processus d’immigration légalement trouvent injuste que d’autres demandent d’accéder à la citoyenneté américaine plus facilement » rappelle le producteur. Par contre, de façon générale, les Latinos sont peut-être plus près des Américains qu’il peut sembler : « Les valeurs latines se collent très bien à celles des États-Unis. Ce sont des valeurs très traditionnelles comme la famille, l’entraide, la religion… même si la langue et la façon de vivre sont complètement différentes. »


L'équipe de production (Crédit photo : François Léger-Savard)


Le pourquoi et le comment

On peut se demander pourquoi Orlando Arriagada s’est intéressé à un phénomène qui a lieu en dehors du Canada. « Une bonne façon de se connaître soi-même est de voir ce qui se passe ailleurs. Personnellement, ça fait 25 ans que je suis au Québec. Le phénomène de l’immigration ici est complètement différent de celui aux États-Unis. La façon de vivre des latinos là-bas est aussi très différente de la nôtre. Ici, au Canada, on a l’occasion de s’intégrer assez rapidement. Oui, la lutte contre les préjugés est là, mais il y a une plus grande mixité et moins de ghettos ce qui facilite le processus d’intégration. Alors, en tant que Canadien, ça m’intéresse d’aller voir comment se vit l’immigration de l’autre côté de la frontière et comment ces gens-là s’identifient soit aux valeurs des républicains, soit aux valeurs des démocrates. »

En abordant un sujet aussi sensible que la politique, on aurait pu s’attendre à ce que le réalisateur affiche clairement ses opinions à travers son documentaire. Mais il s’efforce plutôt de présenter les différentes facettes de cet enjeu de société sans se prononcer : « En tant que réalisateur, j’ai voulu prendre une photo Polaroid de la société à ce moment-là, présenter une vue d’ensemble juste, et laisser le public se faire sa propre interprétation de ce qu’il voit. Ça n’est pas à moi de dire quoi penser. Pendant les entrevues, j’ai parfois entendu des commentaires ouvertement racistes dans les conversations. Dans ces cas-là, c’est difficile de rester neutre. Ç’a aurait été très facile de dépeindre les démocrates comme des illuminés ou les républicains comme des racistes. Mais la réalité, c’est qu’il y a des gens qui ont des opinions différentes, et il y a une place pour chacun d’entre eux. C’est ce qui fait la beauté de notre vie démocratique. On peut s’écouter et vivre ensemble même si on ne partage pas le même avis. »


Le producteur et réalisateur Orlando Arriagada (Crédit photo : François Léger-Savard)

On comprend donc qu’à travers Le Vote Latino, Orlando Arriagada souhaite faire plus que montrer les allégeances politiques des uns et des autres : « Le documentaire permet d’aller plus loin dans les phénomènes de société pour comprendre pourquoi les gens agissent de telle ou telle manière, quelles sont leurs motivations. Parfois, dans notre société, on a encore de la difficulté à accepter la différence. Alors, ma motivation pour faire des documentaires, c’est de montrer les différentes réalités, les différentes nuances, les différents côtés, les différentes voix. Je ne veux pas faire de provocation : j’essaie de montrer l’opinion de l’autre sans porter de jugement. Et en écoutant l’autre, même lorsque nos opinions sont différentes, on finit toujours par trouver un point commun. Je souhaite montrer la partie d’humanité de chaque point de vue. C’est toujours là qu’on se rejoint. »

Le documentaire Le Vote Latino est disponible sur ICI Tou.tv (via l’émission Les Grands Reportages). Pour de l’information complémentaire sur ce sujet, visitez le site votelatino.radio-canada.ca. La maison de productions Pimiento est aussi sur Facebook.

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Le Vote Latino

50 shades of votes

By Myriam Kessiby / July 27, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Spring 2016. Unexpectedly for most observers, Donald Trump reaches the number of delegates needed to secure the Republican nomination for president. With his anti-immigration statements and his populist views, Donald Trump leaves no one indifferent. In this overheated situation, everybody speculates on the outcome of the election. This is when ICI Radio-Canada calls the director and producer Orlando Arriagada, who almost 2 years before, pitched them a documentary project about the political views of Latin-Americans. It was worth the wait; the timing was perfect to discuss this red-hot topic.


Orlando Arriagada meets with young anti-Trump activists (Photo credit: François Léger-Savard)


Timing is everything

Looking back on November 2012. Barack Obama is re-elected for a second four-year term. At the time, Orlando Arriagada is on vacation in Florida with his family. He listens with interest to the political analyses about Obama’s victory on television. According to what was broadcast by large TV networks, the “Latin vote” could be the main element that made the balance tilt in favour of Obama in many states. But this director-producer does not think the explanation is that simple. Himself a Quebecker of Chilean origin, he wishes to go to the source, to meet Latin-Americans to learn more about their point of view. He also wants to anticipate what will happen in the following election, in 2016.

With his team, he does some research and monitors the situation closely. He then pitches a documentary project at ICI Radio-Canada through his production company Pimiento. But the broadcaster has doubts: “We presented the concept even before Trump’s nomination was announced. At first, the project stayed untouched for almost two years, but we kept on doing research on our side because we were convinced that Radio-Canada would be interested one day or another. When they came back to us to start development, the project had evolved. It changed because of Trump’s declaration, who became an official candidate. The project was relevant; more in sync with the news than ever before.”


Official poster


Challenges and successes

It’s in the middle of the US election campaign that Orlando Arriagada and his team start their 8000 km trip through various Latin-American communities. Such an adventure involves many challenges. The major difficulty, in this case, was the fluctuation of the Canadian dollar. “When we started to shoot, the value of the Canadian dollar had dropped compared to our original budget. Everything was costing more money, and this is something we had no control over. My duty was still to tell the story in the best way possible, while showing on screen what we promised initially. I did not want to lower the content or the quality,” emphasise the producer. Fortunately, his origins helped him to be on the fast track to get access to shoot: “Because I speak Spanish, a trust relationship was built quickly between me and the contributors of the movie and we got the accreditations faster. They saw that I was Latin, like them, so the doors got opened more easily, as much from the side of Republicans as Democrats. I have to admit that I don’t speak English very well! Luckily, I never have to speak English when I go to the United States, since Spanish is the second most spoken language, for the most part. The whole movie was shot in Spanish.”


Orlando Arriagada in front of Trump International Hotel Las Vegas (Photo credit: François Léger-Savard)


One accent, a thousand colors

Indeed, the Latin-American population is high in many American states. This is precisely where Orlando stopped to do his interviews: “To do the movie, we wanted to do a portrait as large as possible of the Latin-American society in the United States. We have therefore been to several large cities where Latin-Americans live, like Miami, Washington, Los Angeles and San Antonio. Even if the people we met were all Latin, in every location, the challenges were different.”

Besides, what the team discovered over their conversations, is that the opinions of the Latino population are a lot more varied and nuanced than one might think: “On both sides, Republicans and Democrats, there are different opinions. A lot of people think that Latinos are all Democrats. In a state such as California, it’s true, but it isn’t the case everywhere. In Latin-American chambers of commerce across the country, for example, there are a majority of Republicans.” Also, individual experiences greatly influence the way people vote: “In some families, the third generation is “legal”, but the first generation is not yet. So children live in fear of seeing their parents or grandparents being deported at any time, what would be unfair for them. On the other hand, the ones who did complete the immigration process legally think it’s unfair that others ask for easier access to US citizenship than what they had to go through” recounts the producer. However, generally speaking, Latinos might be closer to Americans than it might seem: “Latin values fit very well with the US ones. They are very traditional values, such as family, mutual aid, religion… even if the language and the way of life are completely different.”


The production team (Photo credit: François Léger-Savard)


Why and how

We can ask ourselves why Orlando Arriagada became interested in a phenomenon that occurs outside Canada: “A great way to know yourself is to see what happens elsewhere. Personally, it has been 25 years that I have been in Quebec. The immigration process is completely different here from what happens in the United States. The way of life of Latin-Americans over there is also very different from ours. Here, in Canada, we have the opportunity to engage into the mainstream society relatively quickly. Yes, we have to fight prejudice and stereotypes here too, but there is bigger diversity and less ghettos, which ease the integration process. So, as a Canadian, I am interested in seeing how immigration happens on the other side of the border and how those people identify either with Republican or Democrat values.”

While addressing a topic as sensitive as politics, one could have expected that the director shows his opinions clearly in his documentary. But he makes sure to present the various aspects of this social issue without sharing his views: “As a director, I wanted to take a Polaroid picture of society at this precise time, show a fair overview, and let the public make up their own mind about what they see. It’s not my goal to tell them what to think. During the interviews, I sometimes heard openly racist comments in the discussions. In those cases, it’s hard to stay neutral. It could have been very easy to depict Democrats as crazy or Republicans as racists. But the reality is that there are people with different opinions and there is room for every one of them. This is what makes the beauty of our democratic life. We can listen to each other and live together even if we disagree.”


Producer-Director Orlando Arriagada (Photo credit: François Léger-Savard)

Through Le Vote Latino, Orlando Arriagada wants to do more than show political allegiance to one party or the other: “The documentary lets us go further in societal phenomenon, to understand why people act in such or such way, what are their motivations. Sometimes, in our society, we still have a hard time to accept differences. So, my motivation, to make documentaries, is to show various realities, shades, sides and voices. I don’t want to provoke: I try to show another point of view without judging. And when you take time to listen to the other one, even when our opinions do not align, we always end up finding a common ground. I wish to show that part of humanity in every point of view. This is always where there is a reconciliation.”

The documentary Le Vote Latino is available on ICI Tou.tv (via the show Les Grands Reportages). For more information, visit votelatino.radio-canada.ca and Pimiento productions on Facebook.

Baroness Von Sketch Show | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Baroness Von Sketch Show

By Lindsey Vodarek / July 25, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Have you ever watched a show and thought, “These people just get my life!” That’s the sentiment many viewers are having after watching just a few sketches from the Baroness Von Sketch Show on CBC. Created by Carolyn Taylor, Meredith MacNeill, Aurora Browne, and Jennifer Whalen, in partnership with Frantic Films, the half hour comedy is also written, executive produced and starred in by this lively foursome. When it comes to original comedy, it’s all about looking at life from a familiar perspective then taking risks, and the team at BVSS does exactly that.


Not All Men (Jenn, Aurora, Meredith, Carolyn)

Each of the creators has an extensive background in comedic writing and acting. Three of them have credits working on This Hour Has 22 Minutes and three have graced the Mainstage at The Second City, yet it was Carolyn that brought the troupe together. Crossing paths in the industry, back and forth across the country, she had the privilege of working with Aurora, Meredith and Jennifer on separate occasions.

As Carolyn and Meredith were discussing new ideas, Meredith realized that there was a space for a female-centric sketch show. Carolyn met with Frantic Films and they also saw the gap in the market. She then reached out to the others and together they made a demo. Shopping it to broadcasters, CBC was a match.

In addition to this need for female-driven comedy, there is a notable addition that has aided their success. As is evident in the room, they are all very gracious and kind to each other. As Jennifer put it, there’s “a magic and an alchemy here. We’ve been doing this long enough to know that this doesn’t come around often.” 


Police Report (Meredith)

Covering topics that range from a world leaders’ summit to hipster coffee shops, the ladies provide a satirical slice of life that is not only hilarious but relatable. And pretty much everything is up for grabs when it comes to material. Living and working in Toronto, the rush to work becomes fodder for a sketch, as does a dinner out, a social occasion and pretty much any fashion trend. Whenever an idea is pitched by one writer, the others can’t help but wonder: “Is this sketch about me?” And people often come up to them on the street to give them ideas. “People are looking at their own lives in a comedic way” says Meredith. From there they ask, “What captures the zeitgeist moment?”

Another character in the show is Toronto itself. “Yes, we live and work in Toronto. No, we’re not showing the CN Tower.” Filming around town in both iconic and lesser known locations, from the famous Trinity-Bellwoods Park to Midfield Wine Bar, the show is Toronto-centric enough for Canadians without alienating other big cities. In fact, the show’s “transportable truths about emotions and interpersonal dynamics,” recently sold to IFC. And with an increased order from CBC for Season 3, the team will be shooting 10 episodes this summer.


Eulogy (Jenn)

For the first time in their careers, these talented performers and creators have an actual sense of work-life balance. “We get to stay in our homes, in our neighbourhoods, putting money into the city’s economy,” Jennifer explains. In Aurora’s case, her husband has also worked on the show and her kids participated in the opening credits. Meredith, who also lives and works in Nova Scotia, describes this as the “best job I’ve ever had.” Jennifer concurs: “It’s a civilized place to work. We can pick up the kids from school and it’s not a big deal. Part of it is that we’re the Executive Producers as well as the writers and performers so we can create a schedule that is more balanced than most TV shows. We are really lucky.” And the natural way that the rest of life informs their work is a much-appreciated bonus.

The most popular sketch from Season 1 featured the unveiling of the mysteries of the women’s locker room - for those over the age of 40. In it, the Baronesses appear in the buff. When they wrote the sketch, it didn’t really occur to them that it might be awkward. “In our 40’s we can write and do more of what we want on TV. It’s so story-driven that we weren’t worried about that” explains Meredith. Aurora adds that “in comedy you have to be willing to look unflattering.” But when the day came for the episode to air, they had a bit of trepidation.

Following the online discussion and comments on social media, they did expect a certain amount of negativity. The reception however was overwhelmingly positive. The majority of responses were a resounding “Thank you, thank you, thank you” from women and a request from guys to do a similar sketch about men! There was an “outpouring of love online. We expected haters but it’s so loved. No one really talked about our bodies,” explained a happily surprised Meredith.


Pride Bank Float (Carolyn)

Another area where the show takes risks and challenges expectations is in the length of the sketches, with bits ranging in length from 30 seconds to five minutes. As the Showrunner, Carolyn gives the analogy of a mixed tape, where some sketches “didn’t need to be so long. Others could be parsed and broken down. The key is to not outstay your welcome.” That is especially true when dealing with a sensitive or political issue. As Aurora puts it, “One poke to make you giggle.”

Working with a team of writers, they pull from a variety of sources in their comedic community. Some were people that “hadn’t written for TV before, some were stand ups, humour columnists, bloggers, graphic novelists, etc. It’s very exciting for us, how it wasn’t a formula” explains Carolyn. In addition to great writers, the set decoration, costuming and make-up departments pay extraordinary attention to detail. From “Aunt Sheila jeans” to literally out-of-control hair, the crew endeavors to heighten the hilarity of every scene.


Aurora, Jenn, Meredith and Carolyn

Aurora describes how “the whole community is nourished when we work here. We wouldn’t be able to access that if we had to go away to another country. The more doors open, the more the scene will develop. People will gain more experience. There’s trust there, and trusting Canada’s artists is a good bet.” The team is grateful for the funding they’ve been able to access through the Canada Media Fund that has helped them to create this environment. Already achieving accolades, the show won Best Variety or Sketch Comedy Program, Best Writing and Best Editing at the 2017 Canadian Screen Awards. The show was also nominated for a Rockie Award at the Banff World Media Festival and the cast received a nomination for Outstanding Performance – Ensemble at the 2017 ACTRA Awards.

Season 2 is now airing Tuesdays at 9pm on CBC. Catch up at CBC online and starting this August on IFC. Look out for the crew around Toronto as they shoot Season 3 later this summer. Then join the hilarious conversation on YouTube, Instagram, Twitter and Facebook.

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Kim’s Convenience

By Lindsey Vodarek / July 13, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Kim’s Convenience came to the small screen in Fall 2016 as part of a new slate of developments from CBC. Roughly 20% of Canadians are foreign-born and Asia is the largest source of immigration. Canadians continue to celebrate cultural heterogeneity and the public broadcaster is transforming to reflect that. CBC dives directly into diversity, producing a show about immigrants, their families and the businesses they create.

With its focus on a Korean-Canadian family, the sitcom takes a fresh approach to storytelling in several ways. Originally a stage play, it was created by York University BFA grad Ins Choi. Not seeing himself or his stories represented anywhere, he took matters into his own hands and wrote a play for the Toronto Fringe. A huge success, the show won the Audience Choice Award and the acclaimed Soulpepper Theatre took notice. Together with Choi, they developed it further into a show that hit the Soul Pepper stage and now tours various cities, hitting New York this summer.

On the other side of the equation, the inexhaustible Producer Ivan Fecan was failing – at retirement. One of the most well-known media executives in Canada (previously Head of English TV at CBC, CEO and President of CTVglobemedia and VP Creative Affairs at NBC), he is familiar with Artistic Director Albert Schultz at Soulpepper and was invited to see Kim’s Convenience in rehearsal. They had an inkling this might be something that could be adapted for TV.

And they were right. Fecan came back to work, joining Thunderbird Media. He contacted the Kim’s team again and threw his hat in the ring to develop it for TV, in partnership with Soulpepper. Bringing the broadcasters out to view the play again, Fecan felt strongly that the CBC would be the best match for the show. He knew it would provide a supportive environment, especially for the subject matter. Indeed, CBC agreed and committed to Thunderbird’s request for a two season order off the bat – a rarity for any series. He makes the argument that “if this show had been financed by international money, I’m not sure we’d be able to tell the same stories.”

With this guarantee, the team got to work. After some Showrunner speed dating, Choi selected Kevin White as his partner. The two hit it off like crazy. Scripts were worked on extensively and the show started off with hilarious and refreshing material. The pair doesn’t steer clear of poking fun at Canadian stereotypes, about immigrants and across the board.

As the TV show is more expansive than the play, the characters are also more fully developed. Starring Paul Sun-Hyung Lee, Jean Yoon, Andrea Bang, and Simu Liu, this was an exciting opportunity for the core cast, who came right off the stage. Many of the other actors came from Soulpepper as well. This is another unique part of the show – Choi, White and the directors get to work with trained theatre actors. Their familiarity with the characters allows them to give profoundly believable portrayals.

In order to get the word out there, the Thunderbird/Soulpepper team shot and edited their own promo videos in partnership with CBC. They had “a strong idea of how they wanted to launch the show,” explains Ivan, and were happy to take on that responsibility to be able to convey their vision. CBC then launched promotion during the Olympics, giving them a full six weeks of prime advertising before the premiere.

Mainly shot in studio in Toronto, the show does do some on-location filming per episode. The Kims’ storefront is located in the Cabbagetown/Corktown area of Toronto, known to the locals as Mimi’s Variety. Like the Kims, the owners of Mimi’s came to Canada in the 1980’s and live above their store. For additional interstitials, Thunderbird chose street photography consultant and filmmaker, Iris Ng, who has a special eye for the city. Adding to this realistic feel is the show’s soundtrack, comprised of Toronto indie bands. All of these ingredients add up to a show that authentically portrays, as Fecan describes, “a real neighbourhood that people live in - crime, gentrification and generational shift within immigrant families.”

Genuine portrayal and attention to detail has paid off. The series earned 11 Canadian Screen Award nominations in 2017, including Best Comedy Series. The team took home four, with Paul Sun-Hyung Lee accepting Best Performance by an Actor in a Continuing Leading Comedic Role for his depiction of Appa, aka Mr. Kim.

Now cameras roll again this summer with more of the Kims’ family comedy in store this Fall on CBC. Follow the cast from set and engage in live tweeting with them during various episodes. Ongoing extras can be found on Twitter, Facebook, Instagram and Youtube. And in the meantime, catch up with the first season on CBC online. #OKseeyou

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Orphan Black

By Lindsey Vodarek / May 04, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

What if you suddenly saw your doppelganger? How would you react? And what if, the moment after you saw her, she threw herself in front of a train? This mind-bending event was the original idea that brought to life Graeme Manson and John Fawcett’s hit series Orphan Black. Starring Tatiana Maslany, the show explores the impact of nature and nurture on the lives of various genetic copies - of the same woman.

First a feature film idea, Manson and Fawcett knew the story could go much farther than a two-hour script. Graeme developed it into a TV pilot while running the Canadian Film Centre’s showrunner in residence program. When they approached Kerry Appleyard at Temple Street (a division of Boat Rocker Media), creators of Being Erica, she “fell in love with the possibilities of the idea; loved the mystery. And the women at the centre, exploring ‘who am I?’, their identities. If I’m not in control of my freedom, who am I?” 

Together Kerry, Graeme and John worked on the pitch and took the concept to various Canadian and US broadcasters. On the first round, all of them passed. But eventually they got interest from BBC America who were ramping up their original production, and from Rogers in Canada. With BBC and Rogers on board and the Canada Media Fund providing resources for development of a story bible and two scripts, the show was on its way. When Rogers changed direction to pursue comedies, Space saw its opportunity and came aboard as “the perfect partner. The stars had aligned!” From closed doors to airing in over 150 countries, fans are grateful for the tenacity behind this strange and innovative show idea. 

Yet it was mid-way through the first season before the team started to recognize that this show was largely about a sisterhood forming. Autonomy, the ownership of your body and other powerful and timely themes just came out of the show naturally. “We weren’t overly conscious of those themes. They are an authentic component – part of its DNA” explains Kerry. Tatiana’s portrayal of such strong female characters put this female-centric show on the map: Sarah, our brave leader; Helena, a redeemable monster; Alison, a suburbanite inspired by a crafting sister; Cosima, the west coast Bohemian resembling the show’s consulting scientist, plus corporate queen Rachel and introvert MK. They all ultimately overturn stereotypes of femininity in their own way. 

Another important consideration for the show is its diversity. They are “colour-blind and cast accordingly.” Issues of sexual orientation are also at the forefront, garnering an additionally supportive fan base. And all of this diversity extends beyond the set, with a variety of perspectives in the writing room. Kerry discloses that, along with Tatiana winning an Emmy, what she’s most proud of is “seeing all the young women in the room – furthering them along and giving them chances to succeed. Mentoring from coordinator to writer.” 

Shooting in Toronto, BBC America initially wanted to make the city unidentifiable for the sake of relatability and selling internationally. Yet, fans and Torontonians alike can parse out the various hallmarks of the city, even without a shot of the CN Tower. Working here also has its benefits for Tatiana, being her home base. Playing all of the sister clones can be quite taxing as she appears as more than one character in many scenes. The male clones joining the story in later seasons helped, as did Tatiana’s amazing acting double, Kathryn Alexandre. When not on set, the leading lady also has rehearsals, additional lines to record and ongoing publicity. Remaining remarkably humble, she’s taken a page from the clones’ playbook and makes sure her life continues to be her own.  

Over the last four years, Orphan Black has been nominated for the gamut of major awards including three GLAAD Awards, two Emmys, a Golden Globe and numerous Canadian Screen Awards. In 2016, Tatiana won the Emmy for Outstanding Lead Actress in a Drama Series. Overall the show has had 59 wins and 69 nominations. Press continues to abound with poignant features in the New York Times and innumerable Tumblr fan blogs.

Since the first season, fans (known as the #CloneClub) have championed the show. Huge crowds gather to see the cast at Comic Con, Fan Expo and other events. To satiate fan appetite, the team created the CloneCast, a podcast where cast and crew take turns diving deep on episodes, themes and creation details. In addition, Space produces After the Black, an after-show recap and discussion. One of the only Canadian shows to have an after-show, the team is thrilled at the ongoing desire from the community and support from the broadcasters. In fact, the fan artwork is so amazing that BBC used it for its Season 4 promotional poster. On top of that, the show continues to host set visits and create walk-on roles for contest winners. Completing the collection are Orphan Black T-shirts, fashion apparel, comic books, clone dolls, Bobbleheads, a board game, and the newest addition, a digital adventure puzzle game. 

Just finishing the final episodes of the final season, it’s a proud and emotional time for everyone. The team envisioned the program as a five season show that has now come to its natural end. While fans wish the clones could go on forever, Kerry confirms that “conspiracy answers must be arrived at; a personal quest must come to an end.” The final season of Orphan Black airs this June on Space Channel and BBC America. Watch Seasons 1-4 again on CraveTV or iTunes and join the #CloneClub on Instagram, Twitter and Facebook.

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Sexplora

De la tête aux fesses

By Myriam Kessiby / April 12, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Les réunions de développement sont toujours très animées chez Urbania Média. C’est qu’il faut démêler, parmi les mille et une possibilités, quelle sera la prochaine idée sur laquelle l’équipe devra mettre ses efforts. Ce jour-là, Philippe Lamarre, producteur exécutif et fondateur d’Urbania, a présenté un plan bien précis à ses collègues : « On va développer une émission sur le sexe pour la chaine Explora! »

C’était assez inusité, comme proposition. Il faut dire que la chaine ICI Explora, appartenant à la Société Radio-Canada, offre un service spécialisé de télévision consacré principalement à la science et à la connaissance. Comment aborder un sujet aussi « animal » dans un contexte aussi « cérébral »? Comment cette émission a-t-elle pu voir le jour? Et vu la sensibilité du thème de la sexualité, et ce que ça peut susciter chez certains téléspectateurs, comment éviter les dérapages? Dans un univers où une minorité de concepts développés aboutissent à un projet final diffusé, cette idée farfelue aurait facilement pu ne jamais se concrétiser. Mais justement, les idées hors-normes, c’est exactement ce à quoi carbure l’équipe d’Urbania. Recette d’un succès qui a surpassé les attentes. 


Lili Boisvert en entrevue


Une formule gagnante

Nous voilà quelques années plus tard, et nous en sommes déjà à la fin de la deuxième saison de Sexplora, un magazine télévisuel et web qui parle de sexualité sans détour. Ce projet est rapidement devenu une des émissions vedettes de la chaine ICI Explora. Pour la productrice Annie Bourdeau, tout est dans la façon de présenter l’information : « On traite d’un sujet sérieux, mais avec un ton irrévérencieux. Ça signifie que pour nous, c’est primordial d’avoir de la rigueur et de la pertinence dans le propos, tout en gardant une touche d’humour! Par exemple, on peut expliquer une notion complexe avec un dessin animé tout simple, avec des couleurs vives, pour rendre l’information plus accessible et plus sympathique. » Marylène Fortier, productrice au contenu, est d’accord : « L’émission parle de sexualité dans le prisme de la science. Quand on applique la signature d’Urbania, avec son ton jeune, audacieux et curieux, ça fonctionne parfaitement. Dès le début, les cotes d’écoute ont été très intéressantes pour le diffuseur. Visiblement, c’était une bonne formule. » En effet, le public a été au rendez-vous. À un point tel que, après la première saison de 6 épisodes, la chaine a poursuivi l’aventure avec une deuxième saison de 10 épisodes. « C’est bon signe puisque, dans les chaines spécialisées, ça n’est vraiment pas automatique qu’on revienne pour une deuxième saison », souligne Marylène Fortier.


Les productrices Annie Bourdeau et Marylène Fortier


Viser juste

Avant d’appliquer la forme ludique pour présenter un contenu scientifique, il fallait commencer par choisir ce fameux contenu, comme l’explique Annie Bourdeau : « Pendant la période de développement, lorsqu’il a fallu choisir les thèmes, on avait fait une prérecherche de 350 pages! On s’est rendu compte que parler de sexualité, c’est très large! Il a donc fallu circonscrire les thématiques. » Marylène Fortier insiste, elle aussi, sur le fait que réussir à cerner la ligne directrice pour chaque épisode était le principal défi de l’émission : « Chaque épisode est conçu comme une quête où on veut répondre à une question initiale, sur un sujet précis. Il faut donc réfléchir et échanger pour cerner le propos de chaque épisode sinon, ça peut aller dans toutes les directions! Cette année, les sujets vont de la domination, jusqu’à l’abstinence en passant par la ménopause-andropause et la pornographie. Et on aurait du contenu pour faire encore plusieurs saisons! »

Alors qu’il fallait trouver la justesse du ton et préciser les thématiques, il a aussi fallu choisir la bonne personne pour porter cette émission, rappelle la productrice : « Initialement, on avait un casting d’humoristes pour animer Sexplora, mais on voyait qu’on tombait beaucoup dans l’autodérision et le but n’était pas de rire du sexe. On voulait garder une certaine rigueur. On a donc pensé à des sexologues, mais, puisqu’ils font partie d’un ordre professionnel, certains se censuraient énormément. Finalement, on a pensé à des journalistes, comme Lili Boisvert. Elle avait déjà eu un blogue sur la sexualité, donc elle avait développé ce créneau auparavant et réfléchi sur toutes sortes d’enjeux qui sont traités dans la série. Elle avait le ton léger et sérieux à la fois qu’on recherchait. Le diffuseur l’a rapidement choisie! » Le réalisateur de l’émission reflète, lui aussi, ce soucis de rigueur essentiel au succès du projet : « Arnaud Bouquet est très exigeant avec lui-même, tant au niveau du contenu que de la production. Cette qualité se perçoit dans le résultat final » ajoute Annie Bourdeau. 


Lili Boisvert va à la rencontre du public

Une fois que tous les ingrédients étaient rassemblés, il fallait les présenter à travers le bon média. Pour Marylène Fortier, le web n’est pas séparé de la télévision; il fait plutôt partie de l’équation : « On a développé des thématiques, exploré tout ce qui était intéressant en matière de contenu, d’experts, de témoignages… puis, on s’est dit : quelle plateforme sert le mieux chaque contenu? Télévision, capsules web, texte, jeu interactif? Tout a été pensé en même temps. Pour nous, le web, ça n’est pas une deuxième plateforme, ça fait partie d’un écosystème qui se tient. » Et ça fonctionne!


Sexplora en tournage


Le respect de la différence

Lorsqu’on échange avec les productrices, on remarque rapidement leur grande fierté face à l’approche anticonformiste d’Urbania : « De façon générale, on fait souvent des portraits de personnages hors-normes. Ça fait partie de nos valeurs, de ce que nous sommes » lance Marylène Fortier. « On retrouve ça dans Sexplora et c’est toujours fait avec un immense respect. On pourrait facilement tomber dans le freak show, mais on s’intéresse réellement aux gens, aux personnages colorés et à leur univers. On a fait des rencontres fascinantes. »  Pour l’émission, il fallait en effet trouver les personnes qui vivent des sexualités différentes, et qui étaient prêtes à en témoigner à la caméra. « Par exemple, nous avons rencontré une femme transsexuelle, née homme, qui est un ancien soldat de l’armée canadienne, et qui se prête au jeu de la chasteté. Son parcours de vie est exceptionnel. C’était un tournage marquant. Ça prend une équipe très respectueuse, qui a une grande sensibilité, de l’écoute et de la compassion. » 

L’ouverture d’esprit. Au bout du compte, par-delà les thèmes-choc comme le fétichisme ou les ITS, c’est peut-être ça, au fond, le véritable lègue d’une émission comme Sexplora : « On a l’impression de contribuer à un dialogue social, à un avancement de la réflexion. Notre travail n’est qu’une petite goutte d’eau dans l’océan, mais on espère pouvoir aider à faire évoluer les mentalités concernant des questions taboues. » Comme quoi parler de jambes en l’air sans perdre la tête, c’est possible.

L’émission Sexplora est diffusée sur les ondes d’ICI Explora. Voyez ou revoyez les épisodes sur ICI Tou.tv (abonnement), et suivez l’émission via Facebook et Instagram.

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Sexplora

From head to buttocks

By Myriam Kessiby / April 12, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Development meetings are always very lively at Urbania Media. It’s how the team unravels what their next great idea will be among numerous possibilities. Philippe Lamarre, producer and founder of Urbania, presented a very clear plan to his colleagues for their latest project: “We will create a TV show about sex!”

It was quite an unusual proposition. ICI Explora network, owned by the CBC, is a specialty television service mainly devoted to science and knowledge. Therefore, the question became how to present this “animal” topic in a “cerebral” manner? Also, given the sensitivity of the theme and what it can evoke in some viewers, how to avoid crossing the line? In a universe where a small minority of concepts ever turn into a broadcast, this idea could have easily been scrapped. However, unconventional ideas are exactly what the Urbania team thrives on. 


Lili Boisvert interviewing


Bold and inquisitive

Already at the end of its second season, Sexplora, a television and web magazine that talks openly about sexuality, quickly became one of the hit shows on ICI Explora. For producer Annie Bourdeau, the success of the show is linked to how this information is presented: “We deal with a serious topic but in an irreverent tone. It means that for us, it is essential to have rigor and relevance in the subject, while keeping a touch of humor. For example, we explain complex notions using a simple cartoon, with bright colors, to make the information more accessible and friendlier.” Marylène Fortier, content producer, agrees: “The show is about sexuality in the context of science. When you apply Urbania’s signature to it, with its young, bold and inquisitive tone, it works perfectly. From the beginning, the ratings were very good.” Indeed, the viewers responded well - to the point that after the first season of six episodes, the network continued the adventure for a second season of 10 episodes. “It's a good sign because, with specialty networks, coming back for a second season is not a given,” says Marylène.


Producers Annie Bourdeau and Marylène Fortier


Format and formula

Before applying this playful format to scientific content, the team had to start by narrowing down topics. As Annie Bourdeau explains: “During the period of development, when we had to choose the topics for each episode, we did 350 pages of preliminary research! We realized that talking about sexuality can be very broad! It was necessary to narrow the themes.” Marylène Fortier also insists that successfully pinpointing the guidelines for each episode was the main challenge of the show: “Each episode is conceived as a quest to answer an initial question on a specific topic. This year, topics range from domination, to abstinence, from menopause-andropause to pornography. And we still have content to make several more seasons!”

While it was necessary to find the right tone and pinpoint topics, it was also necessary to choose the right person to carry this show. The producer remembers: “Initially, we had a cast of comedians to host Sexplora, but we fell a lot into self-deprecation and the goal was not to laugh at sex. We wanted to maintain some rigor, so we thought of sexologists, but because they are part of a professional order, some of them censored themselves a great deal. Finally, we thought of journalists, like Lili Boisvert. She already had a blog about sexuality, so she had previously developed this niche and reflected on all sorts of issues that are dealt with in the series. She had the ‘light yet serious’ tone we were looking for. The broadcaster quickly chose her.” The director also reflects the rigor that was essential to the success of the show. “Arnaud Bouquet is very demanding with himself, both in terms of content and production,” adds Annie Bourdeau.


Lili Boisvert meeting the public

Once all the ingredients were assembled, they had to decide on their platform approach. For Marylène Fortier, the web is not separate from television but rather part of the equation: “We developed topics, explored everything that was interesting in terms of content, experts, testimonies... then, we said: which platform best serves each? For us, the web is not a second platform, it is part of an ecosystem.” 


Filming Sexplora


Respect for variety

The producers have great pride in the anti-conformist approach of Urbania: “In general, we present non-standard characters in our media. It's part of our values, of what we are,” says Marylène Fortier. “We find this in Sexplora too and it's always done with tremendous respect. We are really interested in people, in colorful characters and their universe. We’ve had fascinating encounters.” For the show, it was necessary to find people who live different sexualities and who were ready to testify on camera. For example, “we met a transsexual woman, born a male, who was a former soldier in the Canadian army, and who chose chastity. Her life story is exceptional. It was a very moving interview and it takes a very respectful team, which has great sensitivity, listening abilities and compassion.” 

Ultimately, beyond shocking themes like fetishism or STDs, open-mindedness may be the true legacy of a program like Sexplora. “You feel like you are contributing to a dialogue, to an advancement in the way people think. Our work is only a small drop in the ocean but we hope to help change mentalities on taboo issues.” It teaches us that being open about intimate issues is possible, after all.

Sexplora is broadcast on ICI Explora. Watch episodes on ICI Tou.tv (subscription), and follow the show on Facebook and Instagram.

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Frontier

By Lindsey Vodarek / April 05, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Le drame historique Frontier, produit par Take the Shot Productions, se déroule à l’apogée de la traite des fourrures en Amérique du Nord. Les chefs producteurs Alex Patrick, John Vatcher et les frères Peter et Rob Blackie ont d’abord présenté à Discovery un autre projet en gestation depuis longtemps. Le concept a plu au télédiffuseur, qui leur a néanmoins demandé s’ils pouvaient créer une série dramatique sur la traite des fourrures. Discovery croyait que l’équipe qui avait signé Republic of Doyle était en mesure de l’aider à saisir une belle occasion. Tous ont ensuite formé un partenariat avec Netflix pour mettre sur pied une production sur plateformes multiples. L’émission a d’abord été présentée sur Discovery, puis sur Netflix US et CraveTV au Canada.


Le commerce des fourrures (Crédit photo: Duncan de Young)

Peter Blackie a été surpris de découvrir durant ses recherches exhaustives sur la traite des fourrures au Canada qu’on lui en avait dit très peu sur le sujet à l’école secondaire. Il affirme, en cette époque où la décolonisation commence à atteindre une masse critique, que « la série tentera de dévoiler la complexité de la mosaïque culturelle de notre pays et de jeter un regard critique sur ce que nous sommes devenus ». 

L’équipe s’est progressivement aperçue que le traitement réservé aux peuples autochtones d’Amérique du Nord constituait « un acte volontaire que notre nation porte en elle sans le reconnaître, chose qui est inacceptable ». À mesure que la vérité émergeait et qu’il devenait clair que le récit ne devait pas être basé sur une perspective unique, les créateurs de l’émission bénéficiaient d’une véritable leçon d’humilité, ce qui les décida à « regarder le sujet bien en face ». Peter ajoute que son expérience des préjugés dont il a déjà fait l’objet en tant que Terre-Neuvien a fait naître chez lui une certaine empathie. « Nous avons d’abord tenté de comprendre la situation le mieux possible en faisant de la recherche et en consultant des gens. Puis nous nous sommes rendu compte que nous ne pouvions raconter cette histoire qu’en adoptant plusieurs points de vue ». Les personnages ont ensuite commencé à prendre forme et le récit a suivi.


John Vatcher dirige Allan Hawco (Crédit photo: Duncan de Young)

Le traitement des stéréotypes tenaces allait être crucial. Les créateurs ont beaucoup appris sur l’art de la distribution lorsqu’ils ont reçu une lettre touchante et critique d’une Autochtone. Celle-ci signalait les mythes qu’ils perpétueraient s’ils ne repensaient pas certains personnages, surtout ceux des femmes autochtones. Reconnaissant la grande valeur constructive de ses vues, l’équipe a invité Elle-Máijá Tailfeathers, née d’une mère Pied-Noir et d’un père Sami, à devenir sa consultante. Puis on demanda à d’autres Autochtones d’intervenir en tant qu’experts. Certains d’entre eux connaissaient particulièrement les Moskégons, les Cris qui vivent aux alentours de la baie James, lieu principal de tournage. Un « dialogue sain à propos de la vérité » a ainsi pu être établi.

Les frères Blackie ont trouvé leur clé essentielle en créant le personnage central Declan Harp (Jason Momoa), un Métis partageant les cultures de sa mère crie et de son père irlandais. Peter explique qu’un protagoniste métis apportait une vue plus objective et une structure narrative plus souple. Jason, tout comme Declan, est né de parents de cultures différentes. Il est mi-Hawaïen mi-Irlandais américain. Et il est le roi du lancer de la hache, comme Jimmy Kimmel et son auditoire ont pu le constater. Mais à tout autre égard, il est bien différent. John le décrit comme « un homme à l’intelligence émotionnelle qui est aussi enjoué que généreux ». Nous nous attendons à ce que ce véritable ambassadeur de la série aille très loin.


Declan Harp (Jason Mamoa) (Crédit photo: Duncan de Young)

Durant la deuxième saison, Sokanon, une Ojibwé membre du groupe de rebelles de Declan, deviendra un personnage à part entière de Frontier. La talentueuse Jessica Matten campera ce rôle, et d’autres stéréotypes ainsi qu’une bonne dose de moralité ambiguë entreront en scène.

Peter dit aussi qu’en créant une fiction historique, « on a le devoir de situer le récit dans un cadre historique d’une manière ou d’une autre ». Les créateurs y parviennent en conférant de l’authenticité à l’expérience que vivent l’auditoire et les acteurs. John raconte que pour l’épisode 103, Jason et lui ont décidé de filmer une scène à l’extérieur plutôt que sous une tente. C’était en février, et 70 cm de neige recouvraient le sol. « Nous voulions la rendre plus réaliste et planter un décor presque monochrome d’où ressortirait davantage la force du personnage. » Les conditions météorologiques étaient éprouvantes sur les lieux du tournage à St. John’s, dans la province de Terre-Neuve, et chacun devait être prêt à tout, « à changer une lentille en plein blizzard », par exemple. Heureusement, la plupart des membres de l’équipe sont nés dans cette région et sont habitués à ce temps. Certains disent même qu’ils le trouvent stimulant.


Peter Blackie sur le pleateau de tournage (Crédit photo: Duncan de Young)

La deuxième saison sera diffusée cet automne et la troisième est en préparation. L’équipe est très fière d’avoir obtenu sept nominations et remporté un prix dans la catégorie maquillage aux prix Écrans canadiens. Frontier a fait parler d’elle dans le Hollywood Reporter, le Rolling Stone, le New York Times et la plateforme Pop Sugar, et Netflix en fait la promotion dans les infovariétés. Discovery se taille assurément un beau succès. En attendant le prochain chapitre qui sera diffusé dans six mois, regardez à nouveau la première saison sur CraveTV et restez en contact avec l’émission et ses vedettes sur Instagram, Twitter et Facebook

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Frontier

By Lindsey Vodarek / April 05, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Frontier by Take the Shot Productions is a historical drama set at the height of the fur trade era in North America. A long time in the making, Executive Producers Alex Patrick, John Vatcher and the Blackie brothers, Peter and Rob, originally pitched a different idea to Discovery. While they liked the concept, the broadcaster asked if they would consider doing a drama based on the fur trade. Discovery saw an opportunity and thought the team that created Republic of Doyle could make it happen. From there, the team went with Discovery to Netflix, where they partnered on a cross-platform delivery. First airing on Discovery, the show then hit Netflix US and CraveTV in Canada. 


Fur trading (Photo credit: Duncan de Young)

Doing extensive research on the fur trade in Canada, Peter was shocked by the vast amount of knowledge he hadn’t covered in high school. With decolonization just starting to reach a critical mass, he reveals that “our show has ambitions to tell a part of how complex the cultures in this country are and look critically at ourselves today.” 

It became increasingly clear to the team that the treatment of the original peoples of North America is a “willful blind spot that we carry nationally and that’s not right.” It was a humbling moment, uncovering more of the truth and recognizing that as the creators of the show, they all came from one perspective. But instead of shying away from the subject they “looked at it really hard.” Peter relates that the prejudice he experienced as a Newfoundlander provided a window into empathy. “We began to try and understand as much as we could through research and reaching out. And we realized that the only way to tell it was from multiple perspectives.” Ideas for characters then began to emerge and the story followed.


John Vatcher directs Allan Hawco (Photo credit: Duncan de Young)

The key was through addressing stereotypes. In casting, they learned a powerful lesson when they received a heartfelt and critical letter from an Aboriginal woman, pointing out the myths they would be perpetuating if they did not reconsider certain characters, especially the roles of Indigenous women. Deeply appreciative of her feedback and guidance, the team asked Elle – Maija Tailfeathers, of Blackfoot and Sami heritage, to join the team as a consultant. Soon they brought on additional Aboriginal experts, including those more familiar with the Swampy Cree, the main people living around James Bay where the story is largely set. From here, the team felt like they could have “a healthy dialogue about the truth of things.” 

With the central character Declan Harp (Jason Momoa), a Métis, straddling the cultures of both his Cree mother and Irish father, Peter and Rob found a way in. Peter explains that a mixed-race character provided a more objective view and a liberating story structure. Like Declan, Jason comes from mixed-ancestry. He is Native Hawaiian and Irish American. And he is mean with an axe, as Jimmy Kimmel will attest! But otherwise, he couldn’t be more different. John describes him as “an emotionally intelligent, playful, giant-hearted man.” A true ambassador of the show, we can expect to see a lot more of Jason. 


Declan Harp (Jason Mamoa) (Photo credit: Duncan de Young)

In Season 2, we’ll see another character come to the forefront. Sokanon, an Ojibway woman and part of Declan’s group of rebels, comes into her own. Played by the talented Jessica Matten, the story will tackle more stereotypes and “a tremendous amount of grey morality.”

In telling historical fiction, Peter points out that “you have an obligation to somehow tether it to history.” Part of how they achieve this is through the authenticity of the experience, both for the viewers and the actors. In Episode 103, John describes how he and Jason decided to film a scene outdoors instead of in a tent. It was February and there was 70cm of snow. “We wanted to make it more real, grizzled, to show the fortitude of the character.” With all of the crazy weather on location in St. John’s, Newfoundland, the team has to be prepared for anything, “like being out there in the blizzard changing lenses.” Luckily, most of the crew is from the province and are conditioned for it. Apparently, some even find it motivating! 


Peter Blackie on set (Photo credit: Duncan de Young)

With Season 2 likely airing in late 2017 and Season 3 hopefully soon in development, the show will continue to explore this important time in Canadian history. Already garnering seven Canadian Screen Award nominations, winning Best Achievement in Make-Up, the team is exceedingly proud of what they’ve accomplished so far. With articles in the Hollywood Reporter, Rolling Stone, New York Times, and Pop Sugar and with Netflix’s promotion on the talk show circuit, Discovery has a hit on its hands. Still half a year to go before the next round, re-watch Season 1 on CraveTV and connect with the show and its stars on Instagram, Twitter and Facebook

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Mohawk Girls

By Lindsey Vodarek / March 22, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Working for many years as a documentary filmmaker, Tracey Deer came to a point in her career where she hit a creative wall – the passion for a new story wasn’t coming to her. That’s when the idea for Mohawk Girls hit – real life challenges faced by young women coming of age in their traditional Mohawk culture and the “outside world.” Tracey, Mohawk herself, took many of the experiences from her own life and those of her family as direct inspiration: “The idea came from my life. As a documentary filmmaker, I took notes from my own life with my sister.” Needing the help of a fiction storytelling master, she went to Rezolution Pictures who brought on Cynthia Knight.


Tracey directing Meegwun Fairbrother and Maika Harper (Photo credit: Mathieu Couture)

Cynthia had seen Tracey in Playback’s Ten to Watch list and knew they would work well together. The idea behind Mohawk Girls, something like Sex and the City on a native reserve, deals with themes close to her heart. Cultural decisions, family obligation and community responsibility are full of relatable opportunities and challenges. Growing up Jewish, Cynthia resonated with being a minority: “It shows how similar we all are. It’s fresh and unique with universal appeal.”

After a successful pilot on APTN, the team waited for a spot, eventually landing Tuesday night. While Tracey handles directing and the details, Cynthia heads writing, looking at the big picture and overall story arc. And they both bring their dating experience to the script.

The entire show is shot on location at the Kahnawake Reserve just south of Montreal. Tracey’s actual residence, all of the sets are genuine homes and businesses. The café, bar, homes and community places give authenticity. An occasional set is constructed using existing structures, such as turning an old church into a wine bar to depict a scene in Montreal.


Mohawk Girls and crew (Photo credit: Mathieu Couture)

With a crew of 40 people, it can be hard trying to fit everyone into small rooms. Not being able to remove a fourth wall makes for a challenge but after four years, “the team flows on its own now, a train on a track.” Working with the community so closely, it’s all about relationship. For Tracey, working in her own hometown means “taking great care of everyone that comes on board to help.” After four summers of descending on the community, they continue to be welcomed back, with permission from the Band Council. “We’re so touched by the amount of support my people have thrown to the project.”

In addition to the authenticity of location, the stars of the show bring the stories home. Brittany LeBorgne (Zoe) and Heather White (Caitlin) are both from Kahnawake and have known Tracey since their childhood. Maika Harper (Anna), Inuit, and Jennifer Pudavick (Bailey), Métis, were found through a national search. The cast is rounded out with award-winning Aboriginal actors from across Canada and many community members take part as extras. This is a powerful factor in the success of the show. “The community is so proud to see themselves on screen.”


Tracey Deer and Cynthia Knight (Photo credit: Mathieu Couture)

A particularly proud moment for Tracey was filming a powwow for the Season 4 Finale. There was one shot with Anna and Elijah that was especially moving: “Watching all of the dancers, running out of time at sunset, giving it their all, take after take. It was so beautiful.” With over 150 extras it was the biggest shoot they’d taken on. “We’re proud to be able to share this with all Canadians, Indigenous or not. I feel so blessed to do what I do. I dreamed of this when I was a 12-year-old girl and people told me it would be impossible to do. It’s this crazy dream come true.”

And Cynthia relates: “We put ourselves into the show and it continues to be a big part of it. We’ve both come a long way personally, in relationships and self esteem…

We wrote in a powwow in the first season and wanted to do it since then. To be able to do it in the end in a bigger and better way, it was so gratifying.” While both admit there are scenes that are hard to watch, they make it “for young women to not make the same mistakes that we did, that they feel empowered because of it. This is us talking to ourselves when we were 20, when we were making decisions from a place of lack of self-esteem and love for ourselves. We’re saying something. It’s fun, but you’re getting something out of it at a deeper level, about self-esteem and about communities.”


Anna and Elijah at the powwow (Photo credit: Mathieu Couture)

What they’re saying has not gone unnoticed. The show has been nominated for several Canadian Screen Awards, including Best Comedy Series, Best Writing, Best Directing, Best Actress (2016) and Best Comedy Series, Best Writing, Best Directing (2017). As well, the team built a diverse Canadian audience through social media. Of course these style mavens are on Instagram (and Facebook, Twitter and YouTube). Their audience goes well beyond Indigenous viewers and women 18-35. The show has so much to say that they’ve produced several additional web series and a website full of extras, including an App and behind the scenes content. Currently writing Season 5, the team can’t wait to shoot again this summer. Join the Mohawk Girls and “walk a mile in our moccasins” on APTN and online.

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Justice

La vérité contre les préjugés

By Myriam Kessiby / February 27, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Même si le système criminel et carcéral en est un qu’on essaie tous d’éviter, nous croisons régulièrement, sans le savoir, de jeunes contrevenants, des ex-détenus, et des victimes d’actes criminels. Au lieu de fuir cet univers parallèle, Karine Dubois et son équipe y ont plongé sans détour à travers la minisérie documentaire Justice. Porte ouverte sur un monde de regrets et d’espoirs.


Centre de réadaptation Cité-des-Prairies de Montréal (Crédit photo: Picbois Productions)


Les débuts

Pour la productrice Karine Dubois, la véracité et la qualité des informations ont toujours été prioritaires : « Le fil conducteur de mon parcours, c’est le contenu. » Après des études en journalisme, Karine Dubois a, en effet, beaucoup travaillé en recherche pour du documentaire, et à titre de consultante web sur divers projets où les contenus sont mis de l’avant. Avant de fonder son entreprise Picbois Productions, elle a produit le film Un trou dans le temps, en collaboration avec les Productions Virage. « J’ai appris le métier de productrice en faisant ce projet. Je me suis longtemps demandée si j’allais continuer à travailler pour les maisons de productions des autres. Je travaillais tellement fort que je trouvais ça difficile d’apposer le logo des autres sur mon travail! » Le reste fait partie de l’histoire.

Néanmoins, Un trou dans le temps, qui aborde la réalité de détenus qui purgent de longues sentences, aura été un précurseur à la série Justice : « Ce film nous a mis en contact avec plusieurs réalités connexes qu’on voulait aborder. C’est ce qui a donné l’idée à la réalisatrice Catherine Proulx de présenter les différents aspects ensemble, comme un tout. Le film a été réalisé en 2007, et à cette époque, c’était dans l’air du temps de présenter la justice en opposition, comme si donner des droits aux victimes exigeait absolument d’en enlever aux détenus. » Pourtant, ce que Karine Dubois et Catherine Proulx avaient entendu, sur le terrain, était contraire à cette vision : « On avait l’impression que les réalités se ressemblaient plutôt que s’opposaient. Un détenu qui est emprisonné à vie et une victime d’acte criminel pouvaient tous les deux nous parler de l’effritement de la relation avec les proches, du sentiment de solitude, de la souffrance. Alors, ça se rejoint beaucoup. Le triptyque, détenus, victimes et jeunes contrevenants, s’est donc imposé. On a vraiment évalué toutes les options possibles pour ce projet avant de trouver le bon format. Ça aura pris plusieurs années avant d’avoir une confirmation définitive, mais finalement, ce qui a fonctionné, c’est la formule de trois documentaires d’une heure, à Télé-Québec, avec un volet web complémentaire. »


La réalisatrice Catherine Proulx


Travailler sans modèle

En production télévisuelle, les équipes mettent habituellement en place un gabarit d’épisode, et reproduisent le modèle d’un épisode à l’autre afin de faciliter et d’accélérer le processus. Dans le cas de la minisérie Justice, chaque épisode avait son défi de réalisation particulier : « Dans le cas des jeunes contrevenants, on ne pouvait pas montrer les visages des adolescents, mais il fallait quand même arriver à transmettre des émotions. Pour les victimes, il fallait évoquer des événements qui avaient eu lieu dans le passé, mais on ne voulait pas faire de reconstitutions. Et pour les ex-détenus, le défi était de rendre compte de leur réinsertion graduelle, alors qu’on ne pouvait pas filmer en temps réel. » Un tel travail a constitué un réel défi de temps, avec jusqu’à 25 jours de montage par épisode d’une heure; beaucoup plus que les équipes fonctionnant sur des modèles établis : « C’est une minisérie, mais en réalité, c’est comme si nous avions produit trois documentaires sur des sujets différents! »


La productrice Karine Dubois (Crédit photo: Julie Artacho)


Une réalité percutante, avec doigté

« Sans ce projet, on ne serait jamais allé explorer ces univers-là » admet la productrice. « On a fait des rencontres fortes. C’est très confrontant. Par exemple, la première fois qu’on entre dans un centre jeunesse, c’est un choc. Devant un jeune contrevenant, tu es atterré, tu as peur, mais graduellement, tu comprends les dynamiques qui l’ont façonné. Surtout, tu comprends le travail exceptionnel qui est fait par les intervenants. Nous, on est en admiration devant les gens qui travaillent sur le terrain. On a voulu partager nos découvertes et faire vivre aux spectateurs ce qu’on a vécu. »

Encore là, la véracité du propos tient une place majeure dans la production : « C’est important que notre travail reflète vraiment ce que les gens vivent dans le milieu. Ceux qu’on a reçus en entrevue nous remercient d’avoir fait un film qui correspond bien à leur réalité et d’avoir su la mettre en images. C’est notre reconnaissance ultime. On veut montrer ce que le public ne voit pas d’habitude, en s’efforçant de ne pas prendre parti. » Pour s’assurer d’être le plus fidèle possible aux différentes réalités, Karine Dubois et son équipe ont fait leurs devoirs : « La phase de recherche, c’est énorme, mais c’est ce qui donne de bons résultats. On connaît notre sujet sur le bout des doigts avant d’aller filmer. On développe sur du long terme, on s’implique et on bâtit un lien de confiance entre nous et les intervenants. On ne veut pas piéger les gens ni être voyeur ou racoleur. » Et cette éthique de travail a été gage de succès. Alors que la productrice s’attendait à déclencher un débat suite à la diffusion, la série Justice a, au contraire, été reçue très favorablement : « En fait, je m’attendais à aller à la guerre et à devoir défendre notre point de vue, mais les commentaires ont été positifs. Les téléspectateurs étaient reconnaissants qu’on leur ait fait voir les choses autrement. »

À travers les liens tissés, les organismes avec qui Picbois Productions avaient travaillé sont devenus des ambassadeurs : « On voulait que les gens du milieu puissent s’approprier le projet pour en parler. » Et ç’a fonctionné, puisqu’un an après la diffusion originale à la télévision, le projet Justice continue de faire son chemin : « Ce genre de projet là a une vie à long terme. C’est intemporel. Par exemple, pour l’épisode sur les ex-détenus, on a fait une tournée de diffusion dans dix villes avec un des organismes avec qui on travaille maintenant. Petit à petit, on continue d’aller chercher le grand public. »


Justice - Picbois Productions


Changer les perceptions

Sujet abordé plus souvent en série de fiction que de documentaires, on peut se demander pourquoi Karine Dubois et son équipe ont décidé d’aborder le thème des criminels et des victimes : « C’était important d’en parler, parce qu’on s’est rendu compte que la justice, c’est un sujet sur lequel tout le monde a des opinions, mais c’est rarement basé sur des faits. » En effet, le sujet est souvent très émotif, empreint d’idées reçues et de préjugés. Le décalage peut parfois être grand entre ce que les intervenants du milieu vivent et ce que les médias véhiculent : « Les émissions de télévision sur la justice ont tendance présenter le 1 % des cas sensationnalistes. Nous, on voulait parler des 99 % qui correspondent à la grande majorité des cas. L’objectif, c’est que les gens nuancent leurs opinions sur la justice. On veut que les spectateurs réussissent à absorber des faits, à sortir de leurs idées préconçues et à comprendre pourquoi certaines choses fonctionnent comme telles. C’est ce qui nous motive. »

Bref, Karine Dubois a le vif désir de montrer les choses telles qu’elles le sont, et ce, dans toutes ses productions : « Un de nos futurs projets parle d’immigration. Ça présente des jeunes d’une classe d’intégration à Montréal. Ils sont vraiment allumés, touchants et ils parlent un français impeccable. Ça brise les préjugés. » Ainsi, à l’image du pic-bois qui creuse les arbres morts pour y trouver de la vie, Karine Dubois tente par tous les moyens de trouver la vérité dans le chaos des idées préconçues. Et maintenant plus que jamais, on en a vraiment besoin.

La minisérie Justice est disponible sur le site de Télé-Québec. Pour en savoir plus sur les thématiques abordées, vous pouvez suivre la série sur Facebook, sur Twitter et sur le site officiel.

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Justice

Truth over prejudice

By Myriam Kessiby / February 27, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Even though the criminal and prison system is one that we all try to avoid, we may regularly meet, without knowing it, former inmates, young offenders and victims of crime. Instead of running away from this parallel universe, Karine Dubois and her team have jumped straight into it with their documentary miniseries Justice. A gateway into a world of regret and hope.


Centre de réadaptation Cité-des-Prairies de Montréal (Photo credit: Picbois Productions)


The beginnings

For the producer Karine Dubois, truth and quality of information have always been a top priority. After studying journalism, Karine worked extensively in documentary research and also as a web content consultant. Before founding her business Picbois Productions, she produced the movie Un trou dans le temps (A Hole in Time), in collaboration with Productions Virage. “I learned the skills of the trade while producing this film.”

Un trou dans le temps, which addresses the reality of prisoners serving long sentences, was a precursor to the Justice series: “Through this documentary, we came into contact with numerous interrelated realities we wanted to address. This is what brought the idea to the director Catherine Proulx to present the various aspects together, as a whole. The film was made in 2007, and at that time, the trend in the media was to explain justice as an opposition, as if giving rights to the victims absolutely required removing them from the inmates.”

Yet, what Karine and Catherine’s fieldwork showed was contrary to that vision: “We felt that their realities were more similar rather than opposed to each other. An inmate serving a life sentence and a victim of a crime could both tell us about the breakdown of relationships with their loved ones, about feelings of loneliness and about suffering. So, it all comes together very well. The trio of stories, including ex-inmates, victims and young offenders, became obvious. We evaluated all the possible options for this project until we found the right format. It took several years before we got a definitive confirmation but in the end, what stuck was the three one-hour documentary format at Télé-Québec, with a complementary web experience.”


La réalisatrice Catherine Proulx


Working without a template

In television production, teams typically set up a template episode and replicate the model to ease and speed up the process. When it comes to the Justice miniseries, each episode had its own particular challenge and approach: “In the case of young offenders, we had to find a way to convey emotions even if we could not show the faces of the teenagers. For the victims, we had to evoke events that happened in the past, but we did not want to make re-enactments. And for ex-inmates, the challenge was to report on their gradual rehabilitation, while the distance to them prevented us from shooting in real time.” This was a real challenge, with up to 25 days of editing per one-hour episode: “It's a mini-series, but in reality, it's as if we produced three documentaries on different topics!”


La productrice Karine Dubois (Photo credit: Julie Artacho)


A powerful reality, with tact

“Without this project, we would never have explored these worlds” admits the producer. “We faced strong realities. It was very confrontational. For example, the first time you enter a youth centre, it’s a shock. In front of a young offender, you are appalled, you are afraid, but gradually, you understand the dynamics that shaped them. Above all, you understand the exceptional work done by the youth workers. We are in awe of the people who do the fieldwork. We wanted to share our discoveries and make the spectators feel what we experienced.”

Again, the truthfulness of the representations is a crucial part of the production: “It’s important to us that our work truly reflect what people live in their communities. Those we interviewed thank us for making a documentary that fairly reflect their unique situation and they are happy that we could make it a reality. That is our ultimate recognition.” To ensure that they are as faithful as possible to the participants’ realities, Karine Dubois and her team have done their homework: “The research stage is huge, but this is what gives good results. We do long term development, we get involved and we build a strong bond of trust between us and the social workers. We do not want to trap people, use cunning or be voyeurs.” This work ethic has been a guarantee of success. While the producer expected to trigger a debate following the broadcast, on the contrary, the series Justice was received very favorably: “In fact, I expected to go to war and to have to defend our point of view but the comments were very positive. The viewers were thankful that we made them see things differently.”

Through the solid bonds created, the people and organizations with whom Picbois Productions have worked became ambassadors: “We wanted people in the community to take ownership of the project so they could talk about it.” And it worked, as one year after the original broadcast on television, the Justice project continues to find its way: “This kind of project has a life in the long run. For example, for the ex-inmate episode, we did a tour in ten cities with one of the organizations we are working with now. Gradually, we continue to seek the general public.”


Justice - Picbois Productions


Changing perceptions

With a topic more often dealt with in fiction series than in documentaries, it’s easy to wonder why Karine Dubois and her team decided to address the theme of criminals and victims: “It was important to talk about it because we realized that justice is a topic on which everyone has strong opinions but they are rarely based on facts.” Indeed, the subject is often very emotional, full of preconceived notions and prejudices. There is sometimes a gap between what those involved live and what the media convey: “Television programs on justice tend to present the 1% of sensationalist cases. We wanted to talk about the other 99% that correspond to the vast majority of cases. The goal is for people to see the nuances about justice and to clarify their opinions. We want the viewers to get facts, to get out of their preconceived notions and to understand why certain things work the way they do. That is what motivates us.”

In short, Karine Dubois has a keen desire to show things as they are in all her productions: “One of our future projects is about immigration. It shows young people from an integration class in Montreal. They are really bright, touching and they speak an impeccable French. It breaks preconceived notions.” Like the woodpecker that digs dead trees to find life, Karine Dubois tries to find truth in the chaos of prejudice. A concept as relevant now as ever.

The Justice mini-series is available on Télé-Québec online. To learn more about the topics covered, you can follow the series on Facebook, Twitter and the official website.

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Letterkenny

By Lindsey Vodarek / February 13, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

As in any small town, there are those that play by the rules and those that come looking for trouble – and the town of Letterkenny is no exception. The CraveTV Original Series starring Jared Keeso is set to start the filming of its third season already, with Seasons 1 and 2 premiering in 2016. Each a set of six released at the same time, this comedic shenanigans is nothing but binge-worthy.


A Soft Birthday

The show originally began as a YouTube series, created by Jared. When Executive Producers Mark Montefiore and Patrick O’Sullivan of New Metric Media saw it, they knew they wanted to work with Jared to take it to the next level. In partnership with DHX Media and the Canada Media Fund, the show was launched on Bell Media’s streaming service.

After only a year, the show is nominated for eight Canadian Screen Awards, including Best Comedy Series, Best Writing and Best Directing in a Comedy Series. It’s clear that the show is appreciated not only by their entertainment Industry comedy peers but by the growing number of fans around the country. CraveTV finds it to be popular in all provinces and across demographics. Aimed at young men 18-34, everyone is watching. What accounts for this? Mark explains “it shows life in small town Canada, how many of us grow up.” And it’s funny in a “Texas-sized” kind of way. With the running jokes, the catchy repetitious punchlines, and the outrageous yet familiar characters, there’s something for everyone. Added bonus for those that catch the Canadian cultural references, like David Suzuki, Fred Penner, and MacDonald High. Stick around to the end of the credits and you’ll get even more.


Hey there, Daryl (Nathan Dales)

Shot in Sudbury, Ontario, Mark feels it’s a great place to live, work and shoot Letterkenny. Full of creativity, the Industry is growing in the North. Growing up in St. Catharines, Ontario, it reminds him of home – so much so that he now lives there. The name for the show was chosen by Jared, who grew up in Listowel and has family roots in Ireland. Coincidentally, there was once a Letterkenny, Ontario, now a ghost town. The perfect name to bring back to life.

With the next Season about to go into production in March, the team can’t wait to get back on set. “The amount of laughing that’s done on set is tremendous. Everybody’s having a good time,” says Mark. It will take about four weeks to shoot six episodes, with a shooting schedule that resembles a film. Director Jacob Tierney keeps the pace, dialogue and humour going. Now the challenge is working to a year-round schedule, hoping to shoot again in July and October.

Mark feels particularly proud that they’re making “something that speaks to an audience, has a following, a motivated community.” And what’s more, New Metric gives back to the community that Letterkenny calls home. For fans of the show, Official Letterkenny Shamrocks jerseys and other swag will help you feel like part of the team.


Good ol' boy Wayne (Jared Keeso)

What’s next for the dynamic team at New Metric? With Letterkenny on a roll, they’re also in post-production on mini-series Bad Blood and are excited for the premiere of What Would Sal Do? March 24th on CraveTV. If you’re looking for a party or a good old fashioned donnybrook, join the ‘hicks, skids, hockey players and Christians’ plus celebrity fans like Kevin Smith and Jay Baruchel on Twitter and Facebook. Pitter patter, let’s get at ‘er!

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Vikings

By Lindsey Vodarek / February 07, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

From Saga to Screen

From the Sagas of Norway to an on-screen epic, History Channel’s first drama series, Vikings, has now completed its fourth season, with a fifth about to begin. From President & CEO John Weber and the producers that brought you The Borgias, The Tudors, Beauty and the Beast, and Reign, Take 5 Productions, began the journey to produce this ensuing hit. With their Irish co-production partners at TM Productions the goal was to explore a part of history through new eyes.

Preeminent European storyteller Michael Hirst had written many works around King Alfred the Great, the Viking Age in England and the impact of these foreigners on Alfred’s rule. Eventually he flipped it around to be from the perspective of the Viking invaders and an idea for a show was born.


All hail, Earl Ingstad! (Katheryn Winnick)


A Growing Reputation

Averaging close to a million viewers per episode in Canada alone, the show’s popularity has continued to grow each season. This past year the cast and creators appeared at some major public and industry events. With the show airing in 150 countries around the world, they had huge audiences at Comic Con and the World Congress of Science and Factual Producers.

In order to put together a show of this caliber, the team received funding from the Canada Media Fund and the Irish Film Board. While History Channel broadcasts the show in North America, MGM does international distribution and marketing. As a staple show running almost year round, it employs over 125 Canadians alone; talent, at least 75 VFX people and plenty of Canadian directors. “We’re incredibly proud of the amount of Canadian creativity and employment that goes in the show” says Sheila Hockin, Executive Producer.

After it’s shot in Ireland, the post-production responsibility comes to Take 5 in Toronto. Thousands of hours go into each episode. From planning to finishing post, an episode can take up to six months to create! And each gets 10 weeks of scheduled VFX time. “It’s takes a huge amount of time and delicate effort to go back and find nuances - it’s extremely creative work.” No wonder the show has won 17 awards already and been nominated for 63, including 16 Canadian Screen Awards, 11 Directors Guild of Canada Awards, 8 Emmys and Critics Choice “Most Binge-worthy Show.” In Season 4, the show doubled its efforts, expanding from 10 to 20 episodes per season, and will create 20 more in Season 5.


A family that raids together, stays together!


Mud Wrestling and Other Methods

The cast is truly international, with lead actors Travis Fimmel (Ragnar Lothbrok) (Australian), Clive Standen (Rollo) (British), Katheryn Winnick (Lagertha), Alexander Ludwig (Bjorn Lothbrok), Jessalyn Gilsig (Siggy Haroldson) (Canadian), and Gustaf Skarsgård (Floki) (Swedish). Making the top 10 on US Cable, there are surprisingly no Americans in the show. The biggest difficulty in casting this epic was in finding the perfect leads. Travis was cast at the very last minute – he had the understated yet riveting quality the producers were looking for. With Katheryn, it was also a late in preparation decision, but when they discovered that this beautiful and strong woman also holds a black belt in Tae Kwon Do and Karate, the deal was sealed. As for Alexander Ludwig, the team had been looking at him since his role in The Hunger Games. Perhaps the most surprising audition came from Gustaf Skarsgård. When he came in he was fully in character. He seemed to be tilted and leaned to the right. When the producers asked what that was about, Gustaf explained that Floki is a shipbuilder and his dominant arm would cause him to lean from holding such heavy tools all the time!

Filming in Ireland can be tricky business as its weather changes with frequency. You can get can get rained out, end up in a sea of mud, and get equipment trucks stuck in a matter of minutes. But this is perfect for Vikings, with shooting taking place June to March to maximize sunlight. By October there are only eight hours of daylight to work with and they must always consider continuity. While the crew must be as brave as the cast, all this bad weather has a bonus for the actors – if they ever need inspiration to be cold and angry, they just have to look around. Yet all the hard work creates familial bonds. According to producers, Travis and Alex are practically brothers, and as brothers do, they have a rough and tumble relationship, with an on-going prank match for over three seasons.


The #Vikings hair and makeup department covers the walls with hairspiration!


Kattegat Hairstyles and Irish Hurling Sticks

Love for the show and the people and places it explores has expanded into a universe of fandom. Subtle influences having been making their way into the mainstream, from hairstyles to tattoos. A plethora of Instagram fan accounts share photos of the show and related culture. Feeding audiences’ desire for more, the team produced the Real Vikings documentary, now a series of its own, a Vikings comic book, a board game and even a new card game. Its newest expansion is a behind the scenes interactive journey Vikings: A World Revealed, where the stars guide us in the making of the show.

Amongst their 4.2 million Facebook fans are some pretty big names, including Toronto Blue Jay Josh Donaldson. He loves the show and was featured as a guest star in Season 4. To commemorate the event, Josh was presented with an Irish hurling stick by the crew. And he had such a great time that he decided to keep the haircut going!


Where to Conquer Next

As their kingdoms and fandoms extend, where will the Vikings end up? Heading into Season 5, it’s as uncertain as always… But if history remains on course, they may just end up in Newfoundland one day.

Catch Vikings on History, iTunes and DVD. Follow the show on Instagram, Twitter, Facebook and read the latest Vikings news. Still not enough? Join the Vikings Revealed Insider Club for exclusive content and sneak peeks!

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Bonus Feature: Katheryn Winnick at the 2014 Canadian Screen Awards, nominated for her acting in Vikings Season 1.

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Les Pays d’en haut

L’authenticité avant tout

By Myriam Kessiby / January 25, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

Pour qui vit au Québec, il est presque impossible de ne jamais avoir entendu parler d’Un homme et son péché (Les Belles Histoires des pays d’en haut). Ce roman de Claude-Henri Grignon a été décliné de mille et une façons : d’abord diffusé en radioroman pendant plus de 20 ans, puis adapté en téléroman dans les années 50 et 60, mais aussi présenté plusieurs fois au cinéma, au théâtre, et même en bande dessinée. Un demi-siècle plus tard, les rediffusions de cette série culte continuent d’attirer des cotes d’écoute impressionnantes. Le triangle amoureux entre l’avare Séraphin Poudrier, la belle Donalda Laloge et le séduisant Alexis Labranche a été revu maintes et maintes fois. Pourtant, il y avait encore place à un regard nouveau sur cette histoire ancestrale.


Le marchand Lacour (Pierre Mailloux) et Ovide Ruisselet (Michel Charrette). Photo par Bertrand Calmeau.


Corriger l’histoire

Pour Dominique Simard, directrice générale et financière chez Encore, tout a commencé il y a 5 ans, lorsqu’elle a joint cette équipe de production : « Lorsque je suis arrivée, le président et chef de la direction François Rozon m’a mentionné que son plaisir coupable, c’était Les Belles histoires des pays d’en haut. Il était passionné de la terre et de l’histoire du Québec, et il avait un rêve; celui de refaire cette série de la façon la plus réelle possible, en montrant comment les gens vivaient vraiment en 1880, dans les Laurentides. »

L’auteur de la série actuelle, Gilles Desjardins, a dû faire un travail de recherche colossal pour la dépoussiérer et la nettoyer de ses influences externes. En effet, comme la politique et le clergé avaient beaucoup d’importance dans les années 50, et que Claude-Henri Grignon était un homme bien de son temps, le téléroman devait d’abord et avant tout véhiculer certaines valeurs, sans nécessairement être collé sur la réalité du 19e siècle. Selon Gilles Desjardins, le téléroman original présentait donc des modèles de la société selon un idéal qui correspondait aux influences religieuses et politiques des années 50, et non à la vie de nos ancêtres.

C’est pour cette raison que, dans la version originale, Donalda était toujours douce, bien mise, avec un chignon bien fait : « Elle avait été modelée par le clergé et la politique pour être à l’image des femmes qu’on voulait avoir au Québec : dévouée, aimable, qui ne parle pas. Mais la réalité, c’est qu’en 1880, les femmes d’ici devaient être fortes, sinon elles ne survivaient pas. Elles géraient l’argent, s’occupaient des enfants, des champs, du bétail, de la maison, de tout! Ces femmes étaient courageuses et solides! » souligne la directrice générale. D’une certaine façon, Gilles Desjardins a non seulement redonné les couleurs originales à l’histoire de Claude-Henri Grignon, mais il a aussi réhabilité une partie de l’histoire des femmes au Québec.


Un objectif commun

Il a fallu rallier toute une équipe autour de ce projet pour que la série puisse voir le jour :
« Au départ, on a contacté Pierre Grignon, neveu de Claude-Henri Grignon, puisqu’il détient les droits de cette histoire. Il ne s’est pas opposé à notre idée de refaire une version plus réaliste des Pays d’en haut. Au contraire, il était simplement heureux qu’on veuille, nous aussi, faire perdurer cette histoire dans le temps. »


Le curé Antoine Labelle (Antoine Bertrand) et quelques personnages de la série. Photo par Bertrand Calmeau.

Les producteurs, François Rozon d'Encore Télévision et Sophie Deschênes de Sovimage, ont présenté leur idée de la même façon à Radio-Canada : « Ça n’a pas été long avant qu’ils acceptent notre concept de version hyperréaliste, au goût du jour. C’était un pari risqué, mais ils savaient qu’il y avait une équipe solide en arrière. Avec l’excellent auteur Gilles Desjardins, et le talentueux réalisateur Sylvain Archambault, ça donne un bon résultat. Chacun a ses forces précises à sa place, alors tous les morceaux du casse-tête se sont attachés merveilleusement bien, très rapidement. » Et le pari a été gagnant avec 1,6 million de téléspectateurs et de nombreuses récompenses.


Dans les moindres détails

Les défis à surmonter étaient grands, comme l’explique Dominique Simard : « À vrai dire, on était morts de peur de faire ce projet-là! Mais on ne pouvait rien faire d’autre que d’y mettre toute notre passion, toute notre énergie et tout notre cœur. Il fallait que ça marche. » Un peu à l’image de nos ancêtres, l’équipe de production a été confrontée aux caprices de la nature, même en plein été : « Pour la première saison, l’équipe a tourné de mai à juillet 2015 et il a plu presque chaque jour de tournage. Les membres de l’équipe enfonçaient littéralement dans la boue! Et comme la série était filmée en partie dans la forêt, ils étaient couverts de mouches noires! C’était complexe du point de vue technique, mais finalement, ç’a aidé au niveau du réalisme : les vêtements des personnages étaient sales pour vrai! » 


Le réalisateur Sylvain Archambault. Photo par Bertrand Calmeau.

À travers les aléas de la température, l’équipe de direction artistique a aussi su donner vie à l’ambiance de 1880 : « Il a aussi fallu recréer un site complet où on ne voyait pas de fil électrique, avec des maisons d’époque. Chaque accessoire, costume, couleur, datait précisément de cette période-là. Par exemple, chaque article du magasin général est authentique. Ça pourrait carrément être un musée! Rien n’a été laissé au hasard parce qu’on avait le souci de recréer quelque chose de vrai, au complet. Les artisans ont fait un travail extraordinaire! » 

Et le résultat fait l’envie des producteurs internationaux : « Lorsque je présente des extraits de la série aux gens de l’international, ils voient le travail fantastique qu’on arrive à faire au Québec avec de très petits budgets. Ils sont impressionnés par la qualité du produit, la facture visuelle, la beauté de l’image. » D’ailleurs, la diffusion des Pays d’en haut est déjà prévue sur TV5 Monde, en plus d’une distribution possible à travers la planète via France Télévision Distribution.


Dominique Simard, directrice générale et financière chez Encore. Photo par Bertrand Calmeau.


Une histoire, la nôtre

Pour Dominique Simard et son équipe, le désir d’exposer notre passé tel qu’il l’était, quitte à devoir altérer un monument de la télévision, a été plus fort que tout : « Se faire raconter notre histoire, la nôtre, dans une région difficile, avec notre climat, c’est passionnant. Des histoires de persévérance, d’espoir et d’amour par-delà les défis et le froid, c’est toujours fascinant, parce qu’en fin de compte, c’est l’histoire de nos grands-parents qui se sont battus pour survivre. C’est en nous. Ça vient donc nous chercher de toutes les façons. Je suis fière qu’on ait pu montrer aux jeunes d’aujourd’hui ce qu’était la vie au Québec, à l’époque, de façon totalement réelle, non romancée, et authentique. Et la belle surprise, c’est que des enseignants d’histoire parlent de la série à leurs étudiants. C’est signe qu’ils jugent que c’est fidèle à la réalité et que c’est un apport positif à la culture québécoise. »

Lorsqu’on regarde le parcours impressionnant de Dominique Simard, qui a passé du journalisme, à l’humour puis aux séries dramatiques, on peut se demander quel est ce fil conducteur qui l’a éventuellement mené vers Les Pays d’en haut. Sa voix pétillante et son énergie sont à l’image de sa réponse : « Ce qui m’allume, c’est travailler avec des gens passionnés… tout le temps. »

La saison 2 de la série Les Pays d’en haut est diffusée sur les ondes d’ici Radio-Canada télé. D’ici là, vous pouvez la suivre sur Facebook, sur Twitter et sur leur site officiel. La saison 1 est aussi offerte sur DVD, sur Tou.tv et sur iTunes.

Les Pays d’en haut (True North) | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Les Pays d’en haut (True North)

Authenticity above all

By Myriam Kessiby / January 25, 2017 / Posted in: Canadian Success Stories

For those who live in Quebec, it is almost impossible to have never heard of Un homme et son péché (Les Belles Histoires des pays d’en haut). This novel of Claude-Henri Grignon has been depicted in a thousand ways: first broadcast as a radio novella for more than 20 years, then adapted as a soap opera in the 50s and 60s, and also presented several times on the big screen, on stage, and even in comic books. Half a century later, the reruns of this cult series continue to attract impressive ratings. The love triangle between the greedy Seraphin Poudrier, the beautiful Donalda Laloge and the enticing Alexis Labranche has been watched again and again. And still there is room for a new take on this ancestral story.


Shopkeeper Lacour (Pierre Mailloux) and Ovide Ruisselet (Michel Charrette). Photo by Bertrand Calmeau.


To revise history

For Dominique Simard, Managing Director and Chief Financial Officer at Encore, it all started five years ago when she joined this production team: "When I started here, president and CEO François Rozon told me that Les Belles histoires des pays d'en haut was his guilty pleasure. He was passionate about the land and the history of the province of Quebec, and he had a dream; to redo this series in the most realistic way possible, showing how people truly used to live in 1880, in the Laurentians."

The author of the current series, Gilles Desjardins, had to do immense research to clean it of its previous influences. Because politics and priesthood were very important in the 1950s, and Claude-Henri Grignon was a man of his day, the soap opera had to first and foremost convey certain values, without necessarily being accurate of the 19th century’s reality. According to Gilles Desjardins, the original drama presented models of society following an ideal that corresponded to the religious ideas and political influences of the 1950s and not to the real lives of our ancestors.

For that reason, in the original version, Donalda was always kind, well put together, with a perfect hairdo: "She had been wrought by priests and politicians to depict the type of women we wanted to have in Quebec: devoted, lovable, who does not speak. But the truth is that in 1880, women had to be strong to live here, otherwise they did not survive. They managed the money, took care of the children, of the fields, of the livestock, of the house, everything! They were courageous and strong women!" says Dominique. In a way, Gilles Desjardins not only brought back the original idea behind the story of Claude-Henri Grignon but also rehabilitated a part of the history of women in Quebec.


A common goal

A whole team had to gather around this project so that the series could come to life:
"At first, we contacted Pierre Grignon, nephew of Claude-Henri Grignon, because he holds the rights of the story. He did not oppose our idea of ​​making a more realistic version of Les Pays d’en haut. On the contrary, he was merely happy that we, too, wanted to revive this story."


Father Antoine Labelle (Antoine Bertrand) and a number of the series’ characters. Photo by Bertrand Calmeau.

The producers, François Rozon of Encore Television and Sophie Deschênes of Sovimage, presented the idea to CBC in the same way: "It did not take very long before they accepted our concept of ​​an up-to-date, hyperrealist version. It was a risky bet, but they knew there was a solid team to back it up, including the amazing author Gilles Desjardins and the talented director Sylvain Archambault. Everyone has their place and their specific strengths, so all the pieces of the puzzle got together wonderfully well, very quickly. And we won the bet, with 1.6 million viewers and many awards.”


To the last detail

And yet there were great challenges to overcome. As Dominique explains: "To tell the truth, we were scared to death of doing this project! However, we could not do anything, but to put all our passion, our energy and our heart into it. It had to work." Just like our ancestors, the production team was confronted with the whims of nature, even in the middle of summer: "For the first season, the film crew shot from May to July 2015 and it rained almost every day of the shooting. The members of the team literally sank into the mud! As the series was filmed partly in the forest, they were covered with black flies! It was complicated from a technical point of view, but ultimately, it helped to create realism: the clothes of the characters were dirty, for real!"


Director Sylvain Archambault. Photo by Bertrand Calmeau.

Beyond the weather, creating the atmosphere of the 1880s was the remarkable work of artistic direction: "It was also necessary to recreate a complete location where we did not see any electric wire, with houses of this specific time. Every accessory, suit, color, was precisely from that time. For example, each item in the general store is authentic. It could be a museum! Nothing was left to chance because we had the concern to recreate something real, in full. The craftsmen did an extraordinary job!"

And the results are the envy of international producers: "When I show parts of the series to foreigners, they see the fantastic work that can be done in Quebec with very small budgets. The quality of the product, the visual aspects, the beauty of the images; it all impresses them." Indeed a large distribution of Les Pays d'en haut is already intended on TV5 Monde, in addition to a possible international deal via France Télévision Distribution.


Dominique Simard, Managing Director and CFO at Encore. Photo by Bertrand Calmeau.


A story, ours

For Dominique Simard and her team, the desire to expose our past as it was, even if they had to alter what many consider a monument of Quebec television, was stronger than anything: "To be told a story, our story, in a difficult region, within our climate - it’s exciting. Stories of perseverance, hope and love beyond the challenges and the cold are always fascinating because, in the end, it’s the story of our grandparents who fought to survive. It's in us. So it touches us in every way. I am proud that we were able to show to a new generation what life was like in Quebec at the time, without romanticising, in a totally real and genuine way. And the nice surprise is that History teachers talk about the series to their students. It’s a sign that they believe that it is faithful to the reality and that it can be a positive contribution to our culture."

The 2nd season of Les Pays d’en haut has begun on ici Radio-Canada télé. You can follow it on Facebook, Twitter and on their official website. Season 1 is also available on DVD, on Tou.tv and iTunes.

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Survival of the Fabulous

By Lindsey Vodarek / December 09, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

When the fabulous Bryce Sage began his Masters of Documentary Media at Ryerson University, he already had an idea for a production. With the support of faculty and peers, he began the project that would eventually become his first television documentary. Coming from the perspective of Bryce’s own personal journey, Survival of the Fabulous explores the evolutionary conundrum of the existence of gay men and genetic factors that play a part in determining our sexuality.

Bryce finished school with a project that felt half done. He shot many interesting discussions in Canada, but couldn’t afford to do filming in other locations crucial to his exploration, such as Italy and Samoa. And that’s when he met Producer Connie Edwards of Souleado Entertainment. Connie and Bryce were both attending a conference and waiting forever in line to pitch. Connie spotted Bryce – “his eyes matched the colour of his shirt” – and they started chatting. Bryce began pitching Survival of the Fabulous to her and after watching his sizzle reel, she was in.


Bryce Sage (very cold) on a Vespa in Italy, with DP Allan Leader & Italy Fixer Stefano Dalla Lana

The film, while smart and grounded in scientific research, has a great sense of humour. Connie and Bryce felt it was important to cover serious subject matter with a lighter tone, both to keep it accessible and to reflect Bryce’s own sense of humour. “It’s really important to take a measure of humour when dealing with this – a spoonful of sugar!”

With the partnership of the CBC’s The Nature of Things and support for production from the Canada Media Fund (CMF), Survival of the Fabulous aired on CBC in November 2013 and went on to sell in 8 other countries, including Sweden, Finland, Brazil, Hong Kong, the UK and Australia. Not only that, but it has received over ten awards and nominations. Best Documentary Science and Technology, Best Director and Best Research nominations at the 2014 Yorkton Film Festival Golden Sheaf Awards were only the beginning. Featured on a panel at INPUT 2014 the International Public Television Conference (Helsinki, 2014), Bryce and Connie discussed how they used humour to tell a serious story. Audiences both public and professional love the film and their approach.


Bryce and Twins

Other awards include winning Best Documentary, Cinematographer and Editor (Non-fiction over 30 mins) at the Alberta Film & Television Awards 2014 and the Platinum Remi Awards for Television & Cable Productions and Cinematography at Houston Worldfest 2014. The film also received a Certificate for Creative Excellence, Documentary Programs: Science, Research, Technology at the US International Film & Video Festival and was a Finalist Best Documentary Science and Technology at the Banff Rockie Awards 2014.



 

The filmmaking journey took the team all over the world, talking with the few scientific experts conducting research in this area and exploring different cultures with varying points of view on gender and sexuality. And it wasn’t always easy – a classic risk taker, Bryce road a horse for the first time. And simply getting a crew to Samoa, and then getting the people there to understand and trust them, was a major challenge. Luckily, Connie is an experienced globetrotter and knew a bit about the area. Bryce as a first time filmmaker, recounts how she really guided and supported him, that he’d have been unable to make the film without her.

The team also benefited from the expertise of Field Director Liam O’Rinn. Both he and Bryce have passionate short fuses. So whether Bryce was freezing on the back of a Vespa in Italy or on a ranch in Montana, they tried to always maintain their sense of humour. On and off screen, this helped diffuse stressful situations and inspire confidence in the team.

All kidding aside, the importance of their work is never out of sight. Bryce is proud that he has helped people come out to their families. For him, that was the goal of the film. He has also given lectures at schools – Humber and Centennial College – to further the discussion.


Bryce and Dr. Anne Perkins

With Bryce originally from the Port Hope, ON area and Connie hailing from Edmonton, AB, they knew this was an important conversation Canadians were having and continue to have across the country. Connie is currently the Chair of the Documentary Organization of Canada and remains passionate about helping “those who are marginalized to have a meaningful voice.” Now working on a new independent non-fiction series on mental health issues called 1001 Ways to Wonder, Bryce continues to tackle tough issues from a compassionate, humourous and personal perspective.

Connect with Bryce and Connie on Twitter and Facebook, and watch Survival of the Fabulous on CBC.ca.

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Les Appendices

Pour l’amour de l’humour

By Myriam Kessiby / December 01, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Quand vient le temps de choisir un plan de carrière, la plupart des gens sages laisseront tomber leurs rêves de jeunesse pour se tourner vers des options plus stables et moins risquées. D’autres, par folie ou par vision, refuseront de se résigner et mettront tout en œuvre pour concrétiser leurs aspirations, comme s’il s’agissait d’un destin inévitable.

Ce destin, c’est celui des Appendices, un groupe passionné d’humour absurde composé de Dave Bélisle, Julien Corriveau, Jean-François Chagnon, Dominic Montplaisir, Jean-François Provençal et Sonia Cordeau, accompagnés de la comédienne Anne-Élisabeth Bossé. Chaque semaine, le groupe emmène ses téléspectateurs dans un monde de sketchs disjonctés, de chansons délirantes et de parodies insensées. Les Appendices ont réussi, avec un peu de chance et beaucoup de talent, à créer un univers télévisuel unique et durable, qui gagne toujours plus d’adeptes au fil des années.


Les Appendices


Derrière chaque grand succès…

Si les grands rêves se réalisent toujours plus rapidement avec l’aide d’une bonne fée marraine, celle des Appendices aura été la productrice Marie Brissette.

Le parcours ayant mené Marie Brissette au monde de la télévision est peu commun. D’abord étudiante en biochimie, elle retourne aux études en communications, avant d’aller travailler pour le groupe Coscient, spécialisé en communication scientifique. Mais la passion de Marie pour la comédie étant plus forte que tout, elle délaisse le monde de la science pour se tourner définitivement vers l’humour. Avant de devenir productrice, Marie aura été réalisatrice pigiste pendant 25 ans.

D’ailleurs, c’est alors qu’elle était réalisatrice sur la série humoristique Le Sketch show qu’elle a fait la rencontre des Appendices, ce groupe de jeunes qui écrivaient pour l’émission : « Je trouvais que leurs textes étaient souvent les meilleurs! » En les côtoyant, Marie a voulu les aider à aller plus loin : « Comme moi, le réalisateur Gilbert Dumas qui travaillait aussi sur Le Sketch show, avait flairé leur potentiel. Les Appendices sont des amis depuis qu’ils sont adolescents. Nous ne les avons pas créés. On a donc fait une petite démo et, dès le départ, leur talent a été reconnu par les diffuseurs. Quand Martin Roy est arrivé à Télé-Québec pour devenir le nouveau directeur général des programmes, il nous a donné notre chance. C’était vraiment un grand risque de lancer Les Appendices à la télé, puisque c’était très différent, mais ç’a été réussi. Et nous en sommes à la 9e année! »

Marie Brissette n’est pas la seule à avoir épaulé Les Appendices depuis le premier jour. Mélanie Viau était aussi présente dès le départ, à titre de productrice déléguée de l’émission. Parallèlement, elle travaillait chez KOTV. Puis, en 2014, lorsque Les Productions Marie Brissette ont été vendues à KOTV, toutes les émissions de Marie Brissette se sont retrouvées chez KOTV. Mélanie Viau a donc poursuivi l’aventure des Appendices chez KOTV, avec Marie Brissette qui y est devenue vice-présidente au développement.


La productrice Marie Brissette


La recette de la longévité

Voilà presque une décennie que la série Les Appendices est diffusée à la télévision, soit presque deux fois plus longtemps que la série du légendaire groupe d’humour Rock et Belles Oreilles. Pour perdurer, il leur a fallu se consacrer entièrement à leur art, comme le mentionne la vice-présidente au développement : « Ce sont des érudits de la comédie, de vrais intellectuels de l’humour. Ils ont tout lu, tout vu. Ils sont passionnés. Leur méthode de travail collective leur permet de garder seulement le meilleur. »

Pour rester en ondes, les Appendices aussi ont dû se développer rapidement tout en étant polyvalents : « Ils ont appris le métier en le faisant. En terme d’efficacité comique, leur apprentissage a été exponentiel. Quand ils ont commencé, ils étaient principalement auteurs et comédiens, mais ils se sont graduellement appropriés aussi tous les postes de production : la réalisation, la musique, l’infographie, les effets spéciaux, le montage... » souligne Marie Brissette avec enthousiasme. « C’est une grande fierté que le show arrive à durer, après toutes ces années. Le diffuseur nous a toujours suivis : depuis nos débuts, il y a eu trois directeurs de programmation différents à Télé-Québec, mais malgré cela, nous sommes restés » ajoute-t-elle.


Un travail d’équipe

L’esprit de groupe se traduit dans toutes les étapes du travail chez Les Appendices, comme l’indique la productrice déléguée Mélanie Viau : « Au-delà des Appendices eux-mêmes, on a des équipes fidèles qui donnent toujours plus qu’on leur en demande. Si la qualité de l’émission augmente, alors que le budget, lui, n’a jamais augmenté, c’est grâce à cette équipe loyale, généreuse et dévouée. » Marie Brissette approuve : « Il faut constamment s’améliorer, car le défi est de se renouveler. Il faut que ça continue à être drôle, à être bon, sans s’essouffler. »

En effet, même si chaque étape de la production est essentielle, l’écriture reste à la base de tout le reste. Idéalement, le groupe tente d’écrire une saison en entier avant de commencer à filmer. Ensuite, afin d’optimiser les lieux de tournage, l’équipe filme par décor, par univers, et non par épisode. La production doit donc assembler un réel casse-tête en tenant compte de tous les décors et tous les personnages pour arriver à rendre l’ensemble le plus efficace possible. Mélanie en sait quelque chose : « Ça demande beaucoup de souplesse et d’adaptation. Chaque journée de tournage doit être bien remplie, pour rentabiliser ce qui est là. C’est un gros travail de coordination et ça prend une équipe très forte pour soutenir tout ça. »


Les Appendices en tournage


Pour les fans

Tout ce travail a mené au développement d’une grande communauté de fidèles. Marie reste émerveillée de la réaction du public : « Leurs fans sont très présents et ils ont une belle relation avec leur public. Ils sont aussi très populaires auprès des Y, alors que c’est une génération difficile à rejoindre en télévision, habituellement. Aussi, on fait parfois des sketchs avec des artistes invités, ce qui permet de rejoindre un public encore plus large et gagner en popularité. C’est surprenant, mais Les Appendices ont aussi un gros fan-club en Europe. Il faut dire qu’ils prennent soin de leur public : ils sont très présents sur le web. Ils sont toujours prêts à faire des projets et à les partager. D’ailleurs, ils cherchent constamment à pousser leur produit plus loin et sont très au fait des nouvelles technologies. Par exemple, via leur application (l’APPendice), ils ont été les premiers de leur milieu à réaliser un sketch immersif à 360 degrés, qu’on peut visionner avec des lunettes de réalité virtuelle. »

D’un groupe d’adolescents qui rigolaient en écoutant les Monty Python et François Pérusse, Les Appendices sont devenus, au fil du temps et du travail, un modèle d’humour à part entière.

Suivez les Appendices sur Twitter, Facebook, et à Télé-Québec, dimanche à 18 h 30 et 1 h, Lundi et mardi à minuit, vendredi à 19 h et samedi à 0 h 30. L’APPendice est disponible sur l’APP Store et Google Play


Les Appendices avec perruques!

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Les Appendices

For the love of laughter

By Myriam Kessiby / December 01, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

When it comes to choosing a career path, most wise people forget about the dreams they had as kids, to settle on more stable and safer options. Others, out of madness or out of vision, will refuse to resign and will do anything in their power to realize their aspirations.

This is the destiny of Les Appendices, an absurd humor group formed by Dave Bélisle, Julien Corriveau, Jean-François Chagnon, Dominic Montplaisir, Jean-François Provençal and Sonia Cordeau, accompanied by actress Anne-Élisabeth Bossé. Each week, the group takes its viewers into a world of crazy sketches, hilarious songs and insane parodies. Les Appendices have succeeded, with a little bit of luck and a lot of talent, to create a unique and sustainable TV universe that continues to attract more and more viewers over the years.


The cast of Les Appendices


Behind every great success...

If big dreams are realized quicker with the help of a fairy godmother, Les Appendices owes a debt of magic to Producer Marie Brissette.

The journey that led Marie to the world of television is unusual. Initially a student in biochemistry, she went back to university to study communications, specializing in scientific communication. But Marie's passion for comedy was stronger than everything else, so she let go of science and turned definitively towards comedy. Marie then worked as a freelance Director for 25 years before becoming a Producer.

It was when she was a Director on the comedy series Le Sketch Show that she met “Les Appendices,” this group of young people who wrote for the show: “I thought their texts were often the best ones!” Getting to know them, Marie wanted to help them go further: “Like me, the Director Gilbert Dumas, who also worked on The Sketch Show, had scented their potential. The Appendices have been friends since they were teenagers. We did not create them.” The next goal was to find the team a home: “Their talent was recognized by the broadcasters. When Martin Roy arrived at Télé-Québec to become the new programming General Director, he gave us a chance. It was truly a huge risk to launch Les Appendices on TV since it was so different... And we are on our 9th year!”

Marie is not the only one to have supported Les Appendices since day one. Mélanie Viau was also there from the beginning as Executive Producer of the show. At the time, she was working at KOTV. Then in 2014, Les Productions Marie Brissette was sold to KOTV. Mélanie continued the endeavour of Les Appendices at KOTV, with Marie becoming Vice-President of Development.


Producer Marie Brissette


The recipe for longevity

The series Les Appendices has been broadcast on television for almost a decade now, almost twice as long as the legendary humor group Rock & Belles Oreilles. To survive, they had to devote themselves entirely to their art. As the Vice-President of Development, Marie explains: “They are scholars of comedy; true intellectuals of humor. They have seen and read everything. They are passionate. Their collective work method allows them to keep only the best.”

To stay on TV, Les Appendices also had to grow quickly while being multi-talented: “They learned the trade by doing it. In terms of comic efficiency, their learning has been exponential. When they started, they were mainly writers and actors, but they gradually assumed all the creative roles: direction, music, computer graphics, special effects, editing...” says Marie Brissette enthusiastically. “It is a great pride that the show still lasts, after all these years. The broadcaster has always been our partner: since the beginning, there have been three different programming directors at Télé-Québec… but in spite of that, we stayed” she adds.


Team work

The spirit of the group is reflected at every step of the work for Les Appendices, as explained by the Executive Producer Melanie Viau: “Beyond Les Appendices themselves, we have faithful teams that give always more than expected. If the quality of the show can increase, while the budget never did, it is thanks to this loyal, generous and dedicated team.” Marie Brissette agrees: “We must constantly improve, because the challenge is to renew ourselves. It must remain funny, good, without slowing down.”

Indeed, writing remains the foundation. Ideally, the team tries to write an entire season before they start shooting. Then, in order to optimize shooting, it is filmed by set, by universe, and not by episode. The production team must assemble a real puzzle, taking into account all of the sets and all the characters of the season in order to make the process as efficient as possible. Mélanie knows the reality: “It takes a lot of flexibility and adaptation. Every shooting day must be full, to take out the most of what is there. It is a great coordination work and it takes a very strong team to support this.”


On the set of Les Appendices


For the fans

All of this work has yielded a very strong community of viewers. Marie remains amazed at the reaction of the public: “Their fans are very present. They have a good relationship with their audience. They are also very popular with the Millennials, even if it is a generation that is usually hard to reach in television. Also, we sometimes make sketches with guest artists, which makes it possible to reach an even wider audience and gain popularity. It's surprising, but Les Appendices also has a big fan club in Europe. It must be said that they take good care of their audience: they make themselves available on the web. They are always ready to make new projects and share them. Moreover, they are constantly looking to push their product further and are keen to create with new technologies. For example, through their application (the APPendice), they were the first in their field to realize a 360-degree immersive sketch, which can be viewed with virtual reality glasses.”

From a gang of teenagers who laughed while listening to Monty Python and François Pérusse, Les Appendices has become an icon of humor in its own right.

Follow Les Appendices on Twitter, Facebook, and on Télé-Québec (Sunday at 6 :30 PM and 1 AM, Monday and Tuesday at midnight, Friday at 7 PM and Saturday at 12:30 AM). The APPendice is available in the APP Store and Google Play


The cast of Les Appendices wigging out!

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Highway Thru Hell

Documentary television as a force for good

By Ian MacDonald / November 17, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Complex wrecks, brutal weather, fierce competition, the stress of being on call 24/7, and the trauma of witnessing tragedy firsthand. This isn’t your average 9-to-5 job. Currently in its fifth season, Highway Thru Hell is a television documentary series about the toughest men in the towing business and the hardships they face while operating along some of the most notorious highways and mountain passes of the British Columbia Interior – in particular, the Coquihalla Highway.

A runaway success since hitting the small screen in September 2012, Highway Thru Hell holds the throne for the highest rated premiere of any show ever on Discovery, a record that extends to the big American premieres as well. For Executive Producer Mark Miller (CEO of Great Pacific Media, the unscripted television and factual arm of Thunderbird Films), the international success and popularity of the series comes down to production value, authenticity and “thinking big.”


“Everyone agreed on a mandate, which was to create a show that was renewable and raised the benchmark for all programs in this genre around the world. Not just Canada, but the world.”
 


Cast and crew shooting a night scene on the edge of the BC’s Coquihalla Highway

Producing documentaries has been a part of Mark’s DNA since the late ‘80s. He began his career in radio and television journalism, learning and developing his craft for storytelling. Along with a staff job at CBC, Mark worked freelance, producing six-minute documentaries for radio. This work eventually led him to the Discovery Channel, where he began producing hour-long documentary television for Daily Planet. Over 15 years, Mark developed an intuition for finding good stories and good characters. And it was while out on a Daily Planet story about avalanche control in Vancouver that Mark realized the potential for a documentary series about heavy rescue operators.

Partnering with Blair Reekie, who had a background in television and lifestyle programming, Mark started a little company that would eventually become Great Pacific Media. In their first year, the pair developed the idea for Highway Thru Hell, which Discovery bought, making their first show also their first BIG show. A rare feat for any emerging production company, but both Mark and Blake knew they had an original concept.


“It was just obvious, it was right there. I think we were the lucky ones who found it first.”
 

The task of capturing real life crashes throughout Vancouver and Alberta, while following multiple characters and towing crews is not an easy one. Mark’s production team operates like a fire department, with separate crews working 12-hour shifts. Anything that happens during their shift, Noon to Midnight or Midnight to Noon, they go out and cover it at the same time as the towing companies. It’s cold, it’s wet, it’s brutal – but it’s the only way to do it. And for a documentary about survival and keeping highways open, the added challenge is to not in any way become a drag on the ability of towing companies, police and emergency response services to do their job.


Born and bred into the towing business, Jamie Davis, owner of Jamie Davis Motor Truck

While Highway Thru Hell follows a multitude of characters, the undeniable star of the show is Jamie Davis, owner and operator of Jamie Davis Motor Truck in Hope, BC – someone who Mark fondly describes as a dirt under the nails, self-reliant, MacGyver-type of guy. But when Mark and Blake first approached Jamie with their idea for the show, he was initially reluctant, as the documentary genre carries with it a reputation for being an exploitive medium at times. “I’ve always tried to operate from the perspective that broadcast media can be used as a force of good. We can use it to inspire people; we don’t have to exploit people.”

This approach to documentary television has led to something much more compelling taking place as a result of the show’s success, that is, the impact the show has had at home, in local communities. Quite unexpectedly, the number of accidents on the Coquihalla after the first season that the show aired went down 35%. There were fewer crashes, fewer injuries, fewer fatalities – just less of everything. Now, after five seasons, the number of accidents compared to the year before the show aired is down 50%. So, can one use television as a force for good? Mark sure thinks so.


“Most of the time, the best you can hope for is that maybe we’ll inspire somebody. But it had this other effect, which was it educated people and kept people for hurting themselves. And that makes me feel pretty good.”
 

Then there’s the small town of Hope, BC – a tiny place on the edge of the Fraser Valley – mostly forgotten but known for its high crime rates and being the location where the Sylvester Stallone action/adventure film First Blood was shot in the early ‘80s. Highway Thru Hell has left a ton of money in Hope and in addition to the locals hired to work on the crew, there are a number of businesses that have built themselves up as a result of production activity in the area. “There was this motel and we ended renting the whole place for our crew through that first winter and we stayed there ever since. They’ve kind of become our family.” This little town that had lost most of its industry is now part of making an amazing Canadian television show.


Executive Producer Mark Miller and Highway Thru Hell star Jamie Davis

Currently, Highway Thru Hell is airing in over 170 countries around the world and is broadcast on National Geographic International throughout Europe (where it is among the top five factual documentaries in France), Africa, South America, and Asia; on ProSieben in Germany; on A&E and ABC in Australia; on the Weather Channel in the U.S. (one of the top three programs on the network); and most recently, on Netflix.

Considering the worldwide exposure, Highway Thru Hell has developed a large fan base. An uncommon practice for television programs of this stature, Great Pacific manages the show’s social media components and online content themselves. They’ve built a dedicated community of over 140,000 Facebook followers, who they interact with regularly. “We don’t inundate them with ads, we treat them with respect and we listen to what they have to say. I think that’s absolutely critical, having that core base.”

With a market hungry for more, Mark is hard at work on Great Pacific’s next BIG show. The team is developing a spin-off called Heavy Rescue: 401, which as the name implies, documents the lives of heavy tow operators working on Ontario’s major thoroughfare. They may indeed have another hit on their hands, and Mark is quick to point out that none their success would be possible without the available federal and provincial tax credits in Canada and the Canada Media Fund (CMF). “If the goal is to help to create content that Canadians want to watch, that will play well on the international stage and bring revenue into Canada – we did it, and the show continues to do it.”

Catch new episodes of Highway Thru Hell on Tuesdays at 10pm ET on Discovery in Canada, and stream free episodes on the official website. Join the fan community on Facebook and Twitter and watch a sneak peek of Heavy Rescue: 401, premiering January 3, 2017 at 10pm ET on Discovery.

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Code F

Haut et fort

By Myriam Kessiby / November 03, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

À une époque où chaque questionnement se transforme en un véritable débat de société sur les réseaux sociaux, il est parfois difficile de tirer quelque chose de concret dans le brouhaha des différentes conversations. Puisque tout le monde peut donner son avis sur tous les sujets via Internet, on peut se demander : que reste-t-il à dire sur nos préoccupations de tous les jours?

C’est là que les filles de Code F entrent en scène. Maripier Morin, Virginie Fortin, Mariana Mazza, Marina Bastarache et Catherine Éthier (en plus des nouveaux visages qui s’ajouteront pour la prochaine saison) se dévoilent en toute franchise, sans prétention ni fausse pudeur. Le but? Ouvrir la porte sur des sujets parfois délicats et susciter les conversations chez les téléspectateurs.


Catherine Éthier


Un peu de folie et beaucoup de doigté


Présenter une émission jeunesse qui aborde des tabous, animée par des personnalités qui ne sont pas des pédagogues ou des spécialistes du sujet traité, est un exercice de haute voltige. Il faut savoir doser les opinions, l’humour et les anecdotes sans heurter les sensibilités ni devenir moralisateur. Il faut arriver à pousser les limites, sans toutefois les dépasser.

À la chaine jeunesse VRAK, on voulait s’adresser à la génération Y, aux jeunes adultes, dans un autre format que la fiction ou la variété. On s’est donc inspiré de l’émission Girl Code, présentée sur MTV, pour développer un projet où l’humour aurait une grande place.

Le producteur Jeffrey Wraight parle avec beaucoup d’enthousiasme de son équipe et de la genèse de l’émission Code F : « Il y avait un “facteur cool” associé au format et au ton de l’émission de MTV, mais on savait qu’il fallait l’adapter à la culture québécoise. Aussi, leur public cible était 18 ans et plus, mais nous, c’était les 13 à 18 ans. Il fallait aborder les choses différemment. On s’est donc entouré de réalisateurs intelligents, débrouillards et cool (comme Frédéric Fournier, Maude Sabbagh, Stéphane Aubry et Marisol Aubé) qui pouvaient comprendre ce qu’on essayait de faire : faire rire et réfléchir en même temps. Tous les membres de l’équipe sont des personnes vives et allumées; c’est la clé du succès de ce projet. »

Dès le début, l’équipe de Code F , produite au Québec par Zone 3, a surpassé ce qui était proposé dans la version originale anglaise, produite par Viacom. Ainsi, alors que Girl Code présentait entre 10 et 14 épisodes par saison, Code F a offert, une cinquantaine épisodes dès sa première année. Autant de contenu, produit si rapidement, aurait pu mener à un essoufflement ou à des redites, mais l’équipe a constamment de nouvelles choses à dire, en abordant les thèmes sous des angles toujours nouveaux. Jeffrey Wraight affirme sans hésiter que, pour le type de sujets, pour le ton et pour les délais serrés, « c’est un gros défi, un grand risque, mais on arrive à rester créatifs et originaux. On arrive à quelque chose qui se démarque, avec moins de ressources. On est très fier du résultat. »


Virginie Fortin et la réalisatrice Maude Sabbagh en tournage


Un succès immédiat


Code F a réussi à rejoindre un public très large, comme le souligne le producteur : « On parle à une fille de 13 ans, mais on n’oublie pas qu’il va y avoir des parents qui vont l’écouter aussi. On souhaite que les plus vieux soient divertis autant que les plus jeunes, parce que ça permet de regarder l’émission en famille et d’en discuter. Et on sait que ça fonctionne, puisque tous les groupes d’âge viennent nous parler de l’émission. On a donc réussi à frapper notre cible, tout en parlant à tout le monde. » Avec la réponse du public, l’équipe a rapidement compris que Code F comblait un certain manque. Les témoignages démontrent que les gens sont heureux de regarder une émission où on aborde des thématiques dont on entend peu parler dans les médias. « On parle de la réalité et les jeunes peuvent s’identifier. Ce sont des sujets qui peuvent déranger, même choquer dans certains cas, mais c’est toujours fait avec humour. Par exemple, on peut avoir un épisode où les trois sujets seront : le sexe oral, Céline Dion, puis l’étiquette de péter en public » lance Jeffrey Wraight en riant. Cette approche directe et spontanée a créé de vives réactions dès les premiers épisodes, mais les critiques ont cessé très rapidement. En effet, les adeptes de l’émission ont si bien défendu les sujets abordés, que le succès de Code F n’en a été que plus grand. L’objectif de susciter la discussion était donc atteint, dès le début!


Marina Bastarache, Mariana Mazza et Maripier Morin


La voix des femmes… et de la nouvelle génération


Le contenu de l’émission n’explique que la moitié de son succès. Pour Jeffrey, c’est la distribution et le talent des filles qui fait en sorte que ça fonctionne: « Ce sont des filles incroyables, qui sont prêtes à s’exposer, à se rendre vulnérable, et à donner leur opinion. Je suis un grand “fan” des femmes autour de moi et c’est important de leur donner une voix pour briser des tabous. L’émission présente des femmes fortes, chacune à leur façon, auxquelles ont peut s’identifier. J’aime qu’on puisse présenter une diversité culturelle, corporelle et surtout d’opinions. On est conscient des enjeux auxquels les filles et les femmes font encore face, donc on touche à tout ce qui se passe, sans devenir moralisateur. C’est très valorisant. »

L’histoire de Code F ne fait que commencer. Plusieurs idées mijotent actuellement pour pousser le concept encore plus loin. D’ailleurs, l’équipe travaille actuellement la version masculine de l’émission. Alors que Code F encourage les filles à parler de sujets qu’elles abordent rarement en public, Code G fera la même chose pour les garçons. L’objectif restera de toucher à une grande variété de points de vue sur un même sujet. Ainsi, l’équipe de production aura eu, encore une fois, l’audace de bousculer les conventions en faisant parler la nouvelle génération.

Derrière les blagues et le ton léger, Code F arrive à remplir une mission toute particulière : l’émission est un appel à l’ouverture, à l’écoute et à l’échange sans jugement et sans crainte… puisque tout le monde a une voix et une opinion qu’il faut respecter.

Joignez-vous à la communauté de Code F sur Facebook et sur Twitter en utilisant #codef. Les épisodes sont diffusés à VRAK, le lundi 21 h, mardi 19 h 30, mercredi 17 h 30, vendredi 18 h et dimanche 18 h 30.

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Code F

High and loud

By Myriam Kessiby / November 03, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

At a time when every question can turn into a real debate on social media, it’s sometimes difficult to draw something positive from the hubbub. Since everyone can give their opinion on every topic via the Internet, one may ask: what's left to say about our everyday concerns?

This is where the girls from Code F come in. Maripier Morin, Virginie Fortin, Mariana Mazza, Marina Bastarache and Catherine Ethier (in addition to the new girls in the upcoming season) are open and frank, without pretention or fake modesty. The goal? To open the door on sometimes sensitive issues and encourage conversations among viewers.


Catherine Éthier


A little bit of craziness and a lot of finesse


To present a TV show for youth that addresses taboos, led by personalities who are not teachers or experts in their subject matter, is a fine balancing act. It is important to balance opinions, humor and anecdotes without offending sensibilities or becoming preachy. It is a matter of pushing the limits but not exceeding them.

At the youth network VRAK, the team wanted to talk to Millenials, to young adults, in a format other than fiction or variety. They took their inspiration from Girl Code on MTV to develop a project where humor would play a big role.

Producer Jeffrey Wraight speaks with enthusiasm of his team and the genesis of the show: "There was a ‘cool factor’ associated with the format and the tone of the MTV show but we knew that we had to adapt it to Quebec culture. Also, their target audience was 18 years old and over, but for us it was 13 to 18 years old. We had to do things differently. Therefore, I surrounded myself with intelligent, resourceful and cool directors (such as Frédéric Fournier, Maude Sabbagh, Stéphane Aubry and Marisol Aubé) who could understand what we were trying to do: make the audience laugh and think at the same time. All team members are bright and sharp people; it’s key to the success of this project."

From the beginning, the Code F team, produced in Quebec by Zone 3, exceeded what was proposed in the original English version produced by Viacom. While Girl Code had between 10 and 14 episodes per season, Code F offered fifty episodes in its first year. That much content produced so quickly could have led to some weariness or repetition but the team constantly has new things to say, addressing themes in ever evolving ways. Jeffrey Wraight says without hesitation that for the kind topics, tone and tight deadlines, "it is a big challenge, a big risk, but we manage to stay creative and original. We create something that stands out, with fewer resources. We are very proud of the result."


Virginie Fortin and Director Maude Sabbagh film an episode of Code F


An instant success


Code F reaches a wide audience. Highlighted by the producer, "In the show, we talk to a 13 year old girl but we do not forget that there will be parents who will listen too. We hope that the older viewers are entertained as much as younger people because the whole family can watch and discuss the topics together. And we know it works, since all age groups come to talk to us about the show. So we managed to hit our target, while talking to everyone." With this kind of public response, the team quickly realised that Code F fills a particular void. Testimonies reveal that people are excited to watch a show that tackles themes that are barely discussed elsewhere in the media. "We talk about real stuff that young people can relate to. These are issues that can disturb, even shock in some cases, but it is always done with humor. For example, we can have an episode where the three topics will be: oral sex, Celine Dion, and the etiquette on farting in public" laughs Jeffrey Wraight. This direct and spontaneous approach created turmoil after the early episodes but critics stopped very quickly. Indeed, fans of the show defended the topics so well that the success of Code F only grew. The goal to generate discussion was achieved from the start!


Marina Bastarache, Mariana Mazza and Maripier Morin


The voice of women… and of the new generation


The content of the show only explains half its success. For Jeffrey, it’s the casting and talent of the girls that made it all work: "They are amazing girls, who are willing to become vulnerable and to give their opinion. I'm a big fan of women around me and it's important to give them a voice to break taboos. The show presents strong women, each in their own way, to whom we can relate. I like that we can present a diversity that is cultural, personal and above all, of opinions. We are aware of the challenges that girls and women still face, so we talk about things that happen without becoming preachy. It's very rewarding. "

The story of Code F is just beginning. Several new ideas are in development to push the concept further. Moreover, the team is currently working on the male version of the show. While Code F encourages girls to talk about topics they rarely discuss in public, Code G will do the same for boys. The objective remains to express a wide variety of opinions on the same subject. The production team has again had the audacity to challenge conventions by giving a voice to the new generation.

Behind the jokes and the carefree tone, Code F gets to fulfill a unique mission: the show is a call to openness, to listening and sharing without judgment or fear... because all of us have a voice and an opinion that should be respected.

Join the Code F community on Facebook and on Twitter using #codef. Episodes air on VRAK: Mondays 9PM, Tuesdays 7:30PM, Wednesdays 5:30PM, Fridays 6PM and Sundays 6:30PM.

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Finding Stuff Out

By Lindsey Vodarek / October 11, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Kids programming is one television genre that Canadians are especially good at producing. From Mr. Dress Up to Popular Mechanics for Kids, there is something special about the way Canadians speak to younger generations. And Finding Stuff Out is no exception.

Starting its 4th Season in early 2017, the hit TVOKids show speaks the language of today’s 6-11 year olds. Tech savvy, often more so than their parents, Apartment 11 Productions tapped the idea of a kid’s webcast and formatted it for TV. Director Jean-Louis Coté, who previously worked on Popular Mechanics for Kids, brought his specialization in science shows for children to the team: “Anyone that knows kids knows that they ask a lot of questions – they want to understand how things work – as long as you aren’t preachy or teachy – kids love to learn AND laugh!” As an educational program, his goal is to answer kids’ science questions. Modeled after the phenomenon of thousands of YouTube channels with their youthful stars, Finding Stuff Out hits the mark.


Host Harrison Houde and Director Jean-Louis Coté

The first three seasons of the show starred Harrison Houde of Qualicum Beach, Vancouver Island, BC. Harrison was found from his own YouTube channel that answered viewers’ questions. With over 14,000 subscribers, the team knew they had found the right young man to speak to their young audience. Harrison’s musical skills also came into play. He composed music with the show’s composer and has gone on to do other musical work for YTV and elsewhere. Kids love Harrison’s wacky lyrics and fun upbeat jams. Now 20, Harrison is moving on and the team is turning to Zoey Siewert for a fresh take.

Currently one of the top kids shows on television, FSO airs in many countries around the world. As part of one of Canada’s top exports – kids programming – you can see Harrison and Zoey on Pop TV in the UK, Discovery Kids Asia, Mundo Fox in the U.S., Wananchi in Africa, Al Jazeera, Davinci Learning for Eastern Europe, NOGA in Israel, BEC in Thailand, TRT in Turkey and SIC in Portugal (distributed by 9Story Entertainment). It’s something about Canadian values, children and education that translates around the world.

“We do it better than anyone. We have a privileged place to make content that reflects our values.”
- Jean-Louis Coté, Director

Since FSO’s cast and creators are all Canadian, many of whom have a news and current affairs background, the show receives funding from the Shaw Rocket Fund, Canada Media Fund (CMF) and other tax credits.


Executive Producer Jonathan Finkelstein and Jean-Louis Coté at the 2016 Canadian Screen Awards

Popular at home, FSO won two 2016 Canadian Screen Awards – Best Children’s Non-Fiction Series and Best Host - Harrison Houde. One of the reasons for its popularity and what makes the show unique is the way it gets the audience involved. The Production team goes into schools and gets kids to ask questions that then become part of the show. They’ve gathered around 6,000 questions over all 4 seasons and consult the kids about what topics the show should cover. The writers go through the collected questions and then pick the best ones. Questions are answered in various ways - interviews, sketches, animation – whatever works best to explain the concepts. The episode that won them the CSA for Best Show came from this very process.

In addition, the show collaborates with older children. Through an organization called Let’s Talk Science, volunteers partner with students and teachers who go through the show scripts to fact-check and suggest ideas. Some participants will be on the show as experts. They are the perfect collaborators, says Jean-Louis: “It’s so nice to see people who care about promoting science to kids - the passion and drive to learn and invent.”

Apartment 11 has worked with TVO to target many education, science, parent blogs and websites to share information with them about the show. They have also done well selling the show to educational institutions, including those schools involved in the production of the show in Montreal.


Harrison Houde on the set of Finding Stuff Out

The show connects with viewers online as well, using Facebook and YouTube as their primary way of getting parents interested. But more often than not on Facebook, kids take over with their comments and fan mail for Harrison! On the TVOKids website, you can watch past episodes and play games that incorporate learning.

For Executive Producer and Co-Creator (with Edward Kay) Jonathan Finkelstein, what he’s most proud of is “being able to participate in a creative endeavour that somehow is a unique work, with a unique voice, with a unique point of view. It takes a lot of thought, a lot of time. It’s not as easy as it looks. When you achieve it and you feel like it’s something special and unique, that’s reason to be proud.” For Jean-Louis, it’s all about the kids: “It’s so colourful and full of life! Bubbly and funny and you learn so much. Very modern and down to earth. All very accessible, speaks the kids' language.” With such a winning show and reputation, Apartment 11 is busy producing more shows including Look Kool/C’est Wow, The Mystery Files and is in development on its first kids program emphasizing First-Nations.

Connect with the Finding Stuff Out team on Facebook, Twitter, Instagram, YouTube and TVOKids and get your science on with six amazing games in the FSO App! New episodes air next Spring on TVO

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Belle et Bum

Créer un univers musical, une semaine à la fois

By Myriam Kessiby / September 27, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

La 14e saison de Belle et Bum débute le jeudi 29 septembre 2016, 21 h, à Télé-Québec.

Imaginez que vous deviez monter un spectacle musical de toutes pièces. Un spectacle d’une heure trente, avec 9 musiciens en concert qui accompagnent des artistes internationaux, locaux et de la relève. Une vingtaine de morceaux à maitriser, de tous les genres musicaux, présentés devant public. Une grande soirée, avec les éclairages, les caméras, les billets, la mise en scène, les répétitions… combien de temps croyez-vous que vous auriez besoin pour produire un tel événement? Cinq mois? Cinq semaines? Et si on vous disait que vous deviez le faire en quelques jours seulement? Tout un défi! Et une fois que vous auriez réussi ce tour de force, si on vous demandait de recommencer chaque semaine? Un tel contrat semble impossible à réaliser! Pourtant, c’est le défi que l’équipe de Belle et Bum relève avec brio, depuis plus d’une décennie.


Mélissa Lavergne et Normand Brathwaite – Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


Battre la mesure… et le chrono!


Pour la productrice chez Datsit Sylvie Tremblay, l’émission Belle et Bum est bien plus que de la télévision de variété. C’est un emblème purement musical; toute la place est laissée à la chanson. Mais pour que chaque spectacle soit à la hauteur des attentes élevées de la production, il faut une préparation réglée au quart de tour. Le mercredi matin a lieu la première répétition musicale avec la chef d’orchestre Julie Lamontagne et ses musiciens. Du guitariste jusqu’au trompettiste, de la saxophoniste au batteur, du bassiste au claviériste; le “band” forme une véritable confrérie. Grâce à cette chimie de groupe, tout est bon, dès le premier essai. Il le faut, puisque le temps est compté! Déjà, le mercredi après-midi, les artistes invités viennent répéter leurs morceaux. C’est la première fois qu’ils entendent leurs chansons accompagnées du “band” de Belle et Bum.

Sylvie Tremblay a des étoiles dans les yeux lorsqu’elle parle du premier moment où les invités entendent leurs mélodies interprétées par les musiciens : « Il y a quelque chose d’absolument magique qui se passe! Les artistes sont portés par la force tranquille du “band” et c’est beau à voir! » Le lendemain, c’est déjà la générale et l’enregistrement. Parallèlement au spectacle, la directrice artistique et son équipe de recherche restent aux aguets de tout ce qui se fait côté musique. Puis, on invite les artistes et on organise les horaires avec toutes les contraintes que ça implique. Tout ça, pour que la semaine suivante, la production se lance dans un nouveau spectacle. « C’est de l’adrénaline pure! » lance la productrice. On la croit!

Madame Tremblay explique bien toute l’envergure de cette émission : « J’ai déjà travaillé à l’organisation de la fête nationale à Québec, et pour moi, Belle et Bum est comme une petite fête nationale d’une heure trente, à organiser chaque semaine. On crée des numéros, on a beaucoup d’invités et on crée des jumelages. C’est vraiment un gros spectacle. L’émission a été tournée en direct pendant 12 ans. Aujourd’hui, c’est tourné comme du direct, dans les temps, avec les pauses, et devant public. Le défi reste donc le même. Il faut être très vif pour y arriver. Tout le monde court! C’est électrisant! »


Normand Brathwaite et Mélissa Lavergne – Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


Une place pour tous


Derrière la folie de monter des spectacles uniques dans des délais plus que restreints, Belle et Bum se veut le plus inclusif possible. L’émission accorde ainsi une grande place aux chanteurs de toutes les communautés et de toutes les origines, en mettant l’accent sur la chanson francophone. En étant si accessible, tout en restant de haut calibre, Belle et Bum soutient beaucoup les artistes émergents. Plusieurs auteurs-compositeurs-interprètes reconnus ont fait leur première apparition télévisuelle à l’émission, comme ç’a été le cas pour Pierre Lapointe, par exemple. Puisque le public de Belle et Bum apprécie beaucoup la musique, les albums et les spectacles, plusieurs artistes voient leurs ventes augmenter après être apparus à l’émission. Un spectacle télévisé d’un soir devient donc un réel tremplin; une belle vitrine pour les artistes. Et en permettant aux émergents de se produire sur la même scène que de grands artistes établis, la variété demeure présente chaque semaine et tout le monde y gagne. Des instants complètement uniques sont ainsi créés lors de chaque spectacle. Par exemple, la rencontre d’Ariane Moffat et Milk and Bone ou encore celle de Kevin Parent et de Safia Nolin ont fait vibrer le public d’une grande émotion.

D’ailleurs, la productrice est très touchée par ce que les rencontres musicales peuvent apporter : « Il y a quelque chose qui se passe au niveau humain lorsque les artistes se rencontrent. Les artistes ne sont pas là pour faire de la promotion : c’est avant tout un véritable moment de création. C’est vraiment riche, ça ne se passe pas ailleurs et le public répond bien. Par exemple, j’ai rencontré une famille colombienne, où la mère qui m’a dit que chaque semaine, elle et ses proches se faisaient des cocktails et dansaient devant Belle et Bum. Ça m’a donné des frissons! Les étrangers regardent peu notre télévision. Alors, c’est magique de voir que l’émission peut être une porte d’intégration. En région éloignée aussi, les gens qui ont peu de salles de spectacles écoutent Belle et Bum pour avoir accès à de la musique, grâce à Télé Québec. C’est très unificateur! »


Sylvie Tremblay, productrice, Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


En constante évolution


Conserver un tel succès après plusieurs années de diffusion n’est pas chose facile. L’équipe a donc dû se renouveler constamment afin de maintenir la fraicheur et l’intérêt de l’émission. La nouveauté, c’est justement ce qui anime Sylvie Tremblay, qui a joint l’émission il y a trois ans : « On a redynamisé, on a fait ça très moderne. On a changé le décor, la disposition des musiciens, l’éclairage. Je n’aime pas refaire ce qu’on a fait l’année dernière! Ça permet de s’améliorer, d’évoluer et on reste au goût du jour. Les téléspectateurs auront aussi droit à de nouveaux segments cette année! » Outre l’aspect visuel et technique, la co-animation a aussi changé, récemment. Mélissa Lavergne, percussionniste à l’émission depuis ses débuts, est devenue la 5e Belle de Belle et Bum. Tout s’est fait naturellement, puisque a Mélissa n’est pas un élément extérieur : elle connait bien l’émission. Et elle coanime avec un autre musicien présent depuis le premier épisode : Normand Brathwaite. Toujours stimulé par le mandat inclusif et le contenu musical de l’émission, Normand est un réel ambassadeur; le seul et unique Bum!

Derrière la fête hebdomadaire qu’est Belle et Bum, Sylvie Tremblay reste consciente du privilège et du défi que représente cette émission : « Nous sommes à une époque où les budgets sont de plus en plus serrés. Alors, il faut maximiser ce qu’on a, utiliser les forces de chacun et garder un recul. Malheureusement, à la vitesse où vont les choses, on n’a pas le temps de former de nouvelles personnes et les équipes sont réduites au maximum. Mais la qualité ne doit pas diminuer. Les téléspectateurs ont l’impression que Belle et Bum sera toujours là, mais les décisions se prennent une saison à la fois. Pour le moment, c’est le talent de chacun des membres de l’équipe qui tient l’émission en place. C’est unique, précieux et on veut préserver ça. » Il ne nous reste qu’à souhaiter longue vie à Belle et Bum.

Joignez-vous à la fête de Belle et Bum via leur communauté Facebook, leur fil Twitter, et leur site officiel. La 14e saison de Belle et Bum débute le jeudi 29 septembre 2016, 21 h, à Télé-Québec.

Pour assister aux enregistrements de l’émission Belle et Bum, qui ont lieu au théâtre National à Montréal, veuillez faire une demande de réservation à la billetterie en ligne.

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Belle et Bum

Create a musical universe, one week at a time

By Myriam Kessiby / September 27, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

The 14th season starts September 29th, 2016 at 9 PM on Télé-Québec.

Imagine having to build a music show from scratch - an hour and a half, with nine musicians playing with international, local and upcoming artists. Twenty songs to master, of all musical styles, performed in front of a live audience. A big night with the lights, the cameras, the tickets, the rehearsals... how long do you think you would need to create such an event? Five months? Five weeks? And if you were told that you had to do it in only a few days? Quite a challenge! And once you have achieved it, what if you were asked to do it again every week? Such a feat seems impossible to achieve! Yet this is what the team at Belle et Bum have been doing brilliantly for more than a decade.


Mélissa Lavergne and Normand Brathwaite – Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


Follow the beat… and beat the clock!


For Datsit Producer Sylvie Tremblay, Belle et Bum is much more than a variety show. It is a musical icon; it’s all about music. But for every show to live up to its high expectations, tremendous preparation and teamwork is required. Wednesday morning is the first rehearsal with Bandmaster Julie Lamontagne and her musicians. From the guitarist to the trumpeter, the saxophonist to the drummer, the bassist to the keyboardist; the band is a true brotherhood. With this chemistry between members everything sounds great, even on the first try. And it better be, because the clock is ticking! Already on Wednesday afternoon, the week’s guests arrive to rehearse their pieces. This is the first time they hear their songs accompanied by Belle et Bum’s house band.

Sylvie Tremblay has stars in her eyes when she talks about the moment artists hear their melodies interpreted by the show’s musicians: "There is something truly magical that happens! Artists are carried away by the strength of the band. It’s beautiful to see!" The next day is already the dress rehearsal and the recording. Alongside production, the Artistic Director and her research team have to remain on top of anything new and interesting in the music industry. Invitations are sent to artists and the team manages their schedules with all the constraints that implies. All this so that the following week, production can build the next show. "Pure adrenaline!" according to Sylvie. We believe that!

Ms. Tremblay explains the full scope of the show: “I have worked at the planning of the national holiday in Quebec City, and to me, Belle et Bum is like a little national holiday of one hour and a half to prepare, every week. We create routines, we have several guests and we bring people together. It is a huge show. It was filmed live for 12 years. Today, it is recorded as if it was live, with the proper timing and the commercial breaks, in front of an audience. The challenge remains the same. You have to be very sharp to achieve that. Everyone is running around! It’s electrifying!”


Normand Brathwaite and Mélissa Lavergne – Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


A place for all artists


Behind the madness of creating a unique weekly show in a really short time, Belle et Bum aims to be as inclusive as possible. The show puts great importance on singers from all communities and backgrounds with a special emphasis on francophone songs. By being so accessible while remaining of the highest caliber, Belle et Bum supports many emerging artists. Several well-known songwriters, such as Pierre Lapointe, made their first television appearance on the show.

Since the fans of Belle et Bum love music, albums and live shows, many artists see their sales increase after the broadcast. This one-time appearance on TV becomes an accelerator; a great showcase for artists. By allowing emerging artists to perform on the same stage as established stars, variety remains present every week and everyone wins from it. For example, the duets with Ariane Moffatt and Milk and Bone and with Kevin Parent and Safia Nolin were particularly moving performances.

Sylvie Tremblay is very touched by what such musical encounters can bring: "There is something that happens on the human level when artists meet. They are not there to promote their work: it is a true moment of creation, above everything else. It doesn’t happen anywhere else and the public responds well to that. For example, I met a Colombian family where the mother told me that every week, she and her relatives drink cocktails and dance while watching Belle et Bum. It gave me chills! It's magical to see that the show can be a doorstep towards community integration. In remote areas too, people who do not have live shows [come to their towns] watch Belle et Bum to have access to music through Télé-Québec. It's very unifying!"


Sylvie Tremblay, Producer, Belle et Bum (© DATSIT Studios inc./Claude Dufresne)


Constantly evolving


Staying appealing after so many years of broadcasting is not easy. Therefore, the team has to constantly renew their ideas to maintain freshness and interest in the show. New ideas are precisely what drive Sylvie Tremblay, who joined the production team three years ago: “We have re-energized everything, we made it more modern. We changed the set, the position of the musicians, the lighting… I do not like to repeat what we did last year! It allows us to improve, to evolve and remain up to date.” In addition to the visual and technical aspects, one of the co-hosts also changed recently. Melissa Lavergne, percussionist with the show since the first day, has become the fifth Belle at Belle et Bum. Everything happened naturally, because Melissa was not an outsider: she knows the show very well. And she co-hosts with another musician who has been there since the beginning, Normand Brathwaite. Because he is always excited by the inclusive spirit of the show, Normand is a real ambassador; the one and only Bum!

Behind the weekly party that is Belle et Bum, Sylvie remains aware of the privilege and the challenge behind the show: "This is a time when budgets are increasingly tight. So we need to maximize what we have, use the strengths of each person and take a step back. Viewers feel like Belle et Bum will always be there but decisions are made one season at a time. For now, it is the talent of each member of the team that keeps the show alive. It's unique, precious and we want to preserve that." The only thing left to do is to wish continued success to Belle et Bum.

Join the party with Belle et Bum on Facebook, Twitter and their official website. The 14th season starts September 29th, 2016 at 9 PM on Télé-Québec.

To attend a live recording of Belle et Bum at the Théâtre National in Montreal, make a free reservation request online.

The Book of Negroes: Part Two | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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The Book of Negroes: Part Two

By Lindsey Vodarek / September 23, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Read Part One of this blog where we explore what made the producers of The Book of Negroes want to bring Lawrence Hill’s novel to the screen.

When producing an epic six-part mini-series, one of the main forces that will engage viewers and keep them coming back week after week is their attachment to the story’s characters. For Producer Damon D’Oliveira, finding the right cast was one of his most important jobs.


Aunjanue Ellis and Clement Virgo on set

In order to bring the full cast of characters to life, Damon and Director Clement Virgo held extensive auditions with people from all over the world. Being an international coproduction, they had plenty of choices and needed to represent both Canada and South Africa with top talent. The cast includes all-stars Aunjanue Ellis as Aminata Diallo (ABC’s Quantico), Lyriq Bent as Chekura Tiano (Rookie Blue), and Canadian rising star Shailyn Pierre-Dixon as young Aminata Diallo - all of whom won 2016 Canadian Screen Awards for their performances. Other lead cast include Allan Hawco as Solomon Lindo, Stephen James as Cummings Shakspear, Louis Gossett Jr. as Daddy Moses and Cuba Gooding Jr. as Sam Fraunces.

From the beginning, The Book of Negroes was a story with a unique perspective. When Lawrence Hill set out to write an epic about slavery in North America, paying particular attention to the Canada’s connection, he made an interesting choice – he made his main character a woman. This story is one of personal triumph, first and foremost, and in some ways the fact that the lead is a female makes it that much stronger.

“It’s the story of a woman’s life and her resilience in the face of incredible difficulties.”
– Lawrence Hill


Aunjanue Ellis and Lyriq Bent on set

When Aunjanue Ellis wrote a personal letter to Damon about how much she loved books growing up, her grandfather’s support and the importance of education, he had to see her in person. When they finally met, he knew at once they had found their Aminata.

Not only did she fit the role perfectly, she was always dedicated. On the very last night of shooting in Nova Scotia, they filmed a scene where Aminata has to escape from New York. It was midnight, cold, raining and in the middle of the woods. But as Producer Bill Niven recalls, Aunjanue didn’t hesitate or complain for one moment: “She nailed it! A consummate professional.” Not to mention she’s is a true sweetheart.

The next major role that had to be cast was that of Aminata’s friend and eventual husband, Chekura. Again the team saw a multitude of possibilities but in the end it all came down to chemistry. Lyriq Bent had the right chemistry with Aunjanue and the two lit up the screen.


Clement Virgo directing a scene in South Africa

In addition to the stars and supporting cast, the production employed hundreds of extras both in Canada and South Africa. Damon is extremely proud that the series is a Canadian production. He is grateful that this enabled him to discover new talent and to help lift them up along their journey; this includes helping newcomer Stephen James get the attention he deserves. But Damon is most proud of fighting for the bite-sized and brilliant Shailyn Pierre-Dixon.

"I couldn't imagine going through what she went through and still having the courage to fight," Pierre-Dixon says of Aminata's enduring strength through endless hardships. "I wanted to play her because she's just so inspiring to young women and to older women too and even to men. It's just an encouraging life lesson to everyone."
Shailyn Pierre-Dixon

Beyond shooting the mini-series, the cast and creators are involved in the larger issues surrounding the film. Back when Damon was in theatre school in NYC, he had a part-time gig answering calls for the General Assembly at the United Nations. Many years later, he had the opportunity to go back to that same place with Clement and Lou Gossett Jr. in memoriam of 250 years since the end of slavery in the United States. They held a special screening of The Book of Negroes with an audience Q&A. Clement told a personal story of when he was a boy growing up in Jamaica and the powdered milk his mother would receive from the UN World Food Program. Damon remembers a similar story growing up in Guyana. Long since Canadian citizens, they were both overwhelmed to be part of such a commemorative event.


Extras on the set in Nova Scotia

As mentioned in Part One of this blog, the series won the 2016 CSA for Best TV Movie/Limited Series and Best Cross-Platform Project – Fiction. It also won Best Direction in a Dramatic Limited Series, Best Writing in a Dramatic Program or Limited Series, Best Original Music Score for a Program, Best Production Design or Art Direction in a Fiction Program or Series, and Best Costume Design.

Conquering Lion Pictures is based in Toronto, Ontario but their work continues to take them to new territories. Clement is now executive producing the upcoming drama Greenleaf with Oprah Winfrey, directing two episodes. This summer Damon was shooting another Canadian novel-turned-film, The Grizzlies, which explores how learning the game of lacrosse helped end the suicide epidemic in one Nunavut community. As a producer, Damon is drawn to social issues and stories with big characters. Both will be working with Lawrence Hill again on the film version of his new book, The Illegal. CBC is onboard and production is scheduled to begin in 2017.

Now that you’ve got some behind the scenes details, watch again online at CBC.ca, Netflix, Shomi, Hulu or purchase The Book of Negroes on iTunes. Let the cast and creators know how the film has impacted you on Instagram, Facebook and Twitter.

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Mugshot

By Lindsey Vodarek / September 07, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

You never know where life is going to take you or what pit stops you’ll make along the way. For Producer/Director Dennis Mohr, it was a pit stop on his way home from the Hot Springs Documentary Film Festival in Arkansas that gave him the inspiration for his next documentary film, Mugshot. He stopped at gas station on his way to the airport where he picked up some local eccentricities - a pickle in a bag and The Slammer, a magazine of mugshots. He grabbed it for the plane ride home and kept it on his desk. What is it about mugshots that are so fascinating? A few months later he found a book by Mark Michaelson, Least Wanted: A Century of American Mugshots. And somewhere in between the modern and vintage versions, “from things that are terribly funny to things that are terribly tragic,” he found a story worth telling.


Various mug shots from Mark Michaelson’s Least Wanted collection

A graduate of the University of Windsor and Sheridan College, Mohr works behind the scenes as a broadcast technician at CBC and has previously worked in the gaming industry. Adding “filmmaker” to his list of professions, Mohr’s films are often based on photographic themes and the people who collect them. In essence, he makes documentaries about quirky people documenting quirky things. When it comes to mugshots, there was no end to the readily available slew of peculiar photos or the people who obsess over them. As a form of portraiture, Dennis finds it “the strangest form of photography!”

After his bolt of inspiration, Dennis went to Producer Charlotte Engel (Rock Yenta Productions), who he knew from her time at Bravo when they worked together on his previous film, Remembering Arthur. They reconnected and decided to coproduce Mugshot together, giving Dennis his first shot at directing.


Author, artist and collector Mark Michaelson

And so Dennis started rolling: “Just talk to somebody. Turn on the camera and just talk. Get to know them.” With less of a vérité and more of an intellectual style, he ended up filming at a 30:1 ratio (30 hours of footage shot to every 1 hour used). While this may sound like a lot, it is actually a relatively small ratio for documentary, which was helpful in making good use of a tight budget while paying everyone involved at scale or better.

The biggest challenge they had with the project was not finding interesting characters or subject matter but finding the best way to tell the story. With so many subjects, they took a cultural and sociological approach to find over-arching themes, while leaving the hot topic of ethics open for the audience to investigate themselves and draw their own conclusions. In this way, the film plays more like a scrapbook of a variety of stories. Working with Rob Ruzic to author it, shaping this narrative was largely done in post-production.

One of the other struggles the team had in getting the film made was convincing the Ontario Provincial Police to get involved. It took a year to convince them, but once they agreed all of the other heavyweights and experts they needed came on board as well. Having such strong credentials and access to information added to the film’s academic and educational value.

The OPP now use the film internally for officers and it is part of their travelling exhibit, Arresting Images. Researchers contact Dennis for its use regularly and it was featured in Ontario classrooms as part of the Docs for Schools curriculum.


Mugshot Producer Charlotte Engel and Director Dennis Mohr

The film was commissioned and distributed by TVO and Knowledge Network, with additional funding coming from the Canada Media Fund (CMF), tax credits and other funds. As well, the team employed a Kickstarter campaign, which got press in The Guardian, Huffington Post, and the New York Times.

It sold to Direct TV in the US and Dennis plans to sell it to a streaming service in the future. Filmed in Toronto, New York, Raleigh, NC and Pittsburgh, PA, the subject matter covers both Canadian and American mugshots, making it easier to distribute to our neighbour to the South.

The film screened at Toronto’s HotDocs International Film Festival, Yorkton Film Festival, FIFA (Montreal) and was welcomed at Hot Springs (Arkansas). Metro Morning, Now Magazine, Globe and Mail, and BlogTO all gave excellent reviews. And it doesn’t hurt to have author Mark Michaelson tagging you in “Take Your Own Mugshot” party photos!


Winning the Golden Sheaf Award, Dennis Mohr and Charlotte Engel

Mugshot was nominated for a 2016 Canadian Screen Award for Best Writing (Rob Ruzic) and took home the Golden Sheaf for Best Arts & Culture Doc 2014, where it was also nominated for Best Research. Dennis is proud of these accolades and that the project worked out both creatively and financially, using a Canadian crew. It’s built his reputation for future projects with his next, The Ravenite: A Very Antisocial Social Club, hitting screens in 2017 (Public Pictures).

In the meantime, don’t forget to mug for the camera! Watch Mugshot on TVO and Knowledge Network, and join the discussion on Facebook and Twitter.

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Au secours de Béatrice

D'espoir et de persévérance

By Myriam Kessiby / September 01, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Parfois, la vie nous confronte à toutes sortes d’épreuves et de défis. C’est le cas de l’urgentologue Béatrice Clément, personnage principal de la série Au secours de Béatrice. Elle doit faire face, chaque semaine, à de grandes contrariétés. Et tout comme elle, ses créateurs ont dû faire preuve d’une grande ténacité pour que cette série soit enfin présentée à l’écran. Une leçon de persévérance et d’espoir qui dépasse largement la fiction.

L’action d’Au secours de Béatrice tourne autour de cette spécialiste de la salle d’urgence; une femme pleine de nuances, de contradictions et d’ambiguïtés. Béatrice doit composer avec un travail stressant, un ex-mari trop présent, un jeune résident qui veut la séduire, un père contrôlant et un psychologue qui la pousse à voir plus loin qu’elle le voudrait.


Francine Tougas, scénariste (© Sarah Scott)

Il aura fallu presque deux décennies à l’auteure et scénariste Francine Tougas pour achever la rédaction de son roman Les mardis de Béatrice, qui a servi d’inspiration à la série télé. C’est après avoir lu ce roman, il y a environ 10 ans, que l’actrice, réalisatrice et productrice Sophie Lorain a vu le potentiel télévisuel de ce récit. Cependant, les droits n’étaient pas disponibles à l’époque. C’est environ deux ans plus tard, après une occasion manquée avec une autre équipe, que Francine Tougas s’est tournée vers Sophie Lorain pour qu’elle soit la productrice de la série. Ensemble, elles ont développé un angle télévisuel intéressant pour cette histoire qui, au départ, ne se passait qu’en huis clos entre le psychologue et sa patiente. Elles ont donc créé un univers pour les personnages, à partir des rencontres avec le psychologue qui sont décrites dans le roman. Le personnage de Béatrice Clément, qui travaillait dans le monde de la publicité dans le livre, est donc devenu urgentologue pour les besoins de la série.

C’est la maison de production télévisuelle Attraction Images, avec qui Sophie Lorain avait déjà travaillé à la réalisation de la série La Galère, qui a été choisie pour concrétiser le projet. Mais le travail ne faisait que commencer pour mesdames Lorain et Tougas. Après une première phase de développement avec le diffuseur TVA, l’équipe a produit quelques épisodes en format de 30 minutes, mais TVA a dû abandonner le projet, faute de budget. Imperturbable, la productrice Sophie Lorain est allée frapper à la porte d’un autre diffuseur, Radio-Canada, qui a demandé à ce que le projet soit complètement revu, mais la série n’a pas été retenue cette année-là. Malgré tout, l’équipe a gardé le cap. Après un concours de circonstances et grâce à une opportunité saisie au moment propice, l’équipe de TVA a pu finalement reprendre le projet en lui attribuant une case horaire d’une heure. Il a donc fallu revisiter le projet en entier, une troisième fois, pour faire des épisodes plus longs avec des budgets et des délais extrêmement serrés. Dans ce contexte, l’apport du Fonds des médias du Canada (FMC) a été essentiel à ce que Béatrice soit portée à l’écran.


Sophie Lorain dans le rôle de Béatrice Clément dans Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc./Pierre Ceépô)

Malgré des moyens restreints, la productrice n’a pas voulu laisser tomber le côté cinématographique de la série. La signature visuelle a été soigneusement travaillée pour différencier l’univers hospitalier de celui du cabinet du psychologue, tout en préservant une qualité d’image digne des plus belles séries à gros budget. Tout comme l’aspect visuel, la distribution vient, elle aussi, envelopper les textes de Francine Tougas avec une grande finesse. C’est d’ailleurs Sophie Lorain qui tient le rôle principal de Béatrice! Être à la fois productrice et actrice principale d’une série représente un travail colossal pour une seule personne. En plus de donner vie au personnage, madame Lorain doit constamment veiller à ce que la qualité de la production, à tous les niveaux, soit respectée. Un défi relevé haut la main puisque cette qualité se remarque. En effet, aux Gémeaux 2015, dans la catégorie Série dramatique annuelle, Sophie Lorain a remporté le prix de Meilleur premier rôle féminin; et Francine Tougas, le prix du Meilleur texte. Au secours de Béatrice a d’ailleurs été achetée par le diffuseur international TV5, permettant une visibilité de la série à travers toute la francophonie. Ces accomplissements sont une grande source de fierté pour l’équipe de production.

Mais au-delà de l’aspect technique, qui confère une signature toute particulière à la série, c’est surtout le propos abordé dans Au secours de Béatrice qui a su toucher le plus le cœur du public. Alors que le thème de la santé mentale peut rejoindre tout le monde, il est rarement traité directement dans les séries de fiction. C’était donc un grand risque à prendre, autant pour les producteurs que les diffuseurs, que de présenter une femme anxieuse à la télévision.


Sophie Lorain et la distribution de Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc.)

Aussi, ce n’est pas par hasard si l’environnement professionnel de Béatrice, choisi pour la série, est le domaine hospitalier. Au moment du développement de projet, Sophie Lorain a été interpellée par divers articles parus dans les journaux qui mentionnaient que les médecins pouvaient mettre dix ans, en moyenne, avant d’aller consulter pour un trouble de santé mentale. Ainsi, en décidant de présenter un personnage de médecin qui a des problèmes de santé mentale et qui est réfractaire à se faire soigner, la série touche à une réalité très concrète à laquelle le public peut facilement s’identifier. Et la réponse a été fulgurante. Dès la diffusion du premier épisode, présenté le 10 septembre 2014 à TVA, plus de 1,3 millions de téléspectateurs étaient présents pour suivre les déboires de Béatrice.


Plateau de tournage de la série Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc./Pierre Ceépô)

Produire une série qui n’a rien de traditionnel, ni dans son fond ni dans sa forme; et réussir à être accepté d’un large public, si rapidement, sur une chaine populaire est déjà une réussite exceptionnelle en soi. Mais, en fin de compte, c’est l’effervescence sur les réseaux sociaux qui a le plus souligné à quel point cette série a eu un impact important. Sans s’en rendre compte, à travers la poésie de Béatrice, les créateurs ont fait un certain travail d’éducation et ont permis une ouverture sur un sujet parfois difficile. En réponse, l’équipe a créé une série de vidéos présentant des ressources et des outils pour aider les gens à mieux vivre avec la maladie mentale.

Au secours de Béatrice devait être une petite série, mais elle aura permis d’accomplir de grandes choses. Si on combine le temps d’écriture du roman de Francine Tougas, et le temps de conception de la série avec Sophie Lorain, on cumule plus de 25 ans de travail avant de voir Béatrice Clément à l’écran. Il aura fallu faire preuve d’une ténacité et d’une conviction sans bornes pour réaliser ce projet. Cette persévérance se reflète dans les personnages de la série qui tiennent bon, malgré les difficultés … et cet espoir est désormais porté par les nombreux admirateurs de Béatrice.

Vous pouvez rejoindre Béatrice via sa communauté Facebook et son site officiel! Revoyez la série sur DVD, TVA et en ligne, sur illico. De nouveaux épisodes seront disponibles dès le 14 septembre à 20h, sur TVA.

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Au secours de Béatrice

Of hope and perseverance

By Myriam Kessiby / September 01, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Sometimes, life confronts us with all kinds of bad luck and challenges. This is the case in the life of emergency room doctor Béatrice Clément, the main character of the show Au secours de Béatrice. Every week, Béatrice faces many misfortunes and just like the character, her creators had to show serious determination to bring the series to screen - a lesson of perseverance and hope that goes beyond fiction.

Au secours de Béatrice is about an emergency room specialist; a woman full of contradictions, nuances, and ambiguities. Béatrice must deal with a stressful job, an ex-husband who is still hanging around, a young resident who wants to seduce her, a controlling father and a psychologist who pushes her far beyond where she would like to go. 


Francine Tougas, Writer (© Sarah Scott)

It took almost two decades for author and scriptwriter Francine Tougas to complete the novel Les mardis de Béatrice, which was the inspiration for the television series. It was after reading this novel about 10 years ago that actor, director and producer Sophie Lorain saw the television potential of this story. Unfortunately, the story rights were not available at that time. About two years later, after a missed opportunity with another producer, Francine Tougas finally turned to Sophie Lorain to ask her to produce the series. Together, they developed an angle to the story that would be compelling on television. Originally, the narrative took place in an enclosed space between a psychologist and her patient. Béatrice, the main character who worked in advertising in the novel, became an emergency room specialist for the television series.

Production company Attraction Images, with whom Sophie had previously worked as a director on the series La Galère, was chosen to bring the project to life with French language network TVA. But the hard work was only just beginning for Ms. Lorain and Ms. Tougas. After the first stage of development, where the team produced a few 30-minute episodes, TVA decided to give up the project. Unshakable, Sophie went knocking at the door of another broadcaster, Radio-Canada. However, after thoroughly revising the project the series was once again not selected for broadcast. Finally, after a combination of circumstances and the right opportunity taken at the right time, TVA’s team took back the project and allowed it a 60-minute time slot. Now Sophie and her team had to rebuild the entire project a third time to make longer episodes with rather tight budgets and even tighter deadlines. In the end, a funding contribution made by the Canada Media Fund (CMF) was essential in bringing Béatrice to the screen.


Sophie Lorain as Béatrice Clément in Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc./Pierre Ceépô)

Throughout this lengthy development process, the producers never thought about giving up on the cinematic style of the series. The show’s visual style was carefully crafted to preserve a production quality that could compete with any high budget series. Like the cinematography, excellent casting truly brings Francine’s work to life. Besides, it is Sophie Lorain herself who plays Béatrice! To be both the producer and main actor of a television series is tremendous work for one person. In addition to giving life to her character, Ms. Lorain constantly ensures that the quality of the production is respected at every level. In the Drama Series category at the 2015 Gemeaux Awards, Sophie won Best Leading Actress and Francine took Best Scriptwriting. Au secours de Béatrice was also bought by international broadcaster TV5, allowing the show to be seen in francophone countries around the world. These accomplishments are a great source of pride for the production team.

Beyond the technical aspects that give the series its unique look, it is the central topic of Au secours de Béatrice that unexpectedly touched the heart of the public. While mental health issues can have a major impact in people's lives, it is still something rarely addressed in fiction television. For the producers as well as the broadcasters, it was a great risk to take - to show an anxious woman dealing with her issues in psychotherapy on television.


Sophie Lorain and the cast of Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc.)

It was not by accident that the professional environment chosen for Béatrice was a hospital. At the development stage of the project, Sophie was intrigued by various newspaper articles stating that physicians could take an average of 10 years before seeking medical advice for a mental health disorder. By choosing to present the main character as a physician with a mental illness who is reluctant to get help, this series addresses a very real situation, which the audience can relate to. And the proof was in its amazing reception. On September 10th, 2014 on TVA, over 1.3 million viewers watched Béatrice for the first time.


Behind the Scenes of Au secours de Béatrice (© Attraction Images Inc./Pierre Ceépô)

For a television series that is anything but traditional to reach such a large audience on a very popular channel is a great success. But it’s the buzz on social media and online content that underlines the extent of the impact of the series. Without realizing it, the creators had opened a dialogue on a difficult topic. In response, they added a series of video resources for dealing with and accepting mental health issues.

Au secours de Béatrice was intended to be a small show, but it was only the beginning of many great things to come. Including the time needed by Francine Tougas to write her novel, and the time required to build the television series with Sophie Lorain, it took over 25 years of work before we saw Béatrice Clément on screen. It took great tenacity and conviction to make this project come true, and this perseverance is reflected in the characters of the series who hold on, despite their difficulties. Now that hope carries on, with the many fans of Au secours de Béatrice.

Join Béatrice and the community on Facebook and the Official website, and watch now on DVD, TVA or illico online. The show returns at 8pm on September 14 on TVA!

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Rollers of the Realm

By Lindsey Vodarek / August 19, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Dans le monde du jeu vidéo, c’est souvent le nouveau concept le plus grandiose qui attire le plus d’attention. Toutefois, au cœur de la plupart des créations modernes, il y a de la place pour la nostalgie. Combinant un récit fictif avec jeux de rôles au billard électrique de la vieille école, Rollers of the Realm propose le meilleur de deux mondes.


David Evans, directeur

Créé par l’équipe de Phantom Compass, Rollers of the Realm a été dirigé parle directeur David Evans et des producteurs Ericka Evans et Tony Walsh. David avait une vision d’un monde archétypique peuplé de personnages classiques et caractérisé par des thèmes popularisés non seulement dans des jeux vidéo, mais aussi aux petit et grand écrans. Il a donc créé un monde fantastique de « magie basse » habité par un groupe de personnages mésadaptés, puis y a ajouté un jeu d’arcade classique. Le jeu de rôle et le billard électrique sont enfin réunis!

Ayant complété un projet antérieur, Phantom Compass a voulu passer à un niveau supérieur et Rollers of the Realm était le jeu tout désigné pour le faire! Initialement, le jeu devait faire l’objet d’un projet sur six mois, mais le studio s’est rapidement rendu compte qu’il avait besoin de plus de ressources et d’une équipe élargie. Le petit studio indépendant comptant quatre employés a rapidement pris de l’ampleur et emploie aujourd’hui 22 personnes! Dans les faits, Phantom Compass a franchi un niveau supérieur à plus d’un égard.

Lancé en 2014 par l’éditeur partenaire Atlus USA, Rollers of the Realm a reçu d’excellentes critiques de la part de Destructoid et de Polygon ainsi que sur YouTube (Leo Takes a Look, The Hermit et Jesse Cox). Cependant, le lancement a coïncidé avec l’une des semaines les plus occupées de l’histoire de PlayStation. En effet, Phantom Compass a frappé un mur en rendant son jeu public le même jour où furent livrés Assassin’s Creed et d’autres grands titres. Ce fut un important apprentissage pour Phantom Compass concernant la nature du marché et l’importance de la découvrabilité. Néanmoins, l’appréciation des utilisateurs sur Steam s’est avérée très positive (90 %) et les adeptes ont été nombreux à se rallier à ce jeu unique et captivant.


Rollers of the Realm “Throne Room”

En plus de l’initiative de marketing mise de l’avant par l’éditeur du jeu, Phantom Compass a organisé une série de discussions diffusées en direct, de blogues et de kiosques de présentation dans le cadre de conférences et d’événements – ce qui a eu une incidence notable sur le nombre de téléchargements. Tony, Ericka et l’équipe ont fait la tournée des conférences consacrées aux jeux indépendants, dont InPlay, le Game Developers Conference (GDC), Casual Connect, PaxEast et IndieCade (l’équivalent du festival Sundance du jeu indépendant!). Au GDC, Rollers of the Realm a remporté le prix « Best in Play » et fut nominé pour un prix du jeu Digi et le titre de « Best Desktop Game » au Casual Connect.

Lors de la conception du projet, l’équipe a voulu éviter de créer un jeu type dominé par des personnages masculins et a plutôt opté pour un éventail plus diversifié de personnages. Ce fut un choix délibéré de choisir une jeune protagoniste comme héroïne et de plonger Rollers of the Realm dans un monde davantage axé sur le multiculturalisme. Le jeu reflète les valeurs de l’équipe – des valeurs qu’elle espère que les Canadiens partagent.

Après tout, ce jeu est le fruit du talent canadien. Ericka continue de favoriser le développement de ce talent en livrant des présentations dans des établissements d’enseignement postsecondaire à proximité : l’Université Brock, le Collège Niagara (où elle préside le comité consultatif des programmes) et le Collège Sheridan. Surtout, ils travaillent à encourager plus de femmes à se lancer dans le développement de jeux. De plus, il arrive souvent que des groupes d’élèves d’âge primaire ou secondaire débarquent pour faire la visite des installations de Phantom Compass.


Jos Yule, Tony Walsh et Ericka Evans (Phantom Compass partenaires de l'entreprise)

À l’extérieur de St. Catharines, c’est vraiment Rollers of the Realm qui a fait connaître Phantom Compass à l’échelle internationale et aidé le studio à prendre du galon dans l’industrie. Dans les congrès, le développeur est fier d’être à la hauteur de la norme de l’industrie : les produits canadiens sont gages de qualité et d’expérience. Phantom Compass couvre un grand territoire, car Tony est à Toronto et le bureau principal se trouve dans la ville avoisinante de St. Catharines. En fait, c’est en quelque sorte un secret de polichinelle, mais une bulle du jeu et de la technologie prend de l’ampleur à St. Catharines et Phantom Compass y est pour beaucoup.

Quant à sa plus grande fierté en ce qui concerne Rollers of the Realm, Tony considère que ce jeu représente un important jalon pour l’entreprise, qui a réussi à atteindre ses objectifs en matière de croissance. Le jeu s’est révélé un point tournant, permettant à Phantom Compass de renforcer ses capacités et d’accroître la valeur de production de ses projets.

« Les gens ont les yeux illuminés pendant qu’ils jouent. Lorsqu’ils aiment le jeu, ils l’adorent! » – Ericka Evans, productrice chez Phantom Compass

Ericka est fière de son l’équipe, qui a osé prendre un grand risque sur le plan de la conception et a remporté son pari. Nombre de joueurs lui ont avoué qu’ils attendaient la sortie d’un tel jeu! Le billard électrique et le jeu de rôle sont à jamais réunis.

À votre tour maintenant de jouer à Rollers of the Realm sur PC et PlayStation. Interagissez avec les créateurs et la communauté sur Facebook, Twitter et YouTube. De plus, surveillez sur Steam le lancement d’Auto Age, le prochain jeu à venir de Phantom Compass au cours de l’automne 2016!

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Rollers of the Realm

By Lindsey Vodarek / August 19, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

In the world of video games, it’s often the biggest new concept that captures the most attention. But in the middle of the most modern creations, there’s room for nostalgia. Mashing up a narrative role-playing fantasy game with old school pinball, Rollers of the Realm offers both.


Game Director, David Evans

Created by the team at Phantom Compass, Rollers of the Realm was led by game director David Evans and producers Ericka Evans and Tony Walsh. David had a vision for an archetypal world, with classic characters and themes popular not only in video games but also on TV and in Film. He created a world with a “low magic” fantasy setting and a misfit gang of characters – and then added a classic arcade game. RPG and pinball, together at last!

Coming off of a previous project, Phantom Compass wanted to level up and Rollers of the Realm was the game to do it. Initially, the game was envisioned as a six-month project but the team soon realized they would need more resources and that a new extended team was required. Their small indie studio of four employees quickly ballooned to 22! Indeed, they reached the next level in more ways than one.

Launched in 2014 by publishing partner Atlus USA, Rollers of the Realm received fantastic reviews on Destructoid and Polygon as well as Leo Takes a Look, The Hermit and Jesse Cox on YouTube. However, the launch was one of the busiest weeks ever on PlayStation. They hit the perfect gaming storm by releasing on the same delivery day as Assassin’s Creed and other major titles. This was a key learning for Phantom Compass about the nature of the market and the importance of discoverability. Nevertheless, their Steam user rating was very positive (90%) and fans rallied around this unique and captivating game.


Rollers of the Realm “Throne Room”

In addition to the marketing done by the game’s publisher, Phantom Compass did a series of Live Stream talks and blogs, as well as demo booths at conferences and events. This had a measurable impact on downloads. Tony, Ericka and the team toured the Indie Game conference scene, including InPlay, the Game Developers Conference (GDC), Casual Connect, PaxEast and IndieCade (the Sundance for indie games)! At GDC, Rollers of the Realm took home an award for Best in Play and was nominated for a Digi Award in Gaming and Best Desktop Game at Casual Connect.

When creating the project, the team didn’t want to have a typical male-dominated game and instead went for a more diverse range of characters. It was a conscious choice to make the hero a young female protagonist and for the Realm to be a more multi-cultural world. The game reflects the team’s values and is something they hope resonates with Canadians.

After all, it’s Canadian talent that created the game. Ericka continues to foster the development of such talent, giving talks at nearby post-secondary institutions Brock University, Niagara College (where she is Chair of the Program Advisory Committee), and Sheridan College. They especially work to encourage more women to get into gaming. As well, it is common for high school and elementary school classes drop by Phantom Compass for tours.


Jos Yule, Tony Walsh and Ericka Evans (Phantom Compass company partners)

Outside of St. Catharines, Rollers of the Realm really put Phantom Compass on the map internationally and helped them to gain more respect. At conventions, they are proud to be part of the Industry standard: that Canadian means quality and experience. With Tony in Toronto and the main office in nearby St. Catharines, Phantom Compass covers a large area. In fact, it’s been somewhat of an open secret, but a gaming and technology bubble is on the rise in St. Catharines, with Phantom Compass playing a large role in its development.

When it comes to what he is most proud of about Rollers of the Realm, Tony sees the game as a big milestone for the company. They managed to achieve what they wanted from a company growth perspective and it became a turning point, allowing them to develop the company’s capabilities and higher production value projects.

“Peoples’ eyes light up when they play it. When they like it, they love it!” – Ericka Evans, Producer, Phantom Compass

Ericka is proud that they took such a big design risk and were successful. They had gamers say that they were waiting for this! Pinball and RPG together, forever.

Join them and Play Rollers of the Realm on PC and PlayStation. Interact with the creators and community on Facebook, Twitter and YouTube. Plus, stay plugged into Steam for the launch of Auto Age, the next game from Phantom Compass coming this Fall 2016!

Muneeza in the Middle | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Muneeza in the Middle

By Lindsey Vodarek / August 04, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

A fundamental part of our Canadian identity, multiculturalism is a concept that Filmmaker and Producer Hoda Elatawi is intimately familiar with. Originally from Egypt, Hoda came to Canada when she was 4-years-old. Living and working in Ottawa for over 20 years with her husband, Ken Stewart, Hoda has remained passionate about the challenges faced by an ever evolving culture. Together they run GAPC Entertainment. While much of her work focuses on children’s programming, such as the new show mathXplosion for TVO and TFO, she has always been passionate about documentary film. Her two passions came together for her first feature film, Muneeza in the Middle.


Hoda Elatawi (Director) and Muneeza Sheikh

While researching a film about multiculturalism, Hoda met Muneeza Sheikh after Sheikh and three other law students gained notoriety for taking Maclean’s Magazine to the Human Rights Commission over an article they saw as Islamophobic. They lost the case but gained a lot of attention by speaking out against Islamophobia. It was Muneeza’s personality and brash confidence; her certainty over how her life would unfold, that first drew Hoda to her. The film explores the competing pressures in Muneeza’s life as she attempts to resolve conflicts between her flashy lifestyle as a fashion-savvy lawyer and her desire to become a “good” Muslim mother.

In order to gain the intimate access needed to make a documentary film, Hoda and Muneeza got to know each other over a long period of time, building a personal bond and trust between them. From development through filming, it took five and a half years to document Muneeza and her family’s story. Primarily shot in Muneeza’s home just north of Toronto, Director Hoda Elatawi, Director of Photography Iris Ng and Co-Writer/Editor Christopher Redmond captured a stunning amount of footage. A film about multiculturalism quickly became a character driven piece with the goal of addressing the universal question of identity.


Christopher Redmond (Co-Writer, Editor), Hoda Elatawi (Director) and husband Ken Stewart at CBC premiere

A story about second generation Muslims living in Western culture is a subject of interest to both Canadians and international audiences. Hoda pitched the project to the CBC who licensed the film for their Documentary Channel and with the help of funding from the Canada Media Fund (CMF) and other government tax credits, GAPC was able to continue to film over the five-year period. Premiering in early 2015, the film is now distributed in the US and D360 is looking to distribute it to high schools and post-secondary institutions.

As a first time director, Hoda was terrified that people wouldn’t like her work. What filmmaker doesn’t fear the worst? But she couldn’t have been more wrong! The audiences at live screenings really related to the subject matter. The film was supported on various levels by the Islamic community, premiering to a packed house at the Noor Cultural Centre in Toronto and then again at the Mayfair Theatre in Ottawa. At the Ottawa screening, Hoda’s friend and mentor, a Professor of Religion at Carleton University, expressed her “thanks and gratitude for making an important film like this.”


Hoda Elatawi (Director) and Muneeza Sheikh at CBC premiere

CBC’s Industry sneak peek at the Glen Gould Theatre in Toronto was followed by a Q&A with one of Hoda’s favourite journalists, Carol Off, host of CBC's As It Happens. From there the film garnered amazing press with favourible articles in the Toronto Star, Montreal Gazette, Ottawa Citizen, Ottawa Sun, and AnokhiMedia.

The film has also screened at the Mosaic International South Asian Film Festival, NYC Independent Film Festival and Riverside International Film Festival. Hoda won the Best Director Award at the 2015 Ottawa Independent Video Awards and the Women Filmmaker Award at The Indie Fest.

Hoda is grateful to the CMF and other funders for their contributions to her work and the Industry. They helped put GAPC on a path towards growth, and have partnered on projects for almost 20 years. It’s important to her as a creative producer to have that kind of support while she continues to have one hand in the fire of production and the other continually stirring the development pot. Just like Muneeza, everyone needs a champion. When asked whether there would be a sequel produced in the future, Hoda is hopeful that the project she has in development, which touches on some of the same themes, will soon get the full green light.

For now, stay in touch with Muneeza and check out Facebook, Twitter or the Documentary Channel for future screening times. What’s your cultural middle ground?

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Camp Marécage

By Lindsey Vodarek / July 21, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Le camp d’été le plus dangereux et le plus emballant au monde!

Pour une troisième saison, Camp Marécage présente les aventures dans un effrayant camp d’été du farceur de 12 ans McGee en alliant brillamment horreur et comédie. Juste assez de frissons pour des enfants de 6 à 11 et une abondance de rires ! Cette série d’animation signée Eric Jacobson et Betsy McGowen est distribuée depuis ses débuts par 9 Story Media Group, à Toronto.


Squirt, McGee et Gretchen – bienvenue à Camp Marécage!

En tête du palmarès canadien de Teletoon, cette série compte parmi les plus grands succès de distribution mondiale de 9 Story. Disney XD a acquis la série aux États-Unis, en Grande-Bretagne, en Afrique, en Asie, en Inde, au Japon, en Amérique latine et au Moyen-Orient. Ses droits de diffusion ont été vendus en Australie, en France, en Allemagne, en Israël, en Italie, au Mexique et en Nouvelle- Zélande. Quant à lui, le jeu relié à Camp Marécage intitulé Protect the Flag connaît une popularité internationale, surtout en Amérique latine.

Au Canada, 50 personnes travaillent à chaque épisode, notamment des animateurs, des acteurs qui prêtent leurs voix aux personnages et Tanya Green, la superviseuse de la production et vice-présidente, production. Chacune des émissions est issue d’un processus créatif évolutif intégral. Pour mener la série toujours plus loin, 9 Story a créé un environnement collaboratif où chacun doit proposer des idées nouvelles. En travaillant de cette façon, chaque membre de l’équipe détient un coin du Camp Marécage.

« Le produit fini rayonne de joie. » Jennifer Sherman, réalisatrice

Animatrice au début de sa carrière, la réalisatrice de la série Jennifer Sherman a rempli les rôles de régisseuse lors de la deuxième saison, puis de réalisatrice lors de la troisième. Elle motive l’équipe et travaille de près avec les principaux animateurs qui donneront vie à leurs idées.


Steve Murphy (producteur), Jennifer Sherman (réalisatrice de la série) et Tanya Green (superviseuse de la production et vice-présidente, production – 9 Story Media Group)

Après avoir pris part à la production de fictions, le producteur Steve Murphy est revenu à sa passion pour l’animation pour Camp Marécage. Il explique que l’animation est beaucoup plus prenante que la fiction et affirme qu’un épisode nécessite de 35 à 40 semaines de travail.

Le plus grand défi en matière de création est de traduire le germe d’une idée ou un concept en histoire complète qui soit amusante, apeurante, touchante et appropriée à l’auditoire. Le deuxième défi consiste à ajuster le scénarimage qui matérialise ces idées en fonction du scénario final. Parfois, ce qui est hilarant à l’écrit ne l’est plus à l’écran. Créer du comique visuel est un art, et la production de contenus amusants pour les enfants comporte une dose supplémentaire de créativité et de responsabilité.

La série a été citée pour des nombreux prix dont un prix Cynopsis Kids !magination dans la catégorie nouvelles séries 6-11 ans en 2014, un prix Écrans canadiens en 2015 dans la catégorie meilleure réalisation, émission ou série d’animation, un Prix d’excellence 2015 de l’AMJ dans la catégorie meilleure émission de télévision, animation 6-8 ans et un ACTRA en 2016 dans la catégorie meilleure performance vocale, pour la voix d’Adrian Truss (Armand). En 2015, l’équipe a remporté un prix Pixie Platinum dans la catégorie effets visuels.

Bien que le large éventail de personnages confère à la série une saveur internationale, on reconnaît bien la réalité nord-américaine du camp d’été qui a inspiré ses créateurs. Les montagnes évoquent celles du parc national du Canada Jasper et d’autres merveilles naturelles de l’ouest canadien. Ce qui n’empêche pas les monstres du camp d’explorer l’espace ou de voyager grâce à des portiques magiques.


Saison 2 de Camp Marécage "Itchy Witchy Pizza Project"

Les côtés rigolos des personnages sont souvent immortalisés dans le cadre d’enregistrements collectifs. Les acteurs peuvent ainsi plaisanter, interagir et parfois improviser en mode impeccablement synchrone. Cette série, dont la réalisation et la supervision sont assurées par des femmes, promeut la parité des sexes à l’écran et en tous lieux. La sarcastique ceinture noire Gretchen est la meilleure amie de McGee. Elle ne s’en laisse jamais imposer, aime les concours de beauté et vit sa vie malgré les mucosités verdâtres et pets supersoniques ambiants. Rosebud, la cuisinière du camp, est une véritable forteresse interprétée avec brio par Jonathan Wilson.

Plusieurs des nombreux mordus de Camp Marécage s’en inspirent pour créer. C’est le cas de jeunes jumelles américaines qui ont écrit à l’équipe qu’elles rêvaient d’une fête d’anniversaire sur le thème de Camp Marécage. Pour leur faire une surprise, 9 Story a mis au point une trousse festive spécialement pour elles. Plus qu’heureuses, les filles ont diffusé des images de leurs fantastiques célébrations dans les médias sociaux.

Cet été, amusez-vous au Camp Marécage sur Facebook, Twitter et YouTube. Suivez la série sur Teletoon et voyez les émissions des saisons précédentes sur iTunes.

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Camp Lakebottom

By Lindsey Vodarek / July 20, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

The most dangerous and exciting summer camp in the world!

Now in its third season, Camp Lakebottom, about 12-year-old prankster McGee and his adventures at a spooky summer camp, cleverly marries horror with comedy - just scary enough for kids aged 6-11 with a whole lot of laughs! Created by Eric Jacobson and Betsy McGowen, the animated series first found its home at 9 Story Media Group in Toronto.


Squirt, McGee and Gretchen – welcome to Camp Lakebottom!

The show has been rated the #1 Canadian show on Teletoon and is one of 9 Story’s top internationally distributed shows. Disney XD acquired the show in the US, UK, Africa, Asia, India, Japan, Latin America and the Middle East. In addition, it has been sold to Australia, France, Germany, Israel, Italy, Mexico and New Zealand. The Camp Lakebottom game Protect the Flag is wildly popular all over the world, especially in Latin America!

Back at home it takes about 50 people to complete each episode, from the animators and voice actors that bring the characters to life, to Tanya Green, Supervising Producer and Vice President, Production. Creating an episode is an evolving process at each stage of the project. The collaborative environment at 9 Story means that everyone is asked to contribute ideas and to take the show to the next level. In this way, everyone that works on the show owns a piece of Camp Lakebottom.

“Joy shows through on the end product.” Jennifer Sherman, Director

Starting her career as an animator herself, Series Director Jennifer Sherman came on board in Season 2 as Assistant Director and then took over as Director for Season 3. She rallies the team and works in collaboration with lead animators to bring their creative ideas to life.


Steve Murphy (Producer), Jennifer Sherman (Series Director), and Tanya Green (Supervising Producer & Vice President, Production – 9 Story Media Group)

Producer Steve Murphy previously worked on live-action production but came back to his first love of animation for Camp Lakebottom. He describes the animation process as much longer than live action, taking 35-40 weeks to complete each episode.

The biggest creative challenge in production is how to springboard from a nugget or concept to a full story that is funny, scary, engaging and age appropriate all at the same time. The next biggest challenge, once you’ve got the script locked, is tweaking the storyboard’s visual representation of the ideas. Sometimes what’s hilarious on the page doesn’t always translate to the animated screen. Making jokes visually funny is a true art form. As well, making material funny for children adds another layer of creativity and responsibility.

The show has been nominated for numerous awards including a 2014 Cynopsis Kids !magination Award nomination for New Series 6-11, a 2015 Canadian Screen Award nomination for Best Direction in an Animated Program or Series, a 2015 YMA Award of Excellence nomination for Best Television Program, Animation 6-8 and an 2016 ACTRA nomination for Outstanding Performance – Voice for Adrian Truss (Armand). In 2015, the team took home a Pixie Platinum Award for Visual Effects.

While the show has a distinctly international feel with its broad cast of characters, viewers can’t help but feel at home when it comes to the very North American experience of camp that the show was inspired by. The mountains resemble those found in Jasper National Park and other western Canada nature settings. At the same time, this camp doesn’t stop its monsters from exploring space or traveling through magical portals!


Camp Lakebottom Season 2 “Itchy Witchy Pizza Project”

The hysterical cast of characters is often captured through ensemble recording. This allows the actors to have impeccable timing and better banter, playing off each other with some ad-libbing.

With a female director and VP Production, the show promotes gender parity both on and off screen. The sardonic black belt Gretchen is best friends with McGee. She kicks butt on a regular basis, likes beauty pageants and has to handle lime green ooze and super-powered farts. The camp cook Rosebud is a strong and tough lady, interestingly played by Jonathan Wilson.

Camp Lakebottom has a lot of fans, many of whom create amazing fan art. Two of the show’s biggest fans are twins from the United States who wrote to the team about wanting to have a Camp Lakebottom birthday party. As a surprise, 9 Story put together a special package - a party kit that they created especially for them. The girls were ecstatic and shared their amazing party on social media.

Join the fun at Camp Lakebottom this summer on Facebook, Twitter and YouTube. Watch on Teletoon and get past seasons on iTunes. And don’t forget to Protect the Flag!

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Boundless

By Lindsey Vodarek / July 14, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Four ultra-athletes are put to the test in some of the most extreme races on Earth.

Boundless
Boundless ultra-athletes Simon Donato and Paul “Turbo” Trebilcock

Now in its third season, Boundless by Henry Less Productions (HLP) follows the crazy adventures of friends Simon Donato and Paul “Turbo” Trebilcock as they compete in extreme endurance races in countries around the world. While documenting extreme sports has become mainstream, the idea to follow around a pair of competitive athletes as they attempt to complete extreme races they have never done before, is a unique concept.

It all started when Simon and Turbo, who were competing in Alberta’s Canadian Death Race, brought the Eady brothers (Director Joshua and Director of Photography Jordan) along to capture their experience on tape. Having enjoyed that process, the group approached HLP with the idea to shoot their adventures as a series. HLP, who loved the concept, went straight to Blue Ant Media, as Boundless seemed like a perfect fit for Blue Ant’s Travel & Escape Channel, now radX.

For this passionate team of creators, energy and adventure is a way of life. And this is important, as Boundless shoots with only a seven person crew including Simon, Turbo, the Series Producer, Director, DOP, Production Manager and 2nd Camera. For Season 3, the group will expand to a team of nine, with new co-adventurers Rory Bosio and Hunter McIntyre joining the gang.


Co-creator and Director of Photography Jordan Eady in the Sahara Desert

With races lasting anywhere from 3 hours to 7 days, it is often a race for the crew, as well as the cast. To capture the action, the crew has to camp, trek and push towards the finish line, every step of the way, along with the cast. So, when HLP was looking for a crew, they looked for athleticism in addition to top-notch production skills. And there is no mode of transportation too challenging for them! Helicopter, snowmobile, ATV, scooter, kayak, skis, or on foot, they are always up to the task.

As for the racers, there is no sport too challenging. Whether it be an outrigger canoe, stand up paddleboard, mountain bike, running or repelling – they will take it on. But while these guys and gal are great athletes, there is plenty of training involved – and they try their hardest to keep up with the pros who train for these type of races for years. They are often fish out of water, experiencing new surroundings and attempting feats for the first time. While the challenges can be exceedingly tough, Simon says “one of the best ways to get through suffering is to take your mind off the suffering.” 

When deciding what races the cast are going to do, the team looks at what races are the most extreme but perhaps not the most well-known. Series Producer Steven Bray and Production Manager Merewyn Wagner break down each race to figure out how to shoot it to get the best coverage and to really make the show exciting. In certain cases where sections of the race are not crew-accessible, Go-Pro Cameras come to the rescue!


Angela Donald, Supervising Producer

Each of the locations has afforded the team the opportunity to experience different cultures. Two of Supervising Producer Angela Donald’s favourite episodes are the races in Kenya and Hawaii. For Simon, Mexico was a particularly challenging race as he returned to an area where he previously spent time as part of a search party looking for a dear friend. In Thailand, Turbo connected with his spirituality on a whole new level. Everyone was impacted by the race in Cambodia when another friend and co-racer almost died and had to be air-lifted out. So far only two of their adventures have taken place in Canada (Yukon Arctic and Tobermory, a community of Northern Bruce Peninsula) but the team brings their uniquely Canadian sensibilities wherever they go.

See how you do with the Boundless World Trivia Quiz!


The official Boundless production map

When it comes to what she’s most proud of, a teary-eyed Angela says, “It’s a HARD show! I’ve never been prouder of a unit with such respect and love for each other that they can get through it – the tough conditions, tight deadlines and condensed budget – this show almost should have been impossible.” 

Henry Less Productions (HLP) is located in Toronto, while Turbo hails from nearby Hamilton and Simon lives in Canmore, Alberta. Simon’s other adventures include running Adventure Science, which pairs ultra-endurance athletes with scientists to explore and conduct research, and his own line of extreme athlete nosh, Stoked Oats, as seen on CBC’s Dragons’ Den.

Catch the guys on their crazy, breathtaking adventures, Wednesdays at 9pm on radX in Canada and Tuesdays at 10pm on Esquire in the US. Boundless is distributed around the world by Breakthrough Entertainment. Connect with the team, get extreme athlete tips and follow their adventures on Facebook, Twitter and Instagram.

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A Celebration of Canadian Film & TV

July 13, 2016 / Posted in: Canadian Screen Awards

Highlights from the red carpet at the 2016 Canadian Screen Awards.

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Murdoch Mysteries

By Lindsey Vodarek / July 05, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

A television dynasty traverses a decade of Canadian history.

The busy production executive works away, a stack of books sitting on the corner of her desk – will she ever have time to take a look? In comes a colleague, who happens to notice them: “Oh, these books are great!” A valued opinion from a trusted friend puts the books into focus. And that’s how it happened in the case of Murdoch Mysteries. Executive Producer and Shaftesbury CEO Christina Jennings then reached out to author Maureen Jennings and the creation of the show began.

The show is now in production on its 10th season making it one of the longest running shows in Canadian TV history. Airing in 110 countries, it is one of the most popular shows in France, running a three-hour marathon every Sunday (France3). In England, it is also wildly popular (#1 on Alibi) and draws in fans with Downton Abbey guest stars. At home, 1.4 million viewers regularly tune in Mondays at 8pm on CBC, making it the top-rated Canadian scripted show and ranking in the overall Top 30 every week.

Murdoch Mysteries
From L-R – Lachlan Murdoch (Constable Higgins), Georgina Reilly (Dr. Emily Grace), Hélène Joy (Dr. Julia Ogden), Yannick Bisson (Det. William Murdoch), Jonny Harris (Constable George Crabtree), Arwen Humphreys (Mrs. Brackenreid), Thomas Craig (Inspector Brackenreid)

The show has garnered many awards over the years. Most recently it was named Playback Magazine’s TV Show of the Year and Yannick Bisson (William Murdoch) won Fan Favourite at the 2016 Canadian Screen Awards. Not only is it award-winning, Murdoch has created over 10,000 jobs with most of the crew onboard since the beginning.

When it comes to the cast of characters created for the show, both Christina and Producer Julie Lacey felt it was important to have a lead female character as strong as Murdoch. And so, while not in the original book series, Dr. Julia Ogden came to life on the small screen. The show boasts plenty of other female characters that are not only wives and girlfriends, such as Rebecca James, Dr. Emily Grace, and a new investigative reporter appearing this season. Gender parity is reflected behind the scenes as well, with many female writers, producers and directors making up the production team.


Doctors Grace (Georgina Reilly) and Ogden (Hélène Joy) take part in a protest for women’s suffrage at Queen’s Park, led by Margaret Haile (Nicole Underhay)

With strong women and men alike, Murdoch Appreciation Societies are plentiful. The audience continues to grow and is starting to attract a younger demographic. For their 100th episode screening fans packed the CBC atrium. Last summer a 2-day event in Toronto attracted over 2,500 people, many dressed in period costume! Others wore more modern Murdoch styles or rotated though the vast collection of Murdoch swag, which is continuously in demand.

“What have you, George?”William Murdoch

One of the best events was The Infernal Device, a steampunk-inspired detective extravaganza set across Canada and London, England. Fans were invited to join in the sleuthing over six weeks of Season 9. They connected at live events and unlocked clues in online games to help solve the case. This award-winning transmedia project immersed us in the world of Murdoch like never before. You can still play a version online and word has it that there’s more to come in Season 10!


2015 Fan Event – fans line up in the Murdoch Mysteries back lot for a photo with the cast

Perhaps the most memorable Murdoch moment for Christina was when she got a call from then Lieutenant Governor of Ontario David Onley, informing her that “the Prime Minister and his family love Murdoch and they want to come to set!” The present collided with the past as Sergeant Armstrong (played by former Prime Minister Stephen Harper) met Sir Wilfred Laurier. Other memorable episodes for cast and crew include the time they were up in Dawson City, Yukon exploring the Klondike and out in St. John’s, Newfoundland for the cross-over episode with Republic of Doyle.

When it comes to what she’s most proud of, Christina says that depicting Toronto and Canada’s history is of utmost importance to her. The show portrays a Canadian sensibility to international audiences in over half the world with large fan bases in the US, Australia, China, and even Finland where it was the most watched foreign program in 2014.

Fundamentally, Murdoch is a show set in Toronto at the turn of the 20th century. Since many of Toronto’s historical buildings have been demolished, the crew shoots in surrounding Southern Ontario areas such as Aurora, Cambridge, Dundas and Port Hope, to gather interesting exteriors shots. They also rely on visual effects, even animating a period postcard and using it as a green screen backdrop!


Christina Jennings, Executive Producer and Shaftebury Chairman & CEO, and Yannick Bisson

In order to keep the authenticity of Toronto circa 1900, the art department and continuity editors work tirelessly on detail. Adding fountain pens and removing modern streetlamps are a daily occurrence. The standing sets at the Toronto studio include the police station, morgue and the outdoor streetscape.

With the crew already working hard, Season 10 holds plenty of surprises and some great plot twists in the season premiere with debutantes in pursuit of Toronto’s most eligible bachelor and the Great Fire throwing the city into chaos.

Join them and the fan community on Twitter, Facebook, Instagram and Pinterest and get the show’s companion guide for even more details.

Previous seasons have aired on City, FX Canada, VisionTV, TVA and on Netflix and iTunes Canada. Season 10 premieres this fall on CBC.

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The Importance of Diversity on Screen

June 23, 2016 / Posted in: Canadian Screen Awards

Eye On Canada asks "How important is diversity on screen in the film & television industry?" Highlights from the red carpet at the 2016 Canadian Screen Awards.

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My Singing Monsters

By Lindsey Vodarek / June 16, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

Big Blue Bubble, de London, Ontario engendre monstres, musique et succès.

 

Damir Slogar, fondateur et président de Big Blue Bubble
Damir Slogar, fondateur et président de Big Blue Bubble

 

My Singing Monsters est un jeu vidéo sans égal où les joueurs peuvent élever et nourrir des monstres chantants pour créer des mélodies uniques. L’idée d’un monde peuplé de créatures amusantes avec lesquelles on peut faire de la musique est née dans l’esprit fertile d’un ancien musicien employé comme concepteur chez Big Blue Bubble. Damir Slogar, fondateur et président de la société, a immédiatement aimé l’unicité de l’idée. Mais lors de la première phase d’essai, il était conquis.

Né en Croatie, Damir s’est installé à London, en Ontario, il y a 17 ans. Il détient une trentaine d’années d’expérience acquise d’abord dans divers studios de création de jeux, puis dans le sien. Big Blue Bubble est devenue une importante société multiculturelle regroupant surtout des diplômés de l’Université Western et du Fanshawe College.

My Singing Monsters a été précédé par Burn the Rope, un très grand succès instantané. À son tour, Burn the Rope, amplement couvert par les médias, a obtenu plus d’un million de téléchargements en 24 heures – et cela que pour l’iPhone! Cette réussite foudroyante s’est répétée lors du lancement de My Singing Monsters. Même si le jeu a été présenté en vedette par Apple, personne ne s’attendait à ce qu’il soit téléchargé plus d’un million de fois et que les joueurs y retourneraient 4 à 5 fois par jour. L’équipe a du faire des ajustements de taille aux systèmes pour supporter une telle demande.

 

A l'intérieur du siège social de Big Blue Bubble
A l'intérieur du siège social de Big Blue Bubble

 

L’équipe de Big Blue Bubble s’investit aussi personnellement dans le jeu. Chaque employé a créé une voix comique de monstre et six d’entre elles ont été choisies. Mais à qui appartiennent-elles ? Il est parfois difficile de le dire, puisqu’aucune n’est applicable à un homme ou une femme. Avec sa musique originale et neutre qui peut plaire à tous, ce jeu célèbre tout simplement l’imagination et l’universalité.

Les monstres et leurs créateurs reçoivent tous les jours des lettres d’admirateurs. Mais ceux-ci se manifestent et interagissent surtout dans les médias sociaux. Ils sont près de 800 000 abonnés dans Facebook et les vidéos du jeu ont été vus des millions de fois dans YouTube. Les monstres sont également présents sur Twitter et Vine, et Big Blue Bubble a dû affecter plusieurs employés aux relations avec cette communauté.

Diane Delsig est une grande admiratrice dont les vidéos et tutoriels sur les monstres chantants sont vus par des millions d’internautes. Big Blue Bubble l’a remerciée en lui faisant une surprise pour son 60e anniversaire. Le studio a invité Diane à London pour lui faire visiter le studio et enregistrer des vidéos qui ont ensuite été mises en ligne. Tout un cadeau, peu importe l’âge qu’on a ! Plus récemment, une école à London a monté une pièce de théâtre basée sur le jeu et ses créatures.

 

Nourissant les personnages uniques de My Singing Monsters
Les personnages uniques de My Singing Monsters

 

La musique du jeu est un autre élément très apprécié. Elle est écrite par Sugarland, et ceux et celles qui aiment le jeu et ce duo ont adoré qu’on crée un personnage inspiré du chanteur Kristian Bush. Cette promotion croisée a grandement bénéficié à tous.

My Singing Monsters apporte aussi beaucoup aux enfants atteints d’autisme et de troubles similaires. De nombreuses mères ont écrit à l’équipe pour lui expliquer les améliorations qu’elles ont cru déceler dans la vie de leurs petits depuis leur découverte des monstres chantants. Une grand-mère a même affirmé que sa petite-fille ne lui avait jamais parlé avant qu’elles ne jouent ensemble à ce jeu. Leur relation est maintenant beaucoup plus riche.

 


Une charmante collection de peluches de My Singing Monsters

 

My Singing Monsters est à ce jour le plus grand succès de Big Blue Bubble. Il a fait connaître le studio sur le marché des jeux pour enfants et jeunes, et permis par la suite la négociation de nouvelles ententes intéressantes. Avant, il était presque impossible de se faire recevoir par des sociétés comme Disney. « Maintenant, on vient à nous ! » La collection de produits dérivés comprend des T-shirts, des bijoux et des Mammotts en peluche. Le lancement de la suite My Singing Monsters: Dawn of Fire en octobre dernier devrait permettre à l’équipe d’atteindre le seuil de rentabilité d’ici l’été 2016 et de créer d’autres jeux à succès… en plus de quelques monstres.

Ce qui rend Damir particulièrement fier, c’est que ce jeu maintes fois primé soit unique. Vous savez que votre produit est populaire quand son concept est émulé. « Ce genre de jeu nécessite beaucoup de travail et ne peut être facilement copié. »

Et si on demande à Damir quel monstre il préfère ? « Mammott. Parce que ses yeux sont rieurs. »

Vous pouvez télécharger My Singing Monsters à partir de iTunes ou Google Play, du site Web de Playstation ou Amazon.

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My Singing Monsters

By Lindsey Vodarek / June 16, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

London-based Big Blue Bubble breeds monsters, music, and success.

 

Damir Slogar, Founder and President, Big Blue Bubble
Damir Slogar, Founder and President, Big Blue Bubble

 

My Singing Monsters by Big Blue Bubble is a world-builder game unlike any other where users can enjoy breeding and feeding singing monsters to build unique melodies. The game was the fantastical idea of an in-house designer at Big Blue Bubble, who had previously worked as a musician. He came up with the idea for fun creatures to create music together. Founder and President, Damir Slogar, immediately liked the uniqueness of the concept, but when he saw the first test phase, he fell in love.

Damir is originally from Croatia and moved to London, Ontario 17 years ago. With over 30 years’ experience in the gaming industry, Damir first worked for other studios before deciding to start his own. Big Blue Bubble is now a large multicultural company with a bulk of talent coming directly from local schools – the University of Western Ontario and Fanshawe College.

My Singing Monsters was a follow-up to their wildly popular game Burn the Rope, which became, quite literally, an overnight success. With extensive media coverage, the game had over a million downloads in 24 hours for iPhone alone! On the launch of My Singing Monsters, the team experienced instant success once more. Again featured by Apple, it had over a million downloads as well and the game was overloaded with users returning four to five times a day! The backend simply wasn’t ready for it but the team worked intensely to increase its capacity.

 

Inside Big Blue Bubble headquarters
Inside Big Blue Bubble headquarters 

 

Creators at Big Blue Bubble are also personally invested in the game. The company’s employees took turns making the funny voices for the monsters and in the end, half a dozen were selected. But whose voice is whose? It’s hard to tell sometimes as all the monsters are gender neutral. The game is a mix of everything: it’s all about imagination and universal appeal, with neutral music of no particular genre.

While the monsters and their creators get fan letters delivered every day, one of the main ways that fans interact with the game world and each other is through social media. With close to 800,000 followers on Facebook and millions of views on YouTube, fans can’t get enough. The monsters are also on Twitter and Vine and Big Blue Bubble has a very large team dedicated just to interacting with the community.

One such fan is Super Fan Diane Delsig. Diane creates singing monsters videos and tutorials and gets millions of views. The team at Big Blue Bubble wanted to thank her and decided to surprise her for her 60th birthday! They brought her to London for a studio tour and recorded videos that were shared online. Not a bad way to spend a birthday at any age! Other Super Fans include the kids at a local school in London who recently decided to do a play based on the game and characters.

 

Breed and feed the unique characters of My Singing Monsters
Breed and feed the unique characters of My Singing Monsters

 

The music is another important element of the game that fans love. Written by Sugarland, fans of the game and fans of the band were delighted when the team created a character based on band member Kristian Bush. This was a very successful cross-promotion for all those involved.

Another community that deeply benefits from My Singing Monsters are children with autism or similar conditions. A number of moms have written to the team to let them know about the changes and improvements in their children’s lives, which they feel is directly related to playing the game. One Grandmother revealed that her granddaughter had never spoken to her before but they connected through the game. They now have a much richer and more meaningful relationship.

 


A fun collection of My Singing Monsters toys

 

My Singing Monsters has been the biggest hit so far for Big Blue Bubble, helping to put them in the children’s and youth gaming spotlight and to negotiate better deals on future projects. It used to be near impossible to get a meeting with companies like Disney – “now they come to us!” Monster merchandise includes T-shirts, jewelry and stuffed Mammotts. With the recent launch of the sequel My Singing Monsters: Dawn of Fire in October 2015, the team is hoping to break even this summer (2016) and continue to grow their success (and more monsters).

While the game has won many awards, Damir is most proud of its uniqueness. You know a project is successful when there are many copies of the concept out there. “With the amount of work that goes into it, it can’t be easily copied.”

And who is Damir’s favourite Monster? “Mammott. I love the smile in the eyes.”

You can download My Singing Monsters from iTunes or Google Play, find it on Playstation and Kindle on Amazon.

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Describe Canada’s Film & TV Industry

June 10, 2016 / Posted in: Canadian Screen Awards

Eye On Canada asks "What does Canada's film and television industry mean to you?" Highlights from the red carpet at the 2016 Canadian Screen Awards.

The Book of Negroes: Part One | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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The Book of Negroes: Part One

By Lindsey Vodarek / June 01, 2016 / Posted in: Canadian Success Stories

An unfamiliar national history evolves as a national artistic treasure.

 

Damon D’Oliveira (Producer) and Clement Virgo (Director)
Damon D’Oliveira (Producer) and Clement Virgo (Director)

 

The six-part mini-series based on the book by Lawrence Hill and directed by Clement Virgo, swept the Canadian Screen Awards this year, collecting a total of 11 statuettes, including Best TV Movie or Limited Series and Best Cross-Platform Project – Fiction. Five years in the making, this was a heartfelt win for the team behind the production.

It all started when Clement was dragged over to a bookshelf in Indigo by his friend and singer Molly Johnson, who demanded that he read the novel. From the very first line he was captivated by Aminata, a historical fiction heroine. Soon after, Clement and Producer Damon D’Oliveira convinced Lawrence to work with them and Lawrence and Clement began writing the screenplay together. Damon knew they had to keep Lawrence on board for the journey. From his extensive research for the book, Lawrence was well-informed on the history of Black Loyalists and the settling of Nova Scotia.

 

On the set of The Book of Negroes
On the set of The Book of Negroes

 

With a fantastic script in place, Conquering Lion Pictures went out to pitch the idea. Initially, they had trouble getting international partners on board, as the focus seemed too nationalistic. Financing for a period piece can also be expensive and pitching the project as a feature-length film just wasn’t working. Realizing that TV was moving towards more event-driven stories, Damon suggested pitching the script as a miniseries. Soon after, CBC jumped on board and green lit the project.

In order to facilitate all of the necessary filming locations and to finance the production most effectively, The Book of Negroes was both an international coproduction between Canada and South Africa, as well as an inter-provincial coproduction between Ontario and Nova Scotia. From jungles to maritime harbours to major soundstages, the team took advantage of the amazing local landscapes and crews, in addition to the financial incentives these partnerships provided.

A realization from speaking with Producer Bill Niven, lead in Nova Scotia, is that that when passion and inspiration meet the ideal location, it’s nothing short of magic. There were five locations used in Nova Scotia alone, from the Fortress at Louisburg and the docks at Lunenburg, to the actual town of Shelburne itself.

 

On the set of The Book of Negroes
On the set of The Book of Negroes

 

As for how Bill got involved with the project, he read the book when it first came out and fell in love with it, finding it “utterly captivating and inspiring!” After reading in Playback Magazine that Damon had acquired the rights, he immediately reached out. When asked about his experience producing The Book of Negroes, Bill speaks fondly. “This has been at the top of the list, the most gratifying project professionally and personally.”

The challenge of creating 1700’s New York City was one that Bill took on with the help of then head of Film & Creative Industries Nova Scotia, Lisa Bugden, whose idea it was to use Fortress Louisburg. Damon, Bill and Clement went out to see the Fort and were sold on the spot. It had the right look and feel and would fit the architectural style of New York at that time, which was originally a Dutch Colony.

While on location in Nova Scotia and on the eve of the first day of production, cast and crew gathered with the descendants of the Loyalists upon whom the film is based for a barbeque celebration at the Black Loyalist Heritage Centre. There were plenty of moments to cry during filming but this time it was out of pure joy as they were welcomed into the community.

 

Bill Niven (Producer)
Bill Niven (Producer)

 

“That community touched me. To be part of the team that brought this story to a world audience was a big privilege.” – Bill Niven, Producer


In South Africa, locations that fit the bill included winery estates, beaches and jungles. One particularly memorable location was a jungle not far from Nelson Mandela’s home village, where locals came out to help build sets. They thatched huts and built structures to be as original as possible. The Book of Negroes was truly an international coproduction in every sense of the word.

The series has gone on to be nominated at the Critics’ Choice and Peabody Awards. The series is also being used in classrooms around the country to broaden Canadian History curriculum. While Clement says his first priority was to entertain (he is humbly reserved about the series being used for education), Lawrence hopes that the series will further discussion amongst a wider audience. He doesn’t want us to wait for terrible things to happen to force us to talk about our history. Before the book and film, the 3000 black immigrants that came north during 1783 were discussed far less often.

The Book of Negroes aired on CBC in January and February 2015 to some of the highest ratings ever - an average of well over a million viewers per episode. It also aired to rave reviews on BET in the United States and Africa and is being distributed globally by Entertainment One. Whether you’re watching it for the first time or enjoying it again, you can see it online at CBC.ca, Shomi, Hulu or purchase it on iTunes. And get the BON Historical Guide created by Secret Location in your App Store. The discussion continues on Instagram, Facebook and Twitter.

Stay tuned for Part Two of this blog where we look more at the star-studded cast and the important characters they portray, as well as what’s next for the team at Conquering Lion Pictures.

Apocalypse zombie, de la bande dessinée à l’écran! | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Apocalypse zombie, de la bande dessinée à l’écran!

January 19, 2016 / Posted in: Indie Games Level Up!

En direct du Sommet international du jeu de Montréal, Lateef Martin, de Miscellaneum Studios, nous parle du jeu Z’Isle inspiré des bandes dessinées portant sur une apocalypse de zombies.

Miscellaneum Studios présente Z’Isle, un jeu basé sur la reconstruction d’une ville où le joueur contrôle un groupe de survivants qui doivent reconquérir l’île de Montréal suite à une apocalypse de zombies.

Avant de devenir un jeu, l’univers de Z’Isle a d’abord pris naissance dans une série de bandes dessinées du même nom. En entrevue, le fondateur de Miscellaneum Studios explique comment la transposition de l’univers de Z’Isle dans un jeu vidéo permet de rejoindre de nouveaux publics :  

« Nous sommes une compagnie transmédia. On ne fait pas que des jeux. On veut s’adresser à des profils divers sur des plateformes diverses. »

- Lateef Martin, directeur de création et fondateur

Pour visionner l’entrevue :

Z’Isle devrait être disponible en 2017 ou début 2018. En attendant, visitez leur page Facebook pour des nouvelles sur la progression du développement.

Un nouvel épisode de Jeux indies : en action! sera mis en ligne le mercredi 27 janvier. Revenez nous voir pour obtenir plus d’information sur les coulisses des jeux indépendants canadiens ou abonnez-vous directement à la chaîne YouTube ou au balado iTunes de l’émission.

Zombie Apocalypse…from the comic book to the screen! | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Zombie Apocalypse…from the comic book to the screen!

January 19, 2016 / Posted in: Indie Games Level Up!

Live from the Montreal International Game Summit, Lateef Martin of Miscellaneum Studios talks about the video game Z’Isle, inspired by a zombie apocalypse comic book series.

Miscellaneum Studios presents Z’Isle, a game based on the reconstruction of a city where the player controls a group of survivors who must reconquer the Island of Montreal following a zombie apocalypse.

Before it became a game, the world of Z’Isle originated in a comic book series of the same name. In an interview, Miscellaneum Studios founder explains how the transposition of the Z’Isle universe to a video game will allow them to reach new audiences:

“My company is a transmedia company. We don’t just do games. We want to make sure we can reach huge numbers of players through many different portals.”

– Lateef Martin, creative director and founder

To watch the interview:

Z’Isle should be available in 2017, early 2018. In the meantime, visit the Z’Isle Facebook page for the latest news and progress reports.

A new installment will go online at Indie Games Level Up! on Wednesday, January 27. Check it out for more information on the Canadian independent games scene or subscribe directly to the YouTube channel or iTunes podcast.

Red Carpet interview with Art Hindle - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Art Hindle - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Actor Art Hindle talks about what he has been up to over the last year, which is a lot. He gives us a scoop on a new film called The Void.

Red Carpet interview with Zaib Shaikh - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Zaib Shaikh - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Zaib Shaikh, the Toronto Film Commissioner, speak about William F. White and filming in Toronto.

Red Carpet interview with Julian Richings - William F. White TIFF15 party. | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Julian Richings - William F. White TIFF15 party.

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Rainbow Kid and The Witch actor, Julian Richings, speaks about his films at TIFF15.

Red Carpet interview with Black Fawn Films - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Black Fawn Films - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Production company Black Fawn Films speak about some of their films including Antisocial 2 and Bite which had their world premieres at Fantasia.

Red Carpet interview with Laura Perlmutter - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Laura Perlmutter - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

TIFF Pitch This! winner Laura Perlmutter talks about all the successes she has had this year…and there have been a lot.

Red Carpet interview with Gaelle Renzaglia - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Gaelle Renzaglia - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Montrealer Gaelle Renzaglia speak about her new company and her new series Notebooks On Euphoria.

Red Carpet interview with Katie Uhlman - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Katie Uhlman - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Katie Uhlman speaks about her latest short film Pyramid Scream at TIFF15.

Red Carpet interview with Paul Bronfman - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Paul Bronfman - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Paul Bronfman gives us a wonderful insight into his TIFF experiences and his love of the industry.

Red Carpet interview with Colin Mochrie - William F. White TIFF15 Party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada

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Red Carpet interview with Colin Mochrie - William F. White TIFF15 Party

October 08, 2015 / Posted in: Toronto International Film Festival 2015

Comedian Colin Mochrie talks about what he did for his Summer vacation and about one of our favourite shows “Whose line is it Anyway”. Why does he still love touring?

Red Carpet interview with Don Carmody - William F. White TIFF15 party | EyeOnCanada | VueSurLeCanada